ENTRETENIMIENTO

Netflix se prepara para un octubre 2024 cargado de emociones y grandes estrenos. Dos películas, una de origen estadounidense y otra argentina, tienen a los espectadores de todo el mundo ansiosos por su llegada a la pantalla. Estas producciones, aunque de distintos géneros, prometen cautivar con sus intrigantes relatos. Los 7 mejores estrenos de Netflix en octubre 2024 En primer lugar, el 7 de octubre se estrenará "Los Hermanos Menendez", una producción dirigida por el cineasta argentino Alejandro Hartmann, conocido por su trabajo en documentales como Carmel: ¿Quién mató a María Marta? y El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas. La película documental aborda uno de los casos criminales más famosos de Estados Unidos: el juicio de Lyle y Erik Menendez, quienes en 1996 fueron condenados por el asesinato de sus padres. Este juicio, que conmocionó a la opinión pública estadounidense, es revisitado por primera vez en treinta años a través de extensas entrevistas en audio con los propios hermanos, así como con abogados, periodistas y testigos que estuvieron involucrados en el proceso. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. El director argentino trae una nueva perspectiva de este célebre caso, que muchos creen conocer pero que sigue generando controversia. Este estreno llega tras el éxito arrollador de la serie Monstruos de Ryan Murphy, que ha sido un tema de conversación mundial y prepara el terreno para otra historia de crímenes reales que promete dejar huella. Una producción Argentina que promete ser un éxito: "El hombre que amaba los platos voladores" Por otro lado, desde Argentina, el 18 de octubre, llegará "El hombre que amaba los platos voladores", una película que nos traslada a 1986 con el periodista José de Zer y su camarógrafo al que llamaba "Chango". La trama sigue su viaje hacia La Candelaria, un pequeño pueblo en Córdoba, tras recibir una misteriosa propuesta de dos personajes sospechosos. Lo que parece ser un caso menor de un pastizal quemado en los cerros se convierte en un suceso extraordinario cuando se descubre la creación audiovisual más recordada de la televisión argentina sobre la presencia de alienígenas. La película, dirigida por Diego Lerma y protagonizada por Leonardo Sbaraglia, cuenta con un elenco que incluye a Sergio Prina, Osmar Núñez, Renata Lerman, María Merlino, Agustín Rittano, Norman Briski y las participaciones especiales de Daniel Aráoz y Mónica Ayos. Filmada en locaciones de Córdoba, San Luis, Mendoza y Buenos Aires, esta producción promete cautivar tanto por su narrativa como por la calidad de su puesta en escena. JCCL CP

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La primera aparición de la tira fue en la revista Primera Plana, pero su creador, el dibujante Joaquín Salvador Lavado, más conocido como “Quino”, había creado el personaje dos años antes. Quino buscaba un nombre de mujer que compartiera algunas letras con la marca “Mansfield”, y vio la película “Dar la cara”, donde hay una bebé que se llama “Mafalda”. Finalmente, la tira no se publicó y dos años después, la Revista Primera Plana le pidió a Quino una colaboración, pero no querían la típica página de humor, sino algo nuevo. Hasta ese momento, Quino solo tenía la idea de contar la historia de un matrimonio con una nena, pero luego de varias tiras, el autor decidió ir incorporando personajes. Así nacieron Felipe, Manolito, Susanita, Miguelito, Guille y Libertad. El universo “Mafalda” se fue convirtiendo en un espejo de la clase media argentina y de la juventud progresista que afloraba en la época. De a poco, Mafalda se fue haciendo muy popular en Latinoamérica y varios países de Europa, llegando a ser traducida a más de treinta idiomas. El escritor y filósofo italiano Umberto Eco definió a Mafalda como “el personaje de los años 70. Tiene ideas confusas en materia política, no consigue entender lo que sucede en Vietnam, no sabe por qué existen pobres, desconfía del Estado pero tiene recelo de los chinos. Sin embargo tiene una única certeza: no está satisfecha”. La historieta fue publicada en diez libros que reúnen más de 240 tiras, hasta que Quino, en el 73,  decidió dejar de dibujarla. Décadas después, el humor y los reclamos sociales de esta nena que ama a los Beatles y odia la sopa siguen tan vigentes como el primer día. El 29 de septiembre de 1964 se publicó por primera vez la historieta “Mafalda”. La historia también es noticia. Radio Perfil. Guión de Eduarto Santachita. Locución de Pita Fortín. por Radio Perfil Galería de imágenes

Todavía no lo sé, es algo que no puedo responder todavía” dice Juana Viale. Habla sobre que implica Juana, la obra de teatro que estrena hoy y que la tiene frente a una de las aventuras lúdicas más importantes y jugadas de su vida. En Juana, Vi​​ale es Juana de Arco, la Papisa Juana, Juana la Loca, Sor Juana Inés de la Cruz, Juana Azurduy o Juana Doña, entre muchas otras. Y así la lista de Juanas que hicieron historia, que perdieron la vida, que marcaron al mundo a fuego. Pero Viale, de familia de artistas, entre otras profesiones, sigue con ese hilo de pensamiento: “Me encantaría saber qué implica esta obra en este momento de mi vida. Todas las cosas suceden por algo, no creo que sea todo tan liviano. Todavía la estoy ensayando, todavía no empecé a rodarla, digamos. Esas preguntas me van a venir un poco después”. El proyecto le llega gracias a su amigo José Luis Mazza, y que la tiene trabajando con Chevy Muraday, como director y creador, Juana Viale aclara que ella es “muy hacedora, de hacer, pero, no hacer por hacer, no deseo eso, me es difícil pararme en un escenario por el mero hecho de pararme”. Aclara: “Pasó esto de las Juanas, que cada vez que lo pienso, más lo vivo, más lo siento, muy poderoso, muy increíble. Excepcional. Me impresiona… todas se llamaban Juana, en distintos siglos, distintas culturas, distintos momentos en el tiempo, distintos continentes, distintas realidades, todo medio envuelto en una realidad siempre donde la mujer no tenía un