ENTRETENIMIENTO

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

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La actividad de la Temporada 2024 del Teatro Colón continúa a pesar del cambio de sus autoridades. Tras el sorpresivo desplazamiento de Jorge Telerman, se anunció que el reconocido bailarín Julio Bocca y el gestor cultural uruguayo Gerardo Grieco, se harán cargo de nuestro primer coliseo (ambos gestionaron juntos ya el Auditorio Nacional del Sodre, en Montevideo). “Aurora”, la ópera de Héctor Panizza con libreto del italiano Luigi Illica, célebre por su labor en el género lírico y responsable de los textos de las populares “Tosca”, “Madama Butterfly” y “La Bohème” de Puccini, además de “Andrea Chénier”, de Umberto Giordano, retorna a la espléndida sala porteña después de veinticinco años ausente en la programación, con dirección de escena de Betty Gambartes y bajo la batuta de Ulises Maino en cuatro únicas funciones. Ensayos En las entrañas del Colón se cocina la puesta a punto, para llegar al estreno con la maquinaria escénica aceitada y en busca de lograr la mejor performance. Allí, en el tercer subsuelo, Betty Gambartes trae nuevamente a la vida una historia escrita hace más de cien años. Estrenada en 1908, en vísperas de la celebración del centenario argentino que se conmemoraría en 1910, cuenta la historia de amor entre Mariano, un joven patriota de la Independencia, y la muchacha cuyo nombre da título a la obra, hija del jefe de las fuerzas españolas afincadas en la provincia de Córdoba. A lo largo de sus actos aparecen personajes históricos como Santiago de Liniers y Martín Miguel de Güemes, e incluye la famosa aria “Alta en el cielo”, que se volvería famosa y popular al ser escindida de la ópera, a partir de 1945, para incluirse, a través de un decreto, en todos los actos de las escuelas argentinas con el nombre justamente de “Aurora”. “Mi intención, desde la puesta, es hablar de la necesidad de conciliar. En la época en que transcurre la historia era preciso desligarse del poder español y tener autonomía, pero entiendo que no a través de la lucha armada. Siempre es indispensable acordar, ceder, escuchar, fundamentalmente. Con esta obra, en un momento de grandes cambios como el que estamos viviendo, queremos demostrar que se debe conciliar, escuchar y aceptar”, enfatiza Gambartes en diálogo con NOTICIAS, al referirse a la actualidad de la pieza. Gambartes realizó estudios pianísticos y musicales en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional de Rosario y se graduó en la carrera de Regie de ópera del Instituto Superior de Arte del teatro donde hoy concreta el montaje de la ópera de Panizza. A partir de 1991 comenzó a interesarse en la dramaturgia que surge de la poética de la canción popular. Así creó numerosos espectáculos como el recordado “Arráncame la vida”, donde Chico Novarro y Andrea Tenuta se enamoraban al ritmo de canciones de Agustín Lara y otros grandes autores de la canción romántica. También montó “Manzi, la vida en orsai”, en el que trajo a escena la figura del emblemático compositor Homero Manzi y la de su musa y cantante Nelly Omar. Además, junto a Diego Vila, creó “Orestes”, la primera ópera tango comisionada por The World Music Theater Festival de Holanda y cuyo estreno dirigió en ese país y posteriormente en Buenos Aires. Cuando Jorge Telerman, exdirector general y artístico del teatro, la convocó para este trabajo lo primero que hizo antes de aceptar fue ponerse a estudiar la partitura. Al hacerlo, tomó conciencia que debía realizar una nueva versión que incluyó algunos cortes para evitar reiteraciones, pero también el rescate de un aria de carácter revolucionaria que había sido excluida. En ella un patriota enfrenta a un obispo que dice representar el pensamiento de la Iglesia. Todo esto se logró gracias a la labor conjunta con el director musical Ulises Maino, previa gestión de permiso ante la poderosa Casa Ricordi que gestiona los derechos del compositor. “Lo que no tocamos es la canción Aurora porque está en el inconsciente colectivo de todos nosotros o por lo menos en el de varias generaciones de argentinos. He aprendido la letra y la cantaba todas las mañanas en el colegio, mientras se izaba la bandera y recuerdo cómo me emocionaba. Aurora me lleva a ese