ENTRETENIMIENTO

Los martes y miércoles a las 20 en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Corrientes 1530), continúan las funciones de La tempestad. Se trata de la versión coreográfica, a partir de la obra de William Shakespeare, de Mauricio Wainrot, quien la estrenara con el Ballet Contemporáneo de este teatro en 2006, y que ya se hubiera remontado en esta y otras compañías. En este regreso, es posible ver la presente conformación de esta prestigiosa agrupación de danza, actualmente dirigida por Andrea Chinetti, donde se desatacan dos de sus bailarinas: Ivana Santaella y Lucía Bargados. Ellas interpretan al personaje de Miranda, en los dos repartos que tiene esta obra, siempre con música de Philip Glass y con la escenografía, vestuario y video de Carlos Gallardo, artista de enorme trayectoria, quien falleció en 2008 y dejó su legado creativo. —¿Quién es la Miranda que cada una de ustedes construye? ¿Qué elementos toma del texto de Shakespeare y qué son aportes específicos de su propia composición? Santaella: Miranda, en la obra, es la hija de Próspero, duque de Milán que es traicionado y expulsado de su ducado por su hermano. A Miranda y a él los lanzan al mar en una frágil embarcación y sobreviven, naufragando en una isla. Para interpretar a Miranda leí el libro, miré fragmentos de obras de teatro y películas; también, las puestas anteriores (de 2006 y 2018). Es un personaje que permite buscar muchos climas, emociones y calidades de movimiento. Del libro tomé, por ejemplo, cuando Prosperó le dice que “ella fue el querubín que lo guio y le dio fuerzas, que le sonreía mientras naufragaban”. Ella comienza la obra siendo más niña y luego crece, y tiene un amor genuino que surge con Fernando, el hijo del rey de Nápoles. Para darle forma al personaje, Mauricio Wainrot nos ha dado libertad. Si lo que los bailarines hacemos lo convence interpretativamente, nos deja ser. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Bargados: Miranda transita de niña a adolescente. Descubre los primeros años de su vida, de la mano de la enseñanza de su padre, el cual tiene habilidades sobrenaturales, en un mundo fantástico que es la isla. Allí recorre el asombro, aprende, sufre, se atemoriza, pide clemencia, se enamora, perdona junto a su progenitor. Me encuentro construyendo un personaje simple, sincero, que aporte liviandad a la obra, una niña, una adolescente, ingenua, observadora, inocente, compasiva. Busqué referencias como la versión de Penny Cherns (2018); también la dirección que hizo Lluís Pasqual, en la que Próspero es interpretado nada menos que por Alfredo Alcón. Y siempre es de gran inspiración Silvina Cortés, bailarina maravillosa que transitó, dejando huella, el Ballet Contemporáneo: ella interpretó este rol en 2006. —¿Qué características tienen esta obra y esta coreografía? S: Desde lo argumental, la obra, para mí, tiene como eje el perdón. La coreografía es muy demandante física y técnicamente. Mauricio tiene un lenguaje muy potente que nos exige trabajar tanto las líneas como el manejo del peso. También hay mucho trabajo de pareja, y los momentos grupales son muy intensos, ¡nada sencillos y agotadores! B: Esta obra aborda aspectos humanos como la traición, la ambición de poder, la piedad, la venganza, y cómo el perdón y el amor redimen. También aparece la magia, y se revuelven temas como el destino y la libertad. Una de las lecturas posteriores es una alegoría a la colonización. Para sus obras, Mauricio siempre tiene elecciones musicales exquisitas. Esta obra es una belleza. Tiene su estilización (neoclásica, contemporánea) y simultánea potencia del movimiento.   