espacio, no era respetada. Es raro que se hayan llamado Juana. No hay muchas Maria Antonietta. No hay muchas Marie Curie. Son preguntas que le lanzó al universo, de cosas que me van resonando”. La obra que comienza hoy en el teatro Regio, la tiene reflexionando sobre esos nombres y estela: “Me parece que esto de la pasión, de la pulsión interna, de lo disruptivas… lo valiente viene después de haber hecho. Son mujeres que patearon el tablero, pero que no sabían ni remotamente lo que iban a generar. Yo hablo de una pasión, porque lo que puede mover a que una niña de 14 años vaya a pelear primero vestida de hombre, porque era la única manera en que podía pelear, ejercer su deseo, no me entra en el cráneo. Que haya habido una mujer papa, que cuando descubrieron que era mujer, que lo descubrieron porque parió en una procesión, la lapidaron ahí y a la criatura también… hay cosas que me superan, que no me entran en la cabeza. Es un poco de todo lo que me envolvió en decir ‘esto quiero hacerlo, esto quiero contarlo’”.  —¿Cómo trabajás a las diferentes Juanas? —Son energías muy fuertes, es invocar mucho. Es una obra muy conceptual. Creo que hay una poesía, o un lenguaje que contamina todo. Sí hay distintas tonalidades, distintos colores, distintas velocidades, distintas músicas y vestuarios. Chevy Muraday, que es el coreógrafo y director, es realmente maravilloso a la hora de estos conceptos. Creo que va más allá de contar la historia de cada una, es contar el deseo, el amor, o la pulsión que trascendieron.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —Y claro, está la historia de la opresión… —Estas mujeres movieron la barrera tanto, que muchas otras conquistas fueron por un aleteo de estas mujeres. Son el mascarón de proa de muchas otras que no pudieron entrar a los libros de historia. Juana de Arco tuvo que declararse culpable porque le dijeron que así iban a perdonarla, y así terminó. Juana Azurduy, una mujer tan luchadora, tan apasionada de su tierra, de su lucha y de su amor ¿entendes? Y yo lo único que hago de ella es decir una poesía de ella. Eso envuelve toda su grandeza. Es una una obra que me interpela un montón, y habla de la mujer, habla de la naturaleza, habla del origen, habla de la esencia, habla del no ser correcto.  —¿Es un discurso que te interpela? —Por supuesto que me interpela. Me representa. Yo soy así. Y ellas fueron así. Entiendo el juicio, la condena, la mirada ajena que condena. Entonces, sí, me interpela. —¿Qué te pasa a la hora de contar, considerando que es parte vital de tu árbol genealógico?  —Contar es muchas veces definir puntos de vista, porque todo se cuenta desde un lugar. Esta obra es un regalo, es un obsequio, una semilla. Obviamente a cada uno, depende de donde este ubicado, de como llegue al teatro, todas las cosas para atrás de cada alma, te deja algo, o no. Puede ser un pasatiempo, o puede ser un pregunta que te surja en una semana en un sueño por un color que viste en la obra. Es una obra muy poderosa, y yo confío en eso. —Es una aventura bastante fuerte esta obra… —Yo soy alguien muy del presente, entonces me cuesta ponerme nerviosa pensando en el estreno del 22 de septiembre. Estoy pensando en las luces, en la acústica, en pasitos cortos, que me permiten disfrutar más. Yo soy mucho de disfrutar, de disfrutar a mis compañeros… son cuatro bailarines que te morís. Todos aprendemos en mundos distintos, y ahora nosotros somos un mundo, aprendiendo a congeniar, a hablarnos, a crear juntos, a mirarnos, a hablarnos con el cuerpo. Yo estoy aprendiendo mucho, es una obra muy física, con mucha danza. Cada una tiene su fisicidad, todo tiene muchos ritmos marcados, hay partes que es pura danza y cero texto, entonces el cuerpo hablam mucho, hay partes que son mucho cuerpo y mucho texto también. —¿Qué sentís vos cuando estás en un escenario? —¿Alguna vez tuviste un cenital de frente? Bueno, se siente exactamente eso. Es la luz y es la sombra. Es el absoluto. —¿Qué relación tenés con tu profesión hoy? —Me encanta. La disfruto. Hay veces que la disfruto más, hay cosas que menos. Hay cosas, los satélites, que me gustan menos: los entiendo, los comprendo, y sé que son necesarios. Pero hay momentos donde digo ¿y sí no soy más lo que soy y soy otra cosa? También me lo pregunto. Ahora inmersa en este proyecto, estoy muy apasionada: todo el día el proyecto, me levanto a la madrugada con frases, a veces hablo con amigos y les cuento frases de la obra. Ahora todo me resuena apasionadamente. Tengo el texto todo alrededor de mi casa. Aprendí, por ejemplo, partes del texto alrededor de la mesa: es muy difícil coordinar, y yo que no soy bailarina, necesitaba a aprender a decir mis líneas en movimiento. Son dos cosas al mismo tiempo, hasta que todo es uno, después de sentirte muy frustrada, marcando mucho el movimiento. Ahora pienso todo el tiempo, todo el día. Y espero que me pase durante mucho tiempo eso. —La tuya es una familia de hombres y mujeres fuertes, que han logrado una convivencia desde, al menos desde afuera, la plenitud de las aptitudes de todos. ¿Qué pensás de eso? —Siento que tuve uno de los mejores ejemplos de la igualdad, de que no es 50/50, a veces es 70/30, a veces es 60/40, que el equilibrio no es estar en la luz todo el tiempo, si no que a veces es estar en la sombra. Tengo unos padres muy maravillosos -bueno, no todo, pero se los siente así en esta conversación-. Ellos se separaron cuando eran muy jóvenes y siempre estuvieron juntos, y siempre celebramos las fiestas juntos. Cada uno hizo su familia, y sus familias vinieron a nuestra familia. Entonces, realmente la igualdad aparece en muchos lugares: en las elecciones sexuales, en los deseos de artistas, ingenieros, médicos (tuve de todo, y todo fue recibido, no había un correcto o incorrecto). Siempre fue el esfuerzo, siempre fue la voluntad, seguir el deseo, respetar el deseo. Realmente tengo esa imagen, de algo que aprendí en mi casa, de un mundo de artistas, de pensadores, e intelectuales, del ejecutivo matemático absoluto. Tengo un buen combo.