momento en que todos volvemos a ser niños, llenos de fe en nuestra patria mientras veíamos con esperanza izarse la bandera”, señala. Otra innovación, esta vez propuesta por la talentosa escenógrafa y vestuarista Graciela Galán, estará presente en el sol de la bandera que se verá en las representaciones. “Si hay un pintor que tenía identidad americanista en Argentina, es mi papá, Leónidas Gambartes. Graciela vio el cuadro Deidamia y eligió ese rostro para el sol. En lugar de algo anodino imaginó algo que tiene que ver más con nuestra identidad”, ratifica. Valiente “Aurora es una mujer audaz, curiosa, valiente. El desafío de este rol es poder mostrar todas estas cualidades a lo largo de la ópera, siendo que, el libreto deja muchas decisiones al azar y no hace un desarrollo profundo de la trama ni de la identidad de los personajes. Junto con Betty Gambartes y Ulises Maino, todos los cantantes estamos haciendo un trabajo minucioso de texto y partitura, para lograr subsanar este detalle”, resume sobre su personaje Daniela Tabernig. La excelente soprano argentina, una de las cantantes más destacadas del país, nació en Santa Fe donde pasó su infancia y adolescencia acompañando el trabajo de la panadería en el negocio familiar fundado por su abuelo. Allí atendía a la gente detrás del mostrador y comenzó a hacer empanadas que vendía para poder pagarse clases de canto. “El canto forma parte de mi vida desde que tengo uso de razón. La música en general siempre fue mi herramienta preferida para comunicarme con el mundo. Tomé contacto con la ópera recién terminada la secundaria, cuando comencé mis estudios en el profesorado de música. Recuerdo que, siendo adolescente, compré la colección completa de CDs de música clásica de la Revista Noticias que escuchaba todo el tiempo. Me fui enamorando de la ópera poco a poco. Es una pasión que sigue creciendo en mí día a día y que defiendo para que otras personas como yo, puedan descubrirla sin importar la edad, ni el contexto sociocultural”, afirma. Actualmente, instalada con su marido en Málaga, regresa a la Argentina todos los años para ver a la familia, cantar y trabajar en proyectos gratificantes como el Primer Concurso Nacional de Canto Lírico CLARA (Cantantes Líricos Asociados de la República Argentina), para intérpretes de todo el país, que fue un éxito y tiene asegurada una segunda edición el año próximo. Asegura que interpretar “Aurora” es todo un reto. Y sobre el trágico final de la heroína, afirma: “No hay una preparación previa para la muerte, como pasa con los roles de Cio Cio San (Madama Butterfly) o Mimi (La Boheme), sino más bien todo lo contrario, es muy similar a Tosca. Luego de estas escenas, quedo muy conmovida y con adrenalina corriendo por todo mi cuerpo. Es por esto que para lograr la fragilidad con que el personaje muere, debo manejar muy bien la energía”. Además de Daniela Tabernig, los cantantes del numeroso elenco de “Aurora” son el tenor Fermín Prieto (Mariano), el bajo Hernán Iturralde (Don Ignacio) y el barítono Alejandro Spies (Raimundo). Las funciones con participación de la Orquesta Estable tendrán lugar 24, 26 y 20/9 y el 1/10. Una oportunidad para volver a disfrutar esta historia que presagia el despertar de nuestra nación en tiempos refundacionales. Galería de imágenes En esta Nota

"Vamos Dios". Así aclamaba la gente en la noche del viernes a Eric Clapton, que demostró nuevamente, si es que hacía falta, por qué lo apodan de esa manera. Con seis décadas de carrera que lo acompañan, el guitarrista británico de 79 años supo poner en un trance a los fanáticos que asistieron al estadio de Vélez, quienes interrumpían el silencio atento con el que disfrutaban del rock y del blues para aplaudir y ovacionar al músico en cada solo que realizaba. La cita en el país se dio en el marco de su gira mundial para celebrar sus 60 años de trayectoria, que comenzó el pasado 9 de mayo en Newcastle (Inglaterra). De esa manera, ya visitó las ciudades inglesas de Liverpool, Birmingham, Manchester y Londres, así como Dublín (Irlanda); París, Lyon y Nimes (las tres en Francia) y Lucca (Italia). En tanto, sus próximos destinos serán Brasil, México y Estados Unidos. Entre pogos y banderas, Ratones Paranoicos realizó su show de despedida en Vélez: "El rock está más vivo que