La mirada sobre la profesión —¿Cómo sintetizarían su vínculo personal y profesional con la danza? S: Quise bailar desde muy chiquita. Pasé por muchos maestros, estudié en el Instituto del Colón y entré al Taller de Danza Contemporánea del San Martín. Audicioné y quedé en la Compañía, donde llevo 18 años. El cuerpo va cambiando, pero los años te dan otra madurez. Me gustaría encontrar nuevas formas de bailar y también conectarme con la enseñanza. B: La danza es casi mi vida entera. Comencé a los 4 años expresión corporal, y a los 8 ingresé en la Escuela Nacional de Danza; también hice el Taller de Danza Contemporánea del San Martín. Allí, Andrea Chinetti me llamó para formar parte del Ballet Contemporáneo, desde 2012. También hago videoclips, publicidad, shows y performances. Egresé de la Diplomatura de Producción Técnica de Eventos y Espectáculos en la Untref y estoy estudiando la Licenciatura de Política y Administración de la Cultura. —¿Qué le agradecen y qué le pedirían al Ballet del San Martín? S: Al Ballet del San Martin le agradezco todos estos años de carrera y lo que pude aprender de compañeros de antes, de ahora, maestros, coreógrafos. Más allá de cambiar, quisiera que haya más danza en general, dentro y fuera del Ballet del San Martín, más funciones, más espacios y mejores horarios para la danza. B: Al Ballet le agradezco mi crecimiento artístico y personal y el privilegio de trabajar, desde hace tantos años, de este arte que tan pocas posibilidades tiene en el ámbito oficial la Argentina. Le pediría que se lo reconozca como cuerpo estable y que siga ganando terreno en aquellos derechos que otros ballets han conseguido. En esta Nota

Luego del éxito en Barcelona y Madrid se conoció la versión nacional de Una terapia integral, de los autores españoles Cristina Clemente y Marc Angelet, los mismos que crearon Laponia, otra comedia ya estrenada aquí (2022) con la dirección también de Nelson Valente. El elenco lo integran: Juan Leyrado, Carola Reyna, Paola Krum y Carlos Belloso. Las funciones son de jueves a domingo en el Metropolitan (Av. Corrientes 1343). Tres alumnos se inscriben en un curso de panadería, que dicta un extraño docente, Toni (Leyrado) y la premisa es: “Para hacer un buen pan, no hace falta la mejor harina o la levadura más fresca, para hacer un buen pan solo es necesario estar bien con uno mismo”.  —¿Qué relación tienen con la gastronomía? ¿Hacen pan? LEYRADO: A nivel artístico hice en el teatro Extra virgen, con Lisandro Fiks, que luego llevamos al cine con el título de Oliva, con dirección de mi hijo, Luciano. Me relaciono con el aceite y el vino, ahora vino el pan, que no lo busqué. Estudié en el Instituto Argentino de Gastronomía. El curso que hice fue de cocina mediterránea. Me gusta mucho hacer pastas, salsas, todo con buenos aceites y productos. Cuando puedo ayudo a mi mujer, María, a cocinar.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. REYNA: Soy bastante básica en la cocina. Me defiendo, pero no soy experta en nada y menos en la repostería. Nunca hice una torta en mi vida. Además, a mi marido le encanta cocinar (N de R: su marido es Boy Olmi). KRUM: En la cocina soy muy básica, aprendí un poco al tener una hija, Eloísa. Ambas somos golosas y los antojos van más por ahí, pero ni siquiera los hacemos nosotras, los compramos. Ella es muy cocinera, así que mi relación con la cocina es más a través de ella, quien a veces me espera con algo rico. En una época hice scones, pero nunca pan. BELLOSO: Me encanta cocinar. Como mi mujer es vegetariana, trato también de hacer alguna comida solo con verduras. A mí me gustan mucho los estofados, las pastas, y me hice muy fanático de la comida italiana. Tengo un lugar en la cocina, donde guardo mis condimentos. Preparo comida para mis hijos, cuando me vienen a visitar. En la pandemia al principio me resistía, pero después empecé con los panes. —En la obra aparece la enseñanza. ¿Fueron o son docentes?  L: Di clases en el estudio de Agustín Alezzo, cuando era estudiante. Pero me di cuenta que me gustaba más actuar que dar clases. Me han pedido un par de veces dictar seminarios. Generalmente a estos profesores como al que interpreto no les tengo mucha confianza. Creo que la gente cada vez pierde más la fe en las cosas y necesita todo aquello que se la da. Para mí encontrar un maestro es como hallar un buen psicoanalista. Cuando me preguntan con quién estudiar, te diría más los que no que los que sí.  