Con una puesta en escena al estilo medieval, el trapero nacido en Bélgica y radicado en Argentina, Indra Bhalavan, más conocido como Bhavi, volvió este viernes al Estadio Obras Sanitarias y anticipó su próximo álbum "Bhavilonia". Justamente, la escenografía y coreografía eran en honor al próximo disco, el cual explicó que está creado desde "lo más profundo de mi corazón, mi visión y mi ser". "El mejor show de mi vida. Lo piden, lo tienen. Siguen las bendiciones y las celebramos en Obras. Los amo, show histórico nunca antes visto", había adelantado el músico a través de sus redes sociales. De esa manera, agotó su primera fecha en menos de 24 horas y debió agregar una segunda para el sábado 28 de septiembre. Con invitadas especiales y volando sobre el escenario, Ca7riel & Paco Amoroso presentaron "Baño María" en el Movistar Arena Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Desde temprano, los fanáticos (la mayoría de ellos jóvenes) se presentaron en el estadio porteño, el cual incluso en el exterior mantenía la insignia medieval. En ese sentido, dos estandartes con el escudo del disco, donde se leía "Bhavilonia", decoraban las paredes del Obras. Dentro, la puesta en escena era aún más grande: el escenario simulaba un castillo de dos pisos con su propia torre y la música de espera rememoraba a la Edad Media. Sumado a esto, el vestuario de los bailarines también era acorde a la situación: princesas, doncellas, caballeros, guardias, bufones y verdugos fueron algunos de los personajes que aparecieron en la noche. Incluso los camarógrafos estaban disfrazados para mantener la fantasía. Antes de que el trapero apareciera, en el campo, el otro gran protagonista del show, ya se estaba viviendo una fiesta. Al respecto, los pogos y cánticos típicos de recitales (como "El que no salta es un inglés") comenzaron en la previa. También hubo una especie de "concurso" entre los fanáticos, siendo que quienes estaban en el campo se jactaban de ser más animados en comparación de los de la platea, a pesar de que estos últimos no dudaron en estar de pie y saltar durante todo el espectáculo. Esa energía incansable se vivió a lo largo de las dos horas de concierto.   El inicio del show entre caballeros, doncellas y un banquete Pasadas las 21, y luego de las presentaciones de Turro Baby y Swaggerman como teloneros, Bhavi subió al escenario y comenzó la noche con "Piso", uno de sus mayores hits y la canción que lo disparó dentro de la escena urbana argentina. Los pogos no se hicieron esperar y Obras comenzó a vibrar por el movimiento y gritos de la gente, siendo que en algunos momentos llegaban a superar en volumen al artista. "Buen día, buenas noches, buenas tardes, como ustedes lo sientan. Muchísimas gracias. Miren dónde llegamos haciendo música desde el corazón. Yo sé que todos ustedes escuchan música no con los oídos, sino con el corazón, y por eso están acá", expresó en medio de la primera tanda, la cual también estuvo compuesta por "22 hs", "Libre", "Algo rico" y "Bien". La última pista de esa sección fue "Puff", para la cual, fiel a la letra, el trapero hizo "un truco de magia" y desapareció luego del último verso. Entre columnas de humo y lluvia de papeles, cada tema fue recibido por los saltos y ovación del público. El segundo bloque de la noche, que fue el más largo, simuló un banquete. En los momentos en que Bhavi no estuvo presente, los bailarines se encargaron de preparar la escena. Para eso, instalaron una mesa larga en medio del escenario, la cual tenía encima distintas comidas, un cáliz y velas, acompañada con un trono, en el cual se sentó el cantante cuando reapareció. "Butaka" fue el tema que dio inicio a esa tanda, que continuó con "Ven a mí", "Dame más", "Hola bebé" y "Te necesito". "¿Cómo la están pasando? ¿Vieron algo así alguna vez? Quiero verlos saltar", arengó el trapero, invitando a la gente a que se siguiera moviendo entre canción y canción. Mientras tanto, algunos de los bailarines se subían a la mesa para continuar su coreografía.   Los invitados especiales y el simulacro de una ejecución Casi a la mitad del show, se presentaron los invitados de la noche. El primero fue Khea, con quien entonaron "Qué pasó?" en medio de los gritos de los fanáticos y columnas de humo. Cuando terminó el tema, el trapero y los bailarines simularon dormirse, para despertarse al turno de "Ocaso", que contó nuevamente con la participación de Khea y se sumaron C.R.O y Neo Pistea. Le siguió "El don", donde estuvieron Khea, Lit Killah y Asan. "Aguante la escena argentina, wacho. Aguante la unión. Si hay algo para aprender es que acá hay amor, unión y respeto. ¿Les parece que es poco eso? Eso hace que esta mesa dure para siempre", celebró Bhavi luego de las colaboraciones. De vuelta solo en escena, las pistas que continuaron fueron "Cinema", "Charts N Harts", "Piel de gallina", "Hijo único", "La mirada" y "Lado a lado", este último destacado por el músico como un tema que "me encanta". Acto seguido, se reprodujeron en los parlantes algunas de las canciones que formarán parte de su próximo álbum y que hasta el momento no había compartido: "Hasta la luna" y "Loco x vos". También interpretó "Sunday", su último estreno. "¿Vieron lo que les hace sentir esos temas? Este es el pie a Bhavilonia. Bhavilonia está hecho desde lo más profundo de mi corazón, de mi visión y de mi ser. De a poquito vamos a llegar ahí. A mí me emociona mucho porque sé que les estoy dando lo correcto. Cero chucu (N. de R.: jerga similar a chamuyo), sé que lo hago de corazón. Bienvenidos a Bhavilonia, mis amores", manifestó emocionado sobre el disco que lanzará este año. Luego de notar la buena recepción por parte del público, agregó: "Con esto me doy cuenta de que Bhavilonia viene por el buen camino. Con el amor, con la honestidad, con la pasión de ustedes. Pasa un show tras otro y veo que ustedes aman estas canciones. Me di cuenta de que puedo ser yo mismo y darles lo más puro que tengo, que es Bhavilonia". De esa manera, dio el pie a "la coronación de Bhavilonia", lo que definió como "el momento que empieza a nacer" el disco. Para ello, simuló una coronación en el escenario y se arrodilló frente a uno de los bailarines, quien realizó un espaldarazo. Tras el rito con la espada, otro de los bailarines le acercó un collar con el escudo del disco, el cual estaba sobre un almohadón, reemplazando a una corona. "Es el mejor disco que hice hasta ahora. Estoy muy feliz, gracias", afirmó, antes de interpretar "Fresko". "Van a querer prender las cámaras para lo que está por pasar", adelantó el trapero, dando pie a la aparición de YSY A, que fue recibido por la ovación del público. Juntos y envueltos en columnas de humo, cantaron "Flechazo en el centro", "Tuuuyo", "Mi ciudad" (en la cual también se sumó Tiago PZK) y "Mueren x matarme". Después de esa última pista, los bailarines agarraron al trapero y simularon una ejecución en la horca, mientras que el invitado exigía que lo suelten. Colgado de la soga, el show continuó con "Teca", que contó con la participación de YSY A, Asan, Rei y Midel. Cuando terminó el tema, los bailarines bajaron al cantante y lo colocaron en un ataúd, cubriéndolo con una manta y aparentando un funeral, acompañado de fondo con un instrumental dramático....