nunca" Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Pasó más de una década desde la última vez que el guitarrista estuvo en la Argentina (los tres encuentros previos fueron en 1990, 2001 y 2011 en el Monumental), por lo que no fue sorpresa que la gente comenzara a congregarse desde temprano en el estadio porteño. Antes de que la estrella de la noche saliera al escenario, hubo dos teloneros. El primero fue David Lebón, quien interpretó "No seas dura", "Cuánto tiempo más llevará", "No confíes en tu suerte", "Noche de perros", "Mundo agradable" y "Suéltate Rock And Roll". Luego fue el turno del estadounidense Gary Clark Jr., figura reconocida del rock y del blues, que brindó un espectáculo de una hora. Tras el turno de los artistas más invitados, llegó el momento más esperado del evento. A las 21, haciendo honor a la puntualidad inglesa, las luces del estadio se apagaron. En respuesta, la gente levantó sus celulares y comenzó a grabar, mientras que otros optaron por aplaudir y ovacionar. En medio de esa escena, apareció sonriente Clapton vistiendo un poncho, jeans, gorra y pañuelo. Junto a él se encontraba su banda integrada por Doyle Bramhall II (guitarra, voces), Chris Stainton (piano, teclados), Tim Carmon (órgano Hammond, teclados), Nathan East (bajo, voces), Sonny Emory (batería) y las coristas Katie Kissoon y Sharon White.   La magia de "Slowhand" en la guitarra y la sintonía con el público Sin mediar palabras a lo largo del evento, más allá de algún "Muchas gracias" o "Thank you", brindó un espectáculo de casi dos horas donde hizo una síntesis de su carrera e incluyó pistas de su época en Cream, además de covers a artistas como Charles Segar, Robert Johnson, Jimmie Cox, Willie Dixon, Wynonna Judd y J. J Cale. En tanto, la gente pareció entrar en un trance. Es que, a excepción de algún grito de un fanático, el estadio estaba sumido en silencio, inmerso en la magia de "Slowhand" en la guitarra. Cuando finalizaba cada tema o luego de algún solo, esa especie de hechizo parecía romperse, ya que Vélez estallaba en aplausos y gritos. También había quienes se paraban de sus asientos para ovacionar al artista y moverse al ritmo de la música, así como quienes preferían marcar los tiempos con sus pies y cabezas. Con un escenario sencillo donde se destacaban los músicos y dos pantallas los acompañaban, el primer tema fue "Sunshine of Your Love", que abrió la noche con total energía. Después comenzó a sonar "Key to the highway", que fue recibido por las exclamaciones de la gente ("Uh, qué temazo") y los aplausos de los asistentes. Al turno de "I'm Your Hoochie Coochie Man" y "Badge", la audiencia se vigorizó y se podía escuchar a algunos corear los versos. Esa intensidad caracterizó a la primera tanda de la noche, la cual finalizó con el canto de los presentes: "Olé, olé, ole, olé, Clapton", mientras que la banda abandonaba el escenario.   La emoción de la tanda acústica y el estreno de su nueva canción Después de unos segundos, Clapton quedó solo y las luces, que disminuyeron su intensidad, lo enfocaban a él, volviendo el ambiente más íntimo. Sentado y con una guitarra criolla en mano, dio inició al segundo bloque del recital, que fue enteramente acústico. "Kind Hearted Woman Blues" fue la elegida para abrir ese segmento y el público acompañó con las palmas. Para "Running on Faith", el resto de su grupo regresó a escena. La sección contó con un estreno: "The call". "Esta es una canción del nuevo álbum que estoy estrenando, 'Meanwhile'", explicó Clapton, quien horas antes del show en el estadio porteño anunció su próximo disco e incluso mostró la foto de la portada en las pantallas de Vélez. A pesar de ser la primera vez que la escuchaban, los presentes aprobaron la pista, lo cual quedó demostrado con ciertos comentarios positivos que intercambiaban entre ellos y la ronda de aplausos cuando finalizó su interpretación. En el recital, Eric Clapton interpretó "The Call", una de las canciones de su próximo álbum "Meanwhile", el cual estará disponible de manera digital en octubre. Los otros temas de la tanda fueron "Change the World", "Nobody Knows You When You're Down and Out", "Lonely Stranger" y "Believe in Life". Cuando llegó "Tears in Heaven", la pista dedicada a su hijo que falleció a los 4 años, todas las linternas de los celulares se encendieron para grabar. Sumado a esto, hubo quienes comenzaron a cantar el estribillo. Se trató de un momento emotivo, en el que algunas parejas se abrazaron, mientras que otros tenían los ojos llorosos. Nuevamente, al cierre del bloque, la gente se paró de sus asientos para aplaudirlo y vitorearlo.   