R: He tenido buenísimos docentes, gente que me marcó como mi maestro Carlos Gandolfo, quien fue el pasaporte a la felicidad en la actuación. Recuerdo en mi colegio a la directora que tuve, una amante de las artes, me incorporaba en todos los actos escolares. Ella me estimuló muchísimo para darme el permiso que necesitaba. En otras épocas de mi vida, actrices como China Zorrilla o Norma Aleandro también ejercieron un poco la docencia, dándome consejos. K: Mi mamá es docente, esa es mi relación más íntima con la enseñanza. Noto que el vínculo que tuve con mis maestros, tanto en el colegio, como en la facultad y después en el teatro es muy diferente a la relación que tiene hoy en día mi hija con sus maestros. En la actualidad hay otra cercanía, más paridad y mucha empatía con los alumnos. En mi época el docente era una especie de ser casi maléfico, estricto y un poco castrador. Aunque también tuve docentes superadorables como Lorenzo Quinteros, quien fue fundamental en mi vida. B: No creo que pueda enseñar mucho, porque no tengo un método. Tanto Stanislavski como Grotowski les dieron a los intérpretes herramientas, pero el mejor aprendizaje te lo da la práctica. Tengo un pequeño seminario para que los actores sepan por qué uno actúa y contra quién lo hace. Un darse cuenta que hay discursos sólidos definidos que anquilosan. Los talleres para mí son imprescindibles y formativos. —En el espectáculo el docente usa técnicas personales: ¿cuáles consideran que deben ser los límites para inculcar conocimiento? L: Fundamentalmente el maltrato nunca sirve, cuando lo hay el alumno se cierra, no hay ninguna posibilidad de abrirse, sino de defenderse. Cuando uno siente que es maltratado no solamente en la actuación, sino todos los días tiene que apartarse, sin pelearse. No existe ninguna posibilidad de que ese maltrato lo puede llevar a uno a un buen camino. El que es maltratado después hará lo mismo con sus compañeros. R: El personaje que interpreta Juan (Leyrado) me parece que corre los límites, por eso mismo no lo veo como un maestro, ya que te dice lo que hay que hacer. Creo que el mejor docente es el que hace que vos tomes tus decisiones y que elijas qué camino seguir, no el que te impone las rutas y las maneras. Con respecto a los límites me parece que por suerte ahora estamos bastante más atentos. Mi mamá me contaba que tenía una maestra que les pegaba con una regla. Hoy somos más conscientes de nuestros derechos. Nunca fui, ni me metí con docentes que me invadieran o que me impusieran sus propuestas. En lo personal, cuando veo maltrato me voy. K: Mi mayor relación con la docencia en realidad tiene que ver con la maternidad, porque es una forma de enseñar. Ahí se ponen límites. Nunca di clases, no creo que pudiera. Mi mayor herramienta es la amorosidad, saber escuchar, entender que hay un otro, con todas sus subjetividades y eso implica que no exista una sola verdad. Creo que en este espectáculo cada espectador va a tener que sacar sus propias conclusiones, de quién es este tipo. Si es un buen maestro, un genio, un sádico, un psicópata o si está tocado por la varita mágica y tiene la capacidad de poder transmitir algo importante, particular y especial.  B: Me parece que justamente esta terapia integral se superpone con el hacer este pan, que es la base alimenticia de una sociedad. Me refiero a que está una dentro de la otra. El comportamiento de este gurú (el personaje que hace Leyrado) uno lo puede llegar a tomar como esos mecanismos psicológicos, que lo llevan a un lugar de maltrato. —¿Se nota que los autores de la comedia son españoles? L: Creo que la versión es muy buena y no es muy distinta a nosotros. El humor es una cosa seria, para lograrlo hay que trabajarlo mucho, porque es difícil, no es solamente decir un chiste.  R: Me parece que es un tema muy actual. La necesidad de creer en un mundo donde la religión no es el pilar que era. Siento que hay una búsqueda de profesar en cosas que nos sostengan, por eso tiene tanto que ver con las terapias, pero no las que estamos acostumbrados como la psicoanalítica. Me parece que hay mucha desesperación, falta de horizonte, en este mundo muy vertiginoso que premia y castiga rápidamente. K: No fue tan difícil la adaptación, se la ve bastante cercana a nuestra manera de ser. B: Las adaptaciones que hicimos fueron pequeñas, tienen que ver con la comedia al uso argentino. Es una analogía de un espectador que se quiere ver representado y al mismo tiempo que le respondan preguntas, ya que uno no sabe bien dónde buscarlas. Hay libros de filosofía, de autoayuda y de sociología, pero las obras de teatro y estas comedias te llevan con el humor y la risa a ciertos conceptos que uno puede ver en lo cotidiano. En esta Nota