Después de exitoso su paso por el Festival de Tribeca y unos días antes de ser proyectada en la sección Horizontes del Festival de San Sebastián, ha llegado a los cines argentinos El aroma del pasto recién cortado, película de Celina Murga que pone el foco sobre la inestabilidad en las relaciones sentimentales a través de una historia en la que los integrantes de una pareja en crisis ocultan vidas paralelas que tienen algunas dinámicas parecidas. Pero la directora entrerriana no entrega un paquete cerrado. Más bien deja un espacio abierto para que el espectador observe, analice y saque sus propias conclusiones sobre lo que ocurre. Más allá de ese sistema especular que plantea el guion, muy útil para poner a prueba cómo se juzga de acuerdo al lugar desde dónde se mira, la base de El aroma del pasto recién cortado son las interpretaciones: en su cuarto largometraje, Murga reafirma su capacidad para la dirección de actores consiguiendo trabajos muy sólidos de todo el elenco principal: las parejas integradas por Joaquín Furriel y Romina Peluffo, por un lado, y la mexicana Marina de Tavira y el uruguayo Alfonso Tort, por el otro, y los terceros en discordia (Verónica Gerez y Emanuel Parga), dos jóvenes que terminan por acelerar un cambio de rumbo que de algún modo se venía gestando hace rato.  No hay juicios definitivos ni prescripciones de conductas apropiadas para las circunstancias en este film apadrinado por Martin Scorsese, mentor de la realizadora en un programa de apoyo de la Fundación Rolex, y cuyo guión Murga escribió en colaboración con Juan Villegas y Lucía Osorio.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. “Es una historia con varias capas, pero a mí me gusta pensar que es una película sobre qué significa, sobre qué es hoy el matrimonio -explica la directora, de 51 años-. La película plantea preguntas sobre los vínculos, sobre las formas que toman en una pareja que además se eligió para ser familia y ya lleva unos cuantos años en eso. Me interesaba marcar que el matrimonio es entendido muchísimas veces de una manera que a mí me parece arcaica. Más allá de que existe el divorcio para resolver las crisis profundas de una pareja, toda separación es vivida como un fracaso, cuando en realidad se trata de un movimiento natural. Podemos observar los ciclos de la vida en muchas otras cuestiones: las plantas nacen, crecen y se mueren, están las diferencias entre las estaciones del año, etc. Pero nos cuesta un montón asumir la idea de cambio en una persona.  Ese ‘desde ahora y para siempre’ del matrimonio muchas veces es antinatural. Es forzado intentar sostenerlo cuando se hace evidente que no funciona”.  La idea de las historias de estas relaciones paralelas de los dos integrantes de la pareja protagónica estuvo en la génesis del proyecto. “Aunque a nivel estructural hubo cambios e ideas que fueron mutando, la película nació de una pregunta: ¿Qué pasa si contamos historias similares transitadas por un hombre y por una mujer? Invitamos al espectador a verse reflejado en ese espejo. Que cada uno observe cómo mira y cómo juzga a un género y al otro. Esa fue una primera idea, muy conceptual, que presentaba un escenario bastante distinto al de mis otras películas. Y el gran desafío, tanto en el guión como en la puesta en escena, era encontrar un balance para que el dispositivo fuera una parte importante de la propuesta narrativa y dramática pero no diera como resultado una película de tesis que no logra conectarte con los personajes y los mundos narrados. No quería que fuera un ejercicio puramente formal”.   Para armar esa estructura espejada que cumple un rol determinante en El aroma del pasto recién cortado fue clave el trabajo de edición. “La verdad es que el montaje fue una fiesta –resalta la directora–. Sobre todo porque es una etapa que yo disfruto mucho, aunque sé que también se padece. Uno puede estar un poco perdido en algún momento del proceso, pero es algo normal, no hay que asustarse. En este caso, el montaje fue una especie de reescritura del guión. Fuimos probando algunas cosas que incluso nos parecían medio una locura porque creemos de verdad que la alquimia que producen las diferentes yuxtaposiciones de imágenes y sonido generan sentido, provocan una alquimia, le dan paso a algunas ideas nuevas. Yo suelo controlar bastante todo ese proceso. No soy restrictiva y permito que los demás aporten, pero estoy muy encima porque me gusta ese trabajo y le dedico mucho tiempo. De repente, a alguien le puede parecer que estar tan pendiente coarta un poco la libertad del montajista, pero es parte de mi forma de laburar, de mi identidad como cineasta”.           El aroma del pasto recién cortado se iba a empezar a filmar cuando estalló la pandemia del coronavirus, que obligó a postergar el rodaje y a armarse de paciencia. Después de los esfuerzos que supone para cualquier director o directora de  Argentina conseguir financiación para un proyecto, la ansiedad que aparece cuando está todo listo y hay que esperar por alguna razón imprevista es innegable. Finalmente, Celina Murga pudo empezar y terminar el proceso el año pasado. Y Scorsese ayudó con sugerencias para promocionar la película internacionalmente, para hacerla más visible. “Más allá de ser un gran cineasta, es una persona muy cálida, alguien que te hace sentir muy cómodo, que sabe cómo romper el hielo porque tiene plena conciencia de quién es y de lo que genera. Fue un gran mentor y ha sido especialmente generoso conmigo porque la beca fue en 2009 y nos vinculaba formalmente por un año y medio. Sin embargo, quince años más tarde me sigue apoyando, sigue siendo parte de mis películas. Nos encontramos en el festival de Tribeca y fue muy amoroso conmigo, no puedo estar más que agradecida”. No todos los cineastas lo hacen, pero muchos suelen tomar referencias de películas que les interesan para consolidar en concreto aquello que tuvieron en mente cuando arrancan con un proyecto. “Cuando estábamos escribiendo el guión pensé mucho en Ahora sí, antes no (film del coreano Hong Sang-soo premiado en el Festival de Locarno en 2015) -revela Murga-. Es una película que cuenta una misma historia dos veces, desde puntos de vista diferentes. Fue una inspiración importante”.  