El cierre de una noche maravillosa Para el último segmento volvió la guitarra eléctrica y con ella la energía inicial de la noche. "Behind the Mask", "Old Love", "Crossroads" y "Little Queen of Spades" fueron las elegidas para darle el vigor final al evento. Incluso en un momento, antes de continuar con la siguiente pista, Clapton se tomó unos segundos para apreciar la escena. Envuelto en aplausos, se sacó la gorra, se acomodó el pelo y miró con una sonrisa al público argentino, lo que avivó aún más a la audiencia. Al turno de "Cocaine", uno de sus mayores hits, se vivió una verdadera fiesta. El estadio se vio iluminado por las linternas de los celulares y todo el público se puso en pie para cantar junto al músico, mientras que las luces del escenario acompañaban a la melodía y brillaban con más intensidad en el estribillo. Al finalizar, el británico hizo una reverencia y abandonó la escena, suscitando así cánticos de la gente y aplausos que no cesaron ni perdieron su intensidad en los minutos en que el escenario estuvo vacío. Para alegría de los presentes, apareció nuevamente, esta vez junto a Gary Clark Jr. Juntos, tocaron el último tema del recital: "Before You Accuse Me". Con una guitarra con la bandera de Palestina, el músico finalizó el show mientras la gente bailaba, coreaba y palmeaba al ritmo de la pista. A pesar de no haber interpretado "Wonderful Tonight", se vivió una noche maravillosa y la postal que cerró el evento fue una reverencia de Clapton al público argentino, que al igual que las anteriores veces, lo ovacionó como el "Dios de la guitarra". mb / ds

La idea nació cuando ambos autores empezaron a recordar sus días pos-universitarios y los primeros momentos de vida independiente en Nueva York. Armaron el proyecto y lo denominaron “Insomnia Café” para poder presentarlo a la NBC a fines del ´93. Al mismo tiempo, Warren Littlefield, el presidente de la corporación, buscaba una comedia en la que participaran jóvenes que vivan juntos y que compartan sus gastos. Cuando Littlefield accedió al proyecto presentado por Kauffman y Crane, quedó gratamente impresionado por lo que les propuso la firma de un contrato para, en principio, hacer un programa piloto. La repercusión entre el público y las críticas fueron tan favorables que el proyecto avanzó sin inconvenientes. Friends trata sobre los buenos y malos momentos de seis amigos que viven en Manhattan, utilizando temas tradicionales como el amor, la amistad, el pasado y el futuro. Jennifer Aniston interpretó a Rachel Green, una entusiasta de la moda, Courteney Cox a Monica Geller, la "madre" del grupo y maniática de la limpieza y Lisa Kudrow personificó a Phoebe Buffay, una masajista y música excéntrica. En cuanto al elenco masculino, Matt LeBlanc interpretó a Joey Tribbiani, actor y amante de la comida, Matthew Perry al ejecutivo Chandler Bing y David Schwimmer personificó al paleontólogo Ross Geller. La serie fue ambientada en Nueva York entre 1994 y 2004, tuvo diez temporadas, 236 episodios y numerosos premios. Inmediatamente después del éxito en Estados Unidos, el programa comenzó su difusión por todo el mundo con similares resultados. Brad Pitt, Robin Williams, Ben Stiller, George Clooney y Julia Roberts, fueron algunas de las celebridades invitadas a participar de algún capítulo. Debido al éxito de Friends, sus seis protagonistas se convirtieron en los actores mejores pagos de la televisión norteamericana al recibir un millón de dólares cada uno por episodio. El último capítulo se emitió el 6 de mayo de 2004 y fue visto por más de 50 millones de televidentes. En 2018, fue votada mayoritariamente en la web “Ranker” como “la mejor comedia de situación de todos los tiempos” y, al año siguiente, “The Hollywood Reporter” la consideró “la mejor serie de la historia”. El 22 de septiembre de 1994 se estrenó en Estados Unidos la serie “Friends”.La historia también es noticia. Radio Perfil Guión de Javier Pasaragua. Locución de Pita Fortin. por Radio Perfil Galería de imágenes