“Para mí dentro de la línea que trazamos ya hace un par de años con la empresa a la hora de las exhibiciones creo que es un salto, si bien siempre tuvimos un standard muy importante, a la música, que es el palo de donde yo provengo como profesional”, así define Daniel Grinbank, responsable de DG y mítico gestor privado cultural, responsable de visitas memorables a nuestro país, la muestra The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains, que comienza el 10 de septiembre en La Rural y ya tiene entradas a la venta. DG Experience viene, como marca el mismo Grinbank, “de Van Gogh, Banksy, McCurry. En estos momentos, Blow Up Experience, que sigue en vacaciones”. A la hora de la muestra interactiva que recorre a Pink Floyd como ninguna exhibición lo hizo antes, Grinbank afirma: “Esta muestra yo ya la había mostrado en el 2019 en Madrid en Ifema, y que siempre me había quedado como asignatura pendiente traer una exhibición de este calibre y esta calidad a Argentina y a América Latina, que es donde desarrollaba como promotor de recitales más intensamente. Por lo tanto, es un producto donde sé de lo que estamos hablando y sé que va a representar para la gente que asista a un evento de esta magnitud. Tengo tanta gente viniendo al montaje, como tanta gente he traído a un recital a cualquier recital de rock que he hecho”. —¿Qué representan estas exhibiciones en el panorama cultural de la Argentina? ¿Qué busca la gente en este momento de ellas?—Se incorporó como un espectáculo masivo, como una alternativa en el área de entretenimiento, las exhibiciones. Las distintas expresiones de las mismas, que van a distintos públicos, el que tenga una experiencia que el espectador salga satisfecho hace que se haya generado un público. Por eso aunque cada experiencia sea única y diferente, es muy importante para nosotros como pasa el público por esta muestra, que se lleva. Se generó un público, una corriente de público que asiste, y que comenzó con Image Van Gogh, con un sello de calidad, y va a hasta esta última, Blow Up Experience, que ahora está en reposición, y estamos por superar las 400 mil localidades en Capital Federal, para después salir de gira a otros lugares como Córdoba. La tenemos en Brasil, y va a ir a Chile y después a Uruguay. Es una alternativa de salida económica considerando los salarios deprimidos que tenemos en el país. Es el acceso a cuestiones que la gente no tuvo antes, considerando las particularidades de cada una de ellas. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Pink Floyd lanza un documental en el marco de los festejos por los 50 años de “The dark side of the moon” —¿Qué tiene una muestra como la de Pink Floyd que querés marcar? —Aubrey ‘Po’ Powell es el curador de la exhibición y es un realizador icónico, que en la época en que los discos salían antes que nada en vinilo, diseño tapas de discos de Pink Floyd, de Led Zeppelin, de Paul McCartney, de Yes, de Genesis. Entonces, es alguien muy consustancial con el rock progresivo, que generó una identidad en los años de mayor exhibición del género. Por ejemplo, Pink Floyd y sus etapas, con el comienzo de Syd Barret, después la alternativa más exitosa, Dark Side The Moon, The Wall, y más. Pink Floyd siempre resaltó lo visual en su carrera, de ahí sus portadas, de ahí muchas cosas que los definen y que los marcan. Acá hay mucho de esas portadas, hay escenografías de las portadas. A su vez en lo auditivo, en primera persona, apenas entras te dan unos auriculares, y en primera persona los miembros de Pink Floyd te van contando la curaduría del grupo. Pink Floyd es una banda que aquí ve representada todas las etapas de su carrera y su evolución. Daniel Grinbank. El riesgo de contar en la Argentina —¿Cómo vivís la mezcla de riesgo y pasión?