En plena crisis del cine argentino, con la inestabilidad que ha provocado la confusa política del gobierno de Javier Milei en relación con el Incaa, Celina Murga ya está trabajando en un nuevo largo del que prefiere no dar muchos detalles. Seguramente, tiene también las mismas zozobras que todos los que trabajan en el sector en esta Argentina impredecible. “Bueno, está todo muy complicado, eso es obvio –apunta la directora, que forma parte de la Comisión  Directiva de la asociación PCI (Proyecto Cine Independiente)–. Todo muy oscuro… Es difícil tener una mirada optimista porque si bien el Incaa no está cerrado, sí está desfinanciado y no veo ideas concretas para ponerlo en marcha ni políticas cinematográficas claras. Incluso en gestiones anteriores que podían no gustarme había una idea de lo que se quería fomentar y hacia dónde se quería llevar al cine argentino. Ahora no hay ninguna idea, es una especie de congelamiento absoluto. Nosotros con el PCI estamos trabajando hace ya cuatro años en una nueva ley audiovisual, buscando consensos y apoyo legislativo, pero la sensación es que todo se desaceleró porque no hay una escucha del otro lado”.

Profesionalmente llegué al trapecio a los 20 años, pero desde que recuerdo estoy trepada en algún lugar. Los árboles, los muebles de mi casa, los marcos de las puertas, incluso recuerdo usar el auto de mi padre como tobogán. Todo lo que fuese intrépido, lejos del piso y arriesgado se me ocurría a mi. Así que cuando llegué al circo sentí como si hubiese vuelto a casa, como si ese fuese mi lugar en el universo.  Mi formación empieza con mi tía, quien era discípula de Maria Fux y me enseñó a bailar desde muy pequeña; ella me regaló la libertad de expresar mi arte y fue quien marcó el camino que luego recorrí. Más grande aprendí expresión corporal, hice la escuela de danza teatro de la UBA y terminé convocada a un espectáculo de circo porque sabía andar en zancos. Me fui a Brasil a estudiar trapecio, cuerda, monociclo y volví para estrenar Emociones Simples en 1982, el primer espectáculo de nuevo circo aquí en Argentina. Siguen años de circo callejero con el payaso Chacovachi y viajes a formarnos como malabaristas y acróbatas en varios países de Europa y Latinoamérica. En paralelo a mi carrera de acróbata me formé como maestra de yoga y viajé a la India varias veces para completar mis estudios. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Desde siempre me gusta enseñar. Estudié para ser maestra de grado y para ser maestra Waldorf y terminé desarrollando una pedagogía propia dentro del lenguaje de las nuevas artes circenses. Durante 10 años dicté el “Seminario pedagógico de Formación Docente” entrenando así cientos de maestros y maestras de circo que incluyen el arte, el conocimiento de las etapas evolutivas y los temperamentos del niño en el momento en que planifican y dan una clase de circo. En noviembre del 2004 abrí mi propia escuela, el Club de Trapecistas, donde empecé a dar clases de circo, de yoga, de creación y donde pude encontrar al fin el espacio para ensayar y montar mis propios espectáculos. Con alumnos de mi primer año de escuela cree el Circo Negro. La sala del Club, con capacidad para 150 personas, abre sus puertas en 2004 como un espacio de experimentación en técnicas de acrobacia aérea, fusionando distintos lenguajes expresivos y técnicos. Mamushka es la primera obra que realizamos íntegramente con luz negra, entre otras razones ¡porque no había luces aún! En estos años ha ido ampliando su programación con la presencia de espectáculos teatrales, de circo, musicales y experimentales de una gran diversidad. Dirigí para la compañía Circo Negro las obras: Mamushka (noviembre, 2005, la obra realizó 6 temporadas), Mandalah (febrero, 2008), Grandes Éxitos (julio, 2010), Brumadhia (julio, 2011), Treptikon (agosto 2013), Aniversario (octubre 2014 a  noviembre de 2016) y Ceremonia Circo Negro (abril 2024). El Club de Trapecistas es un centro de formación y creación dedicado al aprendizaje y la enseñanza de las técnicas circenses aéreas (tela, trapecio, aro, cuerda, elástico). La mayoría de las clases son de entrenamiento pero también brindamos seminarios de creación y puesta en escena, muchos de los cuales terminan con una puesta en escena de lo trabajado. Uno de los objetivos de la Escuela es acompañar a los alumnos en el camino de aprendizaje y profesionalización. Del mismo modo, brindarle a los maestros la posibilidad de hacer una puesta en escena que con el tiempo pueda crecer hasta transformarse en un espectáculo. Abrimos el espacio para el entrenamiento e intercambio, este año por ejemplo recibimos a los cuerdistas del Cirque du Soleil. Durante la semana el espacio está lleno de acróbatas y por las noches, los fines de semana, se transforma en Teatro. Levantamos las telas y los trapecios, bajamos los telones, colocamos las sillas… es como un enorme rompecabezas que armamos y desarmamos una y otra vez. Nuestro juego eterno. Desde el sábado 31 de agosto volvimos a escena con nuestra última obra, Ceremonia Circo Negro. Las y los esperamos los sábados a las 21 hs y los domingos 20 hs en Ferrari 252, Villa Crespo. Te espero para compartir esta experiencia. *Fundadora del Club de los Trapecistas y directora de Ceremonia, circo negro.