Se ve que la gira con RBD que culminó este año le hizo rever un poco sis prioridades y Christopher Uckermann decidió volver al canto, sin por eso descuidar la actuación, su otra gran pasión. Y ya sacó su primera canción, un tema pop muy interesante que tiene por nombre Pase lo que pase. Te compartimos acá el video: Este primer single de su nueva era musical presenta una propuesta pop/fusión empapada de futurismo en los temas que toca. El clip explora el concepto de almas gemelas a través del espacio y el tiempo, permaneciendo juntas a través de distintas vidas. “Habla de un tema muy importante y muy valioso para mí: las almas gemelas. Creo que éstas pueden ser desde tu pareja, hasta tu papá, hermana, amiga, e incluso mascotas”, dijo Ucker. Este track creado junto con Juan Ariza, marca el inicio de una nueva etapa para Christopher, en la que conoceremos qué hay en su mente a través de distintos géneros musicales, temáticas y sonidos que marcan un antes y un después en su carrera. Haciendo uso de la música, la innovación, tecnología, visuales, y conceptos metafísicos, Pase lo que Pase, se define como un track contemporáneo que juega con sonidos pop pero con conceptos futuristas. “Esta canción lleva ideas que a mi parecer van a permanecer en la humanidad. Conceptos como las almas gemelas, que son atemporales y no tienen límite de tiempo. No hay nada más poderoso que el amor hacia todo aquello que nos importa y que nos cambia la vida. Pase lo que pase, ahí estaré contigo”, finalizó. Y nosotros felices de haberlo recuperado!

Después de la incertidumbre que generaron los anuncios del gobierno de Javier Milei sobre su restrictiva política para el Incaa, el futuro inmediato del cine independiente argentino está lleno de nubarrones. Producir una película en el país se ha vuelto casi una quimera, sobre todo sin grandes estrellas en el elenco. Este 2024 la producción está parada, y por ahora no hay señales ni fechas de reinicio. La industria del cine ha generado en los últimos años picos de 600 mil puestos de trabajo. Son muchos los que esperan algún cambio de rumbo.     En la historia del cine argentino de los últimos años es muy valiosa la renovación que se produjo a fines de los 90 del siglo pasado. Y Martín Rejtman, que estrenó su notable ópera prima Rapado en 1996, fue un gran protagonista de ese cambio, reflejado en una generosa cantidad de premios para distintas películas argentinas en festivales internacionales, prestigio por los elogios de la crítica especializada y una saludable diversidad de estilos y propuestas..   El estreno de La práctica, el quinto largometraje de Rejtman, es motivo de celebración para la cinefilia argentina: porque se da en ese contexto complicado para todos los que tienen alguna relación con el cine nacional y están angustiados por la zozobra actual, porque es una confirmación de la singularidad y la solidez del director de películas emblemáticas como Silvia Prieto (1999) y Los guantes mágicos (2003) y porque pasaron nueve años desde Dos disparos (2014) y la marca registrada de este cineasta tan particular ya se hacía extrañar.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. La práctica se proyectará todos los sábados de septiembre las 20:00 horas en el Malba,y se suma en CABA la sala Cine Arte Cacodelphia, y también se la puede ver en el Espacio Incaa 3 de Febrero - Cine Teatro Paramount y en Rosario, en la mítica sala El Cairo, los jueves y sábados. Conviene verla lo antes posible porque ya desaparecida definitivamente la cuota de pantalla –que de todos modos se cumplía poco y nada– por decisión de las nuevas autoridades del Incaa, la estadía de los films argentinos independientes en las salas será casi siempre muy breve.  Ambientada y filmada principalmente en Chile, La práctica fue producida con capitales de ese país vecino, de Portugal y de Alemania. También con el apoyo clave del Incaa. Además de su estreno en Argentina se está exhibiendo en paralelo en la Cinemateca Uruguaya de Montevideo, acompañada de una retrospectiva de Rejtman, que después de un largo paréntesis tiene otra película circulando este año, el documental El repartidor está en camino, premiado recientemente en el festival suizo Visions du Réel. La primera exhibición pública de La práctica fue en el Festival de San Sebastián de 2023, donde Rejtman fue ovacionado antes y después de la proyección en una sala enorme y repleta de esa preciosa ciudad española. Aún cuando tienen focos, personajes e historias muy distintas, todas las películas de este director son reconocibles. Hay una “marca Rejtman” que los seguidores de su cine en todo el mundo identifican y festejan.  “Todas mis películas son diferentes, pero forman parte de una misma cosa, es evidente –dice él–. Mi estilo de escritura, el tipo de diálogo que uso, los actores que busco, el destino de los personajes, la forma de actuar… Creo que son constantes. Cuando filmé unas escenas en una cocina con Susana Pampín en Dos disparos no pude evitar pensar en las escenas también filmadas en una cocina de Silvia Prieto. Las resolví de una manera parecida, no me sale filmarlas de otro modo. Hay miles de formas, pero yo siempre voy a las mismas puestas de cámara, la manera de comportarse de los personajes es parecida, uso de una manera determinada la voz en off... Es mi manera de hacer las cosas”. En La práctica, el protagonista es un instructor de yoga interpretado con mucha solvencia por Esteban Bigliardi. Se llama Gustavo y es un personaje bastante abúlico que debe lidiar con la separación de su pareja, también instructora de yoga, y con algunos otros pequeños entuertos que van tiñendo la historia con el color de la comedia. Se trata de una comedia diferente a la más corriente en el cine convencional. Alejada de la vulgaridad, poco estruendosa, más próxima al absurdo controlado de la obra del finlandés Aki Kaurismaki que al humor más explícito y expansivo que predomina en el género cuando apunta primordialmente a la identificación inmediata y el boom de taquilla. “Creo que esta película tiene una frescura relacionada con la decisión de rodar en Chile –apunta el director–. Filmar en otro país que no sea Argentina me permitió mirar las cosas con más ingenuidad. Todo era bastante nuevo para mí: los lugares, el significado de algunas expresiones, la trayectoria de los actores chilenos. Ese desconocimiento fue un estímulo. Sí es cierto que fui a varios retiros de yoga en Chile y, aunque no se filmó en los mismos lugares donde estuve, en el norte del país, muchas situaciones de la película están inspiradas en esos viajes. En todas mis películas hay algo de autobiográfico, hay ropa u objetos de mi casa o de la casa de mi madre. Son cosas que conozco bien y que me gustan, por eso las uso. Y Bigliardi tiene cierto parecido físico conmigo. Mi mamá fue a ver una obra de Romina Paula, Algo de ruido hace, y cuando volvió del teatro me llamó para contarme que había un actor que era igual a mí. Después lo vi a Esteban en varios papeles y escribí el guión de La práctica pensando en él, que tiene el fisic du rol de un profesor de yoga pero ninguna experiencia previa y tuvo que tomar clases durante un buen tiempo hasta familiarizarse y, por ejemplo, poder hacer la parada de cabeza que hace más de una vez en la película”. La práctica tiene música de Santiago Motorizado, que ya se lució con la banda sonora del exitoso reestreno de la serie Okupas. Rejtman siempre le ha prestado atención a ese componente esencial de sus películas y trabajó con artistas a los que siente cercanos: Vicentico, Diego Vainer y ahora el cantante y compositor de Él Mató a un Policía Motorizado. “Volvería a trabajar con cualquiera de ellos. Es cierto que me gusta trabajar con gente que está más o menos cerca, y cuando estaba por empezar a filmar esta película lo veía bastante seguido a Santiago. Lo llamé para un podcast que me encargó la gente de MUBI y muy pronto se me ocurrió decirle que haga la música”. Este año, otra buena noticia, Rejtman ha vuelto a la literatura, una actividad que tenía un poco abandonada. “Es que escribo sólo cuando tengo ganas. La relación que tengo con la literatura es la misma que tengo con el cine. No soy un director de cine profesional. Hago películas cada tanto. Y tampoco soy de los que no pueden dejar de escribir. Puedo pasar meses sin escribir y no pasa nada. Cuando arranco, aparece una especie de necesidad de escribir al menos un par de horas por día, eso sí. Pero depende mucho del momento… Ahora estoy con un cuento bastante largo. Veremos cómo evoluciona. Nunca pensé en tener una carrera. Ni en el cine ni en la literatura”.