—Es la historia que no empieza conmigo. Me puedo remontar a Palito Ortega y Sinatra. En Argentina, la dinámica económica, gobierne quien gobierne, es una constante, no tiene carga política. Después de tantos años estoy medio curtido. Me gustaría tener un poco más de tranquilidad, que mi negocio esté atado al marketing, al producto, al precio correcto. Argentina tiene ese plus. Aquí en Argentina The Wall se dio más de diez años en trasnoche en Lavalle, cuando era la calle de los cines, y Roger Waters y sus 9 River que eran récord hasta los conciertos de Coldplay. La muestra es la historia viva de Pink Floyd. Creemos es algo que va a ser muy celebrado por fuera incluso del fan, que ya es un número considerable. Roger Waters en Argentina: denunciado por discriminación, apología del delito e incitación a la violencia antes de su llegada —Una cosa a marcar es que no es solo para fans, sino que cualquier fanático de la música, de una muestra, de algo considerable debería ir. ¿Qué pensas?—Es una experiencia hipersensorial, donde no hay improvisación. Es una apuesta seria, que busca crecer. La gente que nunca vio esto, ya que se estrena en América Latina, me parece que se va a llevar una sorpresa extraordinaria. Yo la vi en Londres, en 2017, después la llevé a Madrid. Y me impactó. La verdad que viniendo del palo de la música, es una de las dos exhibiciones, con la subjetiva del caso, con grandes logros artísticos. Esta y la de Bowie, y eso tiene que ver con lo que estos artistas han hecho estéticamente. Realmente es algo fuera de la norma, y que va a impactar a mucho niveles al público de la región. En esta Nota

La pandemia fue un momento transformador y bisagra en mi vida artística. Durante ese tiempo, sentí la necesidad de conectarme aún más con la naturaleza y un interés por acercarme a las ciencias biológicas, lo que despertó en mí la necesidad de investigar la relación entre arte y medioambiente. Esta inquietud me llevó a trabajar en colaboración con especialistas en biología, explorando metodologías y conceptos científicos en busca de puntos de puntos de conexión entre los procesos artísticos, generando un espacio de formación y contenido donde el cuerpo descubra nuevas posibilidades físicas, experiencias inmersivas y nuevos horizontes observacionales y perceptivos. En relación con la naturaleza la dimensión artística facilita las experiencias sensibles a los estímulos del entorno percibiendo una corporalidad extendida y entramada en constante interacción y devenir. De este modo, se posibilita así un diálogo continuo entre ciencia y arte, generando nuevas formas de conocimiento y producción permitiendo una comprensión más profunda de nuestro ambiente y de cómo interactuamos con él, derribando barreras entre disciplinas. Impulsada por esta nueva mirada, desarrollé Plataforma Libélula, un espacio donde artistas y científicos dialogan y colaboran para crear experiencias educativas incentivando la integración, la investigación y la experimentación como parte esencial de la práctica creativa y ecológica, promoviendo y difundiendo el conocimiento científico a través de nuevas propuestas artísticas. Este enfoque trata de proponer una nueva perspectiva en relación con el entorno ecosistémico en el que estamos inmersos. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. El recorrido de Plataforma Libélula ha sido amplio y variado. Desde las residencias “Cuerpo extendido en el verde” en la Reserva Ecológica Costanera Sur Danza y Biología en colaboración con la Universidad de las Artes del movimiento UNA. Lugar Secreto estrenada en el Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires es una propuesta de recorrido instalativo de danza, música y teatro la cual nos ha llevado a diversas reservas ecológicas y espacios naturales de nuestro país como Misiones, Río Negro, Santa Fe y Buenos Aires. Mi última propuesta, la obra Noa, Nu y la ballena, está dirigida a las infancias y la familia, y combina danza, teatro y música con los conocimientos científicos sobre las ballenas. A través de su programa de radio itinerante Radio Nonu, Noa y Nu se sumergen en un