El 28 de septiembre llega el primer show de la temporada 50 de Saturday Night Live, el programa de Lorne Michael que cambió para siempre la comedia mundial. Con hogar exclusivo en Universal +, plataforma que ha logrado una programación diferente (prueba es esta temporada), SNL vuelve. El mítico show que ha creado más carreras e íconos que las que una entrevista puede evidencia (de la a de Adam Sandler a la W de Kristen Wiig), y decenas de franquicias como pueden ser Coneheads, Wayne’s World, y muchas muchas más. De hecho, Mikey Day, parte del show escritor y como uno de sus principales comediantes -que se hizo viral la temporada pasado siendo el falso ButtHead al falso Beavis de Ryan Gosling-, cuenta en exclusiva a PERFIL sus primeros vínculos con el show del cuál hoy es uno de sus más importantes componentes: “Tenía 6 o 7 años, y vi una emisión de un episodio viejo en Nick at Night. Eran los Coneheads, y estaban en un sketch donde se los mostraba en el programa de entretenimiento Family Feud. Me voló la cabeza. ¿Qué era eso? Me acuerdo de reírme en voz alta. Un niño de seis años se reía a la par de los adultos. Puede que se rían de cosas distintas, pero muchas veces de la misma. No siempre recordas la primera vez que ves un show, pero aquí sí me sucedió”. Y suma: “Después de más grande, me encontré con Wayne’s World, con Mike Myers y Dana Carvey, y después vino la película con esos mismos personajes. Fueron dos momentos en los que SNL entró en mi vida”.   —¿Hay una historia de Estados Unidos que puede verse a partir de los 50 años de “Saturday Night Live”? —Nunca lo había pensado así, pero es muy cierto, sin dudas. Hay una forma de entender nuestro país desde la comedia de Saturday Night Live, históricamente se ha hablado siempre de los políticos y las elecciones son uno de los epicentros de las temporadas que tienen en el horizonte una votación importante, por ejemplo, la que se viene ahora en Estados Unidos. Definitivamente todos miran a SNL a ver que va a hacer y que va a decir. Y cuando sucede, algo importante, todos miran a SNL a ver cuál será la respuesta, cuál será la forma en que se va a encarar tal o cual situación. Hay tantos shows ahora ahí, y toda la Internet comenta también cualquier cosa que sucede en la cultura popular, pero SNL está hace tanto ahí que es una voz de la que se espera que genere sentido de las cosas que son una locura. Hay una idea de que SNL nos permite procesar determinadas cosas. Por ejemplo, después del 11 de septiembre, del 11/9, se realizó el episodio en el cual se presentaron en vivo bomberos de la ciudad, Siempre ha estado ahí, SNL siempre ha acompañado al país en sus grandes cambios, en sus grandes tragedias. El show siempre ha estado ahí, por decirlo de alguna manera.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —“SNL” tiene la fama de ser esta famosa máquina de caos hermosa gigante, de nombres que se convirtieron en íconos de la comedia pero siempre bajo la marca de la casa: ¿cómo se logra imprimir una huella personal en algo tan gigante, con tanta historia y con tanto en juego? —Lo bueno es que mientras haces el shows, los martes, el día que se escriben los sketches podes realmente escribir lo que queres. No hay mapa, no hay una guía, no hay reglas. Tan solo que sí hay alguna gente escribiendo algo en un rincón del estudio, mejor te mantengas lejos de ellos. Pero no es una orden marcial. Y podemos escribir lo que queremos, y obvio que no todo es gracioso a la hora de leer todos juntos en la mesa. Hay una chance, con un porcentaje muy alto, de que aquello que escribís pueda ser emitido en uno de los programas más famosos de la TV, y que va a ser visto por millones de personas. No deja de ser algo que vos escribiste. Entonces eso te permite que aunque no lo sepan, te vean. Es un gran lugar para ser un comediante en este momento.   Los momento duros —¿Qué has aprendido de cuando un sketch fracasa? —Oh, mi dios. Y he tenido varios de esos. Te los acuerdas tanto como los éxitos, como las bromas que se hacen virales. Te los acuerdas, te lo juro. Pero hay un lado positivo, que viene con el tiempo: al principio te da terror fallar, te da terror que las cosas salgan mal. Tenes el ensayo, que es también con público, y después el show. Entonces en la pasada de ensayo, hay tres o cinco sketches más, que se tienen que caer, así que si algo no funciona, probablemente no llega al aire. Es raro el caso de algo que fracasó ya en la instancia del vivo. Pero ha pasado, claro que ha pasado. No recuerdo ninguno ahora, pero no es divertido estar ahí, ya vestido, listo, ensayando frente al público, hacer el chiste y que nadie se ría, escuchar el cuchicheo que viene de la oscuridad, porque lo que hiciste acaba de fracasar. Apenas unas risitas quizás. Y ahí entras a dudar, porque cuando escribís un sketch vos lo producís, entonces en la construcción de la escena para llegar al sábado, te ocupas de todo con los respectivos departamentos, entonces cuando algo fracasa, si sos permeable, te sentís muy responsable al respecto, con tristeza incluída. Es definitivamente más largo cuando haces algo malo. Cuanto más breve es mejor, otra lección. Cuando estás escribiendo pensas que todo lo que haces está buenísimo, y que todo tiene que estar ahí, pero con el tiempo vas aprendiendo a limitarlo, a que sea más corto.