Podría confesar a esta altura de mí trayectoria cierta fascinación por este autor.En el año 2006 realicé mi primera aproximación a dicho creador, la obra se llamaba El Vuelo, pieza que combinaba dos obras de Chejov, Tío Vania y La Gaviota. Dieciocho años después, nuevamente estoy realizando una obra chejoviana, pero que no es una obra de Chejov, ya que el trabajo que vengo realizando se basa en la noción de territorio dramático.  En el teatro físico existe una distinción de vital importancia que diferencia el género dramático del territorio dramático. Aclaro también que el teatro físico se caracteriza por atender a las leyes de la física clásica y a las leyes de movimiento en sí. No se trata solo de mover el cuerpo.  Pensemos en la distinción entre género dramático y territorio dramático a través de un ejemplo simple, por ejemplo la Tragedia, que de por sí es un género dramático, pero a su vez también es un territorio dramático. Aristóteles en el cap. VI de Poética sostiene: “puesto que el efecto de la tragedia se da aun sin certamen y sin actores. Además, para la realización de los espectáculos es más importante el arte del escenógrafo que el de los poetas.” Frente a esta postura del estagirita la praxis del territorio dramático asume un postura radicalmente opuesta, como así también el teatro, no hay posibilidad de un teatro sin un cuerpo presente.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. ¿Cómo es esto? Pues bien, porque al hablar de territorio estamos hablando de la disputa del “sentido común” propio de cada época y de la propia, y por consiguiente, de cada teatro. Esta disputa convierte al teatro en una praxis de lo político, lo político que no es la política, lo político que no es partidario ni panfletario. Continuemos con la distinción, Aristóteles afirma: “por tanto, son necesariamente seis los elementos constitutivos de toda tragedia, en virtud de los cuales la tragedia posee cierta cualidad. Ellos son: la trama, los caracteres, la expresión lingüística, el pensamiento, el espectáculo y la música.” (Poet VI 1450a 8-10). Dicha descripción propia del género dramático le es indistinta a la noción de territorio dramático. Lo verdaderamente importante para esta perspectiva es ver como Antígona se enfrenta a Creonte, quien representa a la Polis griega, o ver la obra Hamlet y ahondar la noción de un golpe de Estado, o ver a Chejov con ojos los ojos de nuestro presente. Es decir, territorializar al autor/a para dar cuenta de las problemáticas propias de la región.  Las características de las obras chejovianas que desarrollé a lo largo de estos años surge de la pregunta en relación con el ¿por qué este autor sigue interpelando el presente? ¿Por qué un teatro tan lejano nos resulta tan cercano? Algunas de las respuestas que fui encontrando a lo largo de todos estos años refieren a que este autor plantea de manera magistral nociones como la del desamor, la cobardía, la imposibilidad de cambiar, el individualismo extremo. El develar una sociedad en decadencia como también lo es el personaje de Serebriakov el literato de Tío Vania. La puesta en tensión entre un artista incomprendido como Treplev y un arte masticado propio de las sociedades capitalistas, de la mano Trigorin.  Chéjov se ha caracterizado por mostrar las desilusiones en carne viva. Personajes que hipotecan su presente. Y es ahí cuando este autor me sigue interpelando profundamente en estos tiempos tristes. En lo que respecta a la obra propiamente dicha, La negación de la negación. Una hermenéutica chejoviana, la misma sugiere una confesión de los montajes de las obras chejovianas cuyos recuerdos están siendo interpretados por una compañía que no representó aquellas obras. Por lo tanto, existirá una tensión entre lo que fue, lo que está siendo y lo que es. Un teatro dentro del propio teatro. Una narración que sabe ser ficción y que se aleja de cualquier intento de verdad. La interpretación como un ejercicio de la historia, que desde Nietzsche hasta nuestros días ha dado cuenta de que ya no hay hecho solo interpretaciones. La perplejidad de nuestros días… *Dramaturgo y director de La negación de la negación. Una hermenéutica chejoviana. La obra se presenta los martes y sábados a las 20 en Belisario Club de Cultura, Av. Corrientes 1624.