viaje lleno de descubrimientos y aventuras, con el desafío de descifrar el canto de las ballenas y acudir en su ayuda. No sólo exploran el fascinante mundo de las ballenas, sino que también descubren el poder transformador de la comunicación y la escucha. En el programa de radio se les enseña la importancia de compartir historias y conocimientos, de crear un momento del día donde pueden salir de sus rutinas y puedan reunirse con sus “radioescuchas” para formar una comunidad unida por el amor a la libertad, la naturaleza y el deseo de conocerla y cuidarla. La obra pone de manifiesto la necesidad de su conservación y protección. A través de Noa, Nu y la ballena proponemos una experiencia original, divertida y poética sobre las ballenas y el mundo acuático. Desde una propuesta sonora y visual intentamos despertar y estimular la curiosidad por el conocimiento, él poder de la imaginación, la solidaridad y un sentido de la responsabilidad hacia el medioambiente, mostrando cómo cada uno de nosotros puede aportar su granito de arena a un mundo más sostenible y pacífico. Este acercamiento interdisciplinar que une arte y ciencia ofrece nuevas herramientas y perspectivas para abordar los desafíos ecológicos actuales. La creatividad y el conocimiento científico pueden entrelazarse sensiblemente para generar un impacto positivo en la comunidad inspirando ideas y acciones innovadoras y sostenibles que promuevan la conservación y la armonía con la naturaleza. Las y los esperamos en vacaciones de invierno de jueves a domingo siempre en Teatro El Cubo. Silvina Helena Grinberg, coreógrafa y directora de Noa, Nu y la ballena. En esta Nota

Aemond Targaryen es el personaje de Ewan Mitchell en House of the Dragon, la famosa precuela de Game of Thrones. Mitchell entiende la importancia del show para Max, pero, más importante, es alguien que adora a su personaje y que adora el show. El actor de 27 años, fascinado con un cine diferente, fue parte de films como Saltburn y la serie El último reino. Su príncipe Aemond es parte de las delicias, de las perfectas criaturas bífidas, que la saga creada por George R.R. Martin posee. Su villano de parche, complejo y tenso, es algo que él define como “un personaje para el cual me inspiré en James Gandolfini en Los Soprano. Él hacía algo muy puntual, para determinadas escenas, donde quería sentir el dolor o la tensión en su personaje: se ponía una piedra en el zapato, dentro del zapato. Pensé que Aemond podía hacer algo similar, quiero decir, pensé que ese personaje necesitaba algo parecido. O al menos a mí me funcionaba. Me gustaba la idea de deslizarle una moneda dentro de sus botas, esa sensación de la moneda perdida allí. Todo lo que representa, representa que estuvo tan cerca de matar a quien quería matar. ¿Tuvo miedo? ¿No entendió qué quería? Esa moneda en la bota me hacía sentir ese pensamiento que siempre está en la cabeza de Aemond, el hecho de que no haya podido hacer lo que creía que tenía que hacer. Desde aquel momento en adelante, toda su vida es distinta”. Mitchell, como buen actor de la saga, se cuida de no spoilear, de no decir qué ha hecho su personaje y qué no, pero lo cierto es que ha hecho mucho, y muy al estilo fiel de la serie. Pero su pasión por los relatos, por los personajes complejos, viene desde siempre: “Siempre amé las películas. Las que te desafían, las que te tensan. Películas como Ciudadano Kane, donde es difícil entender al personaje (mi personaje en House of the Dragon es difícil de leer en ese sentido). Películas como Taxi Driver, que siguen a un personaje, que sentís te representa y de repente eso no está más, eso es un problema, el reflejo que te devuelve te desafía. Eso me gusta mucho”.  —¿Qué sentís que marca esa relación que tu personaje tiene con Daemon? ¿Sentís que son dos caras de la misma moneda? —Aemon es… Lo explico de otra manera: yo era un gran fanático de Doctor Who mientras crecía, es decir, adoraba a Matt Smith. Tener a Matt Smith enfrente, con su elegancia, con su energía accesible era un sueño hermoso. Pero no. Ahora me impresiona verlo en este papel, un papel que le calza perfecto en este momento de su vida. Es muy Targaryen. En el mejor sentido, tiene ese corazón que lo hace perfecto para el personaje que haga. Entonces entendí, a mi manera, que tenía que mantener una distancia de Matt Smith en el set, aunque me duela, por el vínculo de nuestros personajes. Siempre quiero guardar el contacto para nuestras escenas, para que esa distancia entre ellos sea real.