"Estamos con la ilusión a flor de piel, como si fuese el primer día. Con todas las ganas y la energía para dar lo mejor de nosotros. La felicidad que tenemos es inmensa. Ahora sí… ¡volvemos a los escenarios!", había anunciado la banda de pop rock Indios el pasado abril. De esa manera, el grupo finalizó una pausa de cuatro años con una serie de noches en Niceto Club, en lo que fue el tan ansiado reencuentro con el público que lo esperó durante este tiempo y aquellos que se sumaron en el impasse. Oriundos de Rosario (Santa Fe), el regreso a la escena se dio oficialmente el pasado 7 de junio en el club ubicado en el barrio porteño de Palermo. Debido a que se agotaron las entradas, se agregaron dos fechas más (8 de junio y 8 de agosto) y una cuarta (27 de septiembre), que culminó la visita a Buenos Aires. En el medio hubo un paso por Córdoba, mientras que los próximos destinos serán el Festival Harlem y Festival Bandera, ambos de su provincia natal. Entre pogos y banderas, Ratones Paranoicos realizó su show de despedida en Vélez: "El rock está más vivo que nunca" Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. "¡Buenos Aires, nos vemos en la primavera! ¡Sale el cuarto Niceto Club para que nadie se quede afuera", esa fue la invitación de la banda para sus fanáticos. De esa manera, los seguidores comenzaron a congregarse en la noche del jueves en el punto pactado. Cerca de las 21:30, se abrió el telón y aparecieron los protagonistas de la noche: Joaquín Vitola (voz), Nicolas de Sanctis (guitarra), Patricio Sanchez Almeyra (guitarra), Guillermo Montironi (bajo), Agustín Majdalani (sintetizador) y Federico Pellegrini (batería). A lo largo del show que duró una hora y media, el frontman convirtió el escenario en una pista de baile, moviéndose enérgicamente por toda la plataforma, saltando y bailando de manera rápida e incluso más íntima en algunos momentos. Sumado a esto, hubo oportunidades en las cuales los miembros bajaron de la tarima para estar más cerca del público, llegando a tomar de las manos a algunos fanáticos. En tanto, la gente acompañaba saltando y cantando los estribillos a los gritos.   El clima de fiesta y la conexión con el público El primer tema de la noche fue "Cristal", la última canción que estrenó la banda el pasado junio. A pesar de ser la pista más reciente, supo ganarse el aprecio de los fanáticos, ya que los presentes entonaron el coro con la misma intensidad con la que luego cantarían algunos de los clásicos de Indios.  En medio de la interpretación, Vitola aprovechó el momento para saludar al público. Un simple "Hola" bastó para que la gente ovacionara aún más a la banda. "Buenas noches desangelados", fue la frase que el cantante utilizó para dar pie a la segunda pista: "Casi desangelados". En la pantalla que acompañaba a los músicos, se replicaba a los distintos integrantes del ensamble, con efectos de la psicodelia que caracteriza al grupo. "Rápido, Buenos Aires", alentaba Vitola, lo que provocaba que la gente saltara con aún más velocidad. Luego siguió "Minuto 0", también con iluminación naranja y roja, que asemejaba a la portada del álbum "Indios" del que forma parte la pista. Al turno de "Ritmo y percepción", la iluminación se tornó violeta, mientras que la pantalla pasó a ser celeste, verde y naranja, los mismos tonos que el disco "Besos en la espalda". Le siguió "Vení", para la cual las luces rojas creaban una atmósfera más íntima con el público, sensación que era incrementada por los movimientos más lentos del frontman. "¿Cómo están? No se escucha, ¿cómo está Buenos Aires?", preguntó Vitola antes de entonar "Perdiendo la cabeza". Durante el tema, la conexión con el público se hizo muy fuerte, ya que incluso el propio cantante invitaba a la gente a corear: "A ver si cantan con nosotros, ustedes solos". De esa manera, algunos de los párrafos fueron entonados por los fanáticos, para ser proseguidos por él. "Como ven, volvimos de Córdoba muy estimulados para llegar a este cuarto Niceto... Para llegar al asfalto", ese fue el pie para "Asfalto". Las luces rojas acompañaban la intensidad del tema, aunque por momentos pasaban a ser azules. En la pantalla también se apreciaban cambios: variaba entre una carretera y la silueta de una ciudad, similar a la tapa del álbum homónimo. Al finalizar la canción, se escuchó uno de los cánticos que se repitió a lo largo de las noches: "Olé, olé, olé, olé, Indios, Indios". En la entrada del evento, los organizadores repartían posters del nuevo tema de Indios: "Imitándote". Mientras Sanchez Almeyra tocaba unos acordes, Vitola desapareció por unos momentos. Cuando volvió al escenario, estaba disfrazado como un borracho, para lo que portaba una gabardina y sombrero, y tenía una botella de Fernet en la mano, de la cual simulaba tomar sorbos entre verso y verso. Además, poseía una linterna al lado del micrófono, con la que iluminaba a sus compañeros y distintos puntos del club. Esa fue la performance que acompañó a "Borracho en París". Después le siguió "Tardes de melancolía", que estuvo acompañada por burbujas en las pantallas. Para el estribillo, el cantante pidió ir "bien arriba", por lo que él y todo el público comenzaron a saltar. "Estamos muy contentos de volver acá, es la última fecha de Indios en Buenos Aires", expresó al final de la pista. Ante las protestas del público por esa información, aclaró que se refería a este año. Además, lanzó una primicia: el próximo jueves estrenarán una canción que contará con su propio videoclip. De esa manera, comenzó a entonar "Imitándote", siendo que, en la entrada del evento, repartían posters con el nombre de la pista.   