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

Guillermo Salomón, hermano de Beatriz Salomón, de 54 años, fue hallado sin vida en su casa, después de estar tres días sin responder los llamados. Hace unos meses, Guillermo había sido noticia por un tema controversial: su búsqueda de la verdad sobre su identidad. Él afirmaba ser hijo de la exvedette Beatriz Salomón, y no su hermano, como siempre le habían dicho. Esta revelación lo llevó a pedir la exhumación de los restos de la actriz, fallecida el 15 de junio de 2019, con el fin de realizarse una prueba de ADN. "En el último tiempo apareció uno de los hermanos de Beatriz, a decir que era el hijo y que buscaba hacerse el ADN para tratar de conseguir su identidad", contó Ángel de Brito durante LAM. Luego agregó: "Nos acabamos de enterar de que el hermano de Beatriz también falleció. Hace tres días no contestaba el teléfono. Encontraron muerto en su domicilio a Guillermo Salomón". Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. La policía tuvo que forzar la puerta de la casa de Paso al 400 porque no respondía a los llamados de sus familiares. Al percibir un olor nauseabundo, pidieron autorización para entrar. El cuerpo sin vida del hombre de 54 años se encontraba en estado de descomposición. Según el parte policial difundido, Salomón "no presentaba signos de violencia" y el lugar "estaba ordenado". El hermano reveló que su familiar padecía de VIH y artrosis, enfermedades que requerían una medicación regular. El conductor de LAM, en contacto con la abogada de las hijas de Beatriz Salomón, Ana Rosenfeld, aseguró: "Seguía adelante con el tema de la identidad. Él estaba buscando encontrar su identidad o, por lo menos, saber si era el hijo, o no, de Beatriz". Este caso había generado un gran revuelo en los medios. Murió el actor y director Daniel Fanego a los 69 años A principios de agosto, Guillermo Salomón, hermano de Beatriz Salomón, se presentó en el programa A la tarde (América TV) para compartir detalles sobre su situación familiar. Durante la entrevista, señaló: "Tengo una relación excelente con mi hermano Daniel, mi cuñada Liliana y con Betina (Ferriols), que es la más chica (de las hijas de Beatriz)". Su vínculo con ellos parecía estar en buenos términos. Guillermo Salomón habló sobre la posibilidad de ser el hijo de Beatriz En otra entrevista del mismo mes, Guillermo fue invitado a El Run Run del Espectáculo (Crónica) con Lío Pecoraro y Fernando Piaggio, donde reveló: "Es algo que se habló toda la vida, a partir de mi adolescencia. Siempre estuvo ese comentario de 'como te cuida tu hermana, parece tu mamá'. Mi familia es muy estructurada y cerrada, todo muy derecho. Mi madre o mi abuela, ya no sé cómo decirlo, era como la jefa de la familia y había que seguir lo que ella decía. Era terrible". El joven que mató a su madre argentina en Inglaterra dejó un video antes del crimen: “Su rostro será mutilado” "Me alertaron de la situación amigos y alguien de la familia. A mí me explotó la cabeza en una reunión familiar en casa. Alberto Ferriols se levanta y dice: 'Tengo algo para comentar, que lo sé de muy buena fuente: Beatriz es la mamá de Guillermo'. Lo dijo adelante de todo el mundo, así fríamente", contó Guillermo Salomón sobre la sorprendente actitud de Ferriols, expareja de Beatriz Salomón. La reacción de la familia ante la posible verdad sobre Guillermo Salomón "Todos quedaron helados y yo shockeado. Todos se rieron y dijeron que era una pavada, lo minimizaron. Yo después le pregunté un montón de veces a Beatriz y ella decía que la gente hablaba mucho, pero nunca me lo negó tampoco. Ni me lo afirmó ni me lo negó", recordó Guillermo sobre la ambigua respuesta de Beatriz. En una entrevista anterior con Entrometidos (Net TV), Guillermo había declarado: "Tengo muchas pruebas. Esto es una lucha mía, muy interna, muy íntima. Siempre se comentó en el círculo íntimo y privado de la familia, y cuando preguntaba nadie me contestaba nada, y saltaba mi teórica madre diciendo 'de esto no se habla más'".   NG/LT