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Cuál fue tu acercamiento al rol? —Como actor, mucho del trabajo ya está hecho para vos en los guiones, en la preproducción. La escritura buena es imposible de arruinar, de verdad. Entonces, la primera parada para agradecer tiene que ver con eso. Siento que este show es realmente bueno. Me dejan poco trabajo que hacer. Pero en esta temporada fue divertido descubrir las dimensiones de mi personaje, su entidad, su vulnerabilidad, su poder, su sensibilidad. Aemon siente que sabe que no quiere ser rey. Eso sirve mejor a su función, a lo que quiere hacer. Tiene unan agenda, tiene ambición. Pero de hecho, es más difícil de controlar. No siento que sea un rey fácil de controlar, en el peor sentido. —¿Cuál es la forma en que sentís que el personaje llega en un momento justo de tu carrera? —Lo primero: me traje algunos trucos a la hora de usar la espada de un trabajo anterior, The Last Kingdom. Es interesante que son la antítesis uno del otro, aquel personaje este, la misma cara de una moneda. Lo mismo que Daemon, de Matt Smith y mi Aemond. Dos destacados, marginalizados, pero uno lo vio como una motivación para venganza, para ponerse a la par. Me gusta desafiarme, y un personaje así me sorprende. Por ejemplo, hay gente que se sorprende que no haya leído los libros. Pero la idea es sorprenderse. Sé adónde va mi personaje, pero no quiero avanzar más. No quiero ir a otros episodios con nociones preconcebidas. Quiero que me sorprenda. —¿Cómo lidiás con el fanatismo, que puede llegar a ser tóxico? — No estoy en las redes sociales, que permite esa toxicidad de la que hablas. Entonces, no recibo nada eso, lo único que me llega es articulado, tranquilo, fuera de contexto. Leo las cartas de los fans, que llegan a la productora. Suena extraño, pero así es. Pero lo único que puedo esperar de un fan es respeto, y darle todo mi cariño, si la situación se presta y agradecerle su tiempo. —¿Qué tal tu vínculo con Alejandro Martínez, el mexicano que hizo fotografía en algunos episodios de esta temporada? —Fue genial. El equipo detrás de cámara es equipo, estamos todos en el mismo barco. Y uno aprende. Entonces, hablar entre nosotros, entender el plano que quiere hacer es muchísimo. Es increíble el tamaño de cada episodio. Era algo que escuche a quienes hacían Game of Thrones, y no es que no les creía, pero cuando vas al set, ves ese despliegue, realmente te da miedo pero también te da ganas de hacer todo lo mejor posible.  —¿Qué te enorgullece de tu trabajo esta temporada? —Va a sonar superficial pero no es la idea: poner mi cuerpo a punto, en su mejor forma, para poder responder a los pedidos de producción. Hay episodios que piden mucho, que desgastan, que realmente incluye crossfit, boxeo, espadas. Poder responderles y que después en cámara me enorgullece. Hay que entender que Aemon debe verse como una persona que es un arma letal, que es peligroso, que puede ser tu fin en cualquier momento. Proyectar eso no es fácil. No depende solo del cuerpo, pero si depende de lo que puede en parte hacer con él. Me inspiré mucho en una pintura que se llama El ángel caído, en Brad Pitt en El club de la pelea, y creo que lo estamos logrando. —Cuando “Game of Thrones” se proyectaba no había guerra en Europa, ahora la hay. Esta serie trata sobre la guerra. ¿Qué sentís dice ahora? —Hay conflictos en todos los rincones del mundo. Nuestro show explora la construcción de una guerra, desde personajes, desde el desarrollo de personajes. Entonces en ese sentido, permite entender no la guerra, ya que nadie sería tan soberbio, pero si permite que desde el entretenimiento uno pueda entender la construcción de determinado tipos de personalidades. Pero no deja de ser un show, uno espectacular y sentido. Entonces, hay que tener cuidado con esas lecturas. —Hablamos de Aemon, su personaje, cuando lo ves desde afuera, ¿qué consejo le darías? —Relajate. Ten un mejor control de tu dragón: no dejes que tus emociones te ganen. Creo que eso es muy importante. De hecho se lo han dicho, que controle sus emociones. Esa sería mi respuesta a Aemon, que se controle, que entienda lo que hace, que se frene y después actúe. Es difícil, pero puede hacerse. —¿Quién en el set es cercano a vos? —Mi compañero de rodaje es Tom Glyn-Carney, amó la dinámica de las relaciones que creamos. Antes de filmar la temporada 1, nos hicimos muy amigos, intencionalmente, siendo muy abiertos el uno con el otro, del miedo que nos daba algo así. Tener un buen vínculo cuando la relación se verá tanto en pantalla es una buena idea. O al menos así lo vivo. Todo con él se siente espontáneo. Trabajar con él es una bendición. —“Game of Thrones” mezclaba acción y escenas de personajes, ¿qué escenas te gustan más? ¿Dónde das más de vos? —Amo los silencios en las escenas. Esos momentos donde si eres alguien que está viendo, tienes que frenarte, donde nada es tan obvio, donde piensas que entiendes qué motiva a un personaje, qué entiende que piensa realmente. ¿Quiere comer?¿O quiere comerse a alguien? ¿Quiere guerra? ¿O solo está enojado? Esa furia detrás de sus ojos, que no descansa, que no deja de calcular. Hay siempre mucho pasando en su cabeza, y eso es algo que me gusta explorar. En esta Nota

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

Una historia ambientada en los años ’90 refleja los conflictos de toda una generación: el amor, la muerte, la amistad y la búsqueda por hacer frente al constante cambio social. Una adaptación del texto Los 80 son nuestros de Ana Diosdado, llevada a las últimas horas antes de la llegada del 2000 que traspasa las fronteras del tiempo es la base de Generación desencantada. La otra base es el elenco: Thomás Lepera, Mora Fisz, Valen G., Joaco Scotta, Jose Binaghi, Marcos Mitnik y sobre todo la impresionante actuación (como siempre) de Manu Ramos le dan forma a una obra teatral que se presenta todos los domingos a las 19 en el Teatro Regina. Un grupo de amigos se encuentra en el garaje de una casa para pasar el fin de año juntos. Mientras conversan sobre los temas que les preocupan (el amor y la muerte, la sexualidad, la violencia, la amistad), les van pasando cosas inesperadas. Con dirección de Nicolás Sorrivas y dirección de actores de Caro Ibarra, la producción de SDO Entertainment es perfecta para terminar el fin de semana con otra perspectiva. Porque que esté ambientada con la llegada del nuevo siglo no quiere decir que las dudas no sean las mismas que hoy.

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

Cuando su productor Miguel Pardo y el director artístico Ricky Pashkus se sentaron a planear el regreso de “Mamma Mia!” al teatro argentino, jamás imaginaron que sería un éxito absoluto de taquilla. Eso sí, contaban con dos anchos de espadas, Florencia Peña, convertida ya en toda una celebridad del espectáculo nacional, y la imbatible e inoxidable música de ABBA. Sin embargo los malos augurios advertían que Peña estaba muy mimetizada con “Casados con hijos” y que la música de los cuatro suecos más famosos del pop era un sentimiento demasiado vintage para gastar una determinada cantidad de dinero en una entrada de teatro.La apuesta fue osada desde el minuto cero, salir a competir con un musical retro en Carlos Paz, plaza liderada desde hace años por Pedro Alfonso y Flavio Mendoza, y sin embargo tuvo el reconocimiento de la prensa y se llevó el Carlos Paz de Oro a mejor espectáculo teatral. Eso le permitió aterrizar en Buenos Aires, en el teatro Coliseo y, aunque la cartelera porteña anunciara nombres como Adrián Suar, Benjamín Vicuña, Mercedes Morán, Imanol Arias, Nancy Dupláa y los Nicos Cabré y Vázquez, Peña en su versión de Donna Sheridan, inmortal papel protagonizado por Meryl Streep en cine, pudo más y en pocas funciones se convirtió en la obra más vista. “Mamma Mia!” vendió en pocas semanas más de 60 mil entradas siendo cada función una fiesta. Voz autorizada Consultada por