La tanda acústica: los momentos más íntimos de la noche En la interpretación de "Chicos", las luces se apagaron y el ambiente se volvió más privado. En ese sentido, los guitarristas y bajistas se sentaron en el piso, mientras que el cantante, que era el único iluminado, se arrodilló en el medio del escenario. Luego, tomó una de las luces y, cuando se encendió, apuntó a su rostro y al de otros miembros, similar al caso de "Borracho en París". Para "Ya pasó", los miembros volvieron a pedir ayuda de los fanáticos para entonar las estrofas. Incluso alentaban preguntando: "¿Y cómo dice Buenos Aires?" y "Que se escuche hasta Rosario". Incluso en un momento Vitola bajó del escenario para cantar al lado de los fanáticos. Después le siguió "No te quedes solo", donde la conexión e intimidad con el público seguía palpándose fuerte. "¿Cómo estamos? Vamos que tenemos que cantar. ¿Están listo para mucho más? Muchas gracias, qué lindos verlos de vuelta", indicaron al final, aprovechando para presentar a cada miembro. Cuando las luces se apagaron, abandonaron la escena por unos momentos. Luego, reaparecieron De Sanctis y Vitola con una nueva vestimenta, dando así inicio a la tanda acústica, compuesta por "Fobia" y "Todas las flores de enero", esta última entonada por el guitarrista. "Cómo están cantando, se saben todo", bromeó De Sanctis al ver el entusiasmo del público. Después de ese momento donde la intimidad alcanzó el clímax, el resto de la banda volvió al escenario, también con outfits distintos. "A ver si conocen esta, un clásico del rock argentino, porque nosotros tenemos nuestras costumbres", adelantó De Sanctis, dando pie a un cover de "Costumbres argentinas" (de Los abuelos de la nada), que estuvo acompañado por estrellas en la pantalla.   La recta final de la mano de los hits "¿Cómo estamos para la recta final? ¿Estamos con energía todavía? A ver si saltamos con esta canción bien alto", expresó el guitarrista en la previa a "El Sol ya estaba ahí". Como la letra del tema, la gente perdió el control que mantuvo durante los momentos más emotivos y volvió a la energía de las canciones más movidas. Alentados por De Sanctis, quien los motivaba a seguir saltando, la gente comenzó a bailar y moverse con vigor. Manteniendo ese ritmo, prosiguió "Jullie", uno de los mayores hits de Indios. "Muchas gracias por venir. No vamos a negar que los amamos", mencionó Vitola en la previa al tema. Durante esa pista se vivió una verdadera fiesta: tanto el público como los miembros estaban saltando y cantando, mientras la pantalla de fondo mostraba ondas de volumen. Nuevamente, algunos integrantes de la banda bajaron del escenario para vivir la experiencia más cerca de sus fanáticos. Ese mismo ánimo se mostró en "Tu geografía", otra de sus canciones más exitosas. Con las luces rojas equiparando la intensidad de los seguidores, el cantante celebró: "Arriba Buenos Aires. Esto es Indios, desde Rosario al mundo". En tanto, el último tema de la noche fue "Lucidez". "Todo el mundo levantando la voz", pidió el frontman en el estribillo, a la par que movía las caderas al ritmo de la música. "Última y nos fuimos", arengó, invitando a los fanáticos a gritar aún más alto. "Para siempre. Chau, los amamos", expresó Vitola cuando terminó la pista. Acto seguido, las luces se encendieron y en la pantalla se leía...

Los tres looks de Griselda Siciliani en "Envidiosa" que marcarán tendencia en 2025 son un reflejo del excelente trabajo de Lorena Díaz, diseñadora de vestuario de la serie. A través de su experiencia y profundo análisis de los personajes, Díaz creó un estilo único para Vicky, el personaje interpretado por Siciliani, destacándose en cada escena. “Diseñar el vestuario para una serie es un viaje fascinante. Es una búsqueda visual y psicológica de cada uno de los personajes. El vestuario ayuda a contar junto con el resto de las áreas estéticas (arte, fotografía) lo que el director/a quiera expresar”, le contó la diseñadora a revista CARAS de forma exclusiva. Desde este medio repasamos los 3 los looks más llamativos de la serie éxito de Netflix y destacamos algunos detalles del estilo de Vicky, el personaje de Griselda Siciliani. El vestido negro floral con aros imponentes “El estilo de Vicky es contemporáneo, fresco y apenas clásico. Lo que hablamos con Griselda sobre el estilo de Vicky es que ella siempre va a estar lista para gustar, siempre va a estar arreglada y en algunos momentos incómoda, por si en el camino se cruza con su futuro marido”, aclaró Lorena Díaz. En la primera imagen que queremos destacar, Griselda Siciliani deslumbra con un vestido negro de flores rojas, acompañado de unos aros rojos imponentes que combinan a la perfección con una cartera del mismo tono. Este look, que Vicky utiliza durante un casamiento en la serie, es el equilibrio perfecto entre la sensualidad y la sofisticación. El vestido, de silueta ajustada y con un estampado floral dramático, es ideal para ocasiones formales, pero también resalta un aire juguetón. El detalle de los mega aros y la cartera roja suman fuerza y presencia, transformando un vestido simple en una declaración de estilo. “Cuenta mucho de Vicky porque esta de entrecasa, pero para salir, aunque vaya al super, se pone los tacos y combina la cartera”, aseguró la diseñadora sobre este traje. El traje fucsia con corbata negra El segundo look que queremos destacar, sin duda uno de los más osados, es un traje fucsia brillante que Griselda lleva con una corbata negra, lo que aporta una vibra moderna y audaz. El tono fucsia es tendencia para 2025, y su combinación con elementos más clásicos como la corbata, crea un contraste interesante. Este conjunto tiene el poder de transformar una prenda tradicionalmente masculina en un símbolo de poder femenino, aportando una frescura moderna. El blanco total con bolso negro El tercer look es un traje blanco impecable, con un aire minimalista y elegante. Aquí, Siciliani muestra una faceta más pulida y refinada del personaje. Este traje es una muestra clara del lado más sofisticado de Vicky, ya que el blanco es un color que siempre estará de moda por su versatilidad y elegancia. El atuendo, que se suma a la idea de realzar un look clásico como el sastrero, viene acompañado de un bolso negro, creando un contraste clásico que nunca falla. Este look es perfecto para eventos más relajados, pero en los que se requiere estilo. Además, con el regreso del estilo “power suit”, este conjunto será un must en el guardarropa de las mujeres que busquen proyectar confianza y estilo en 2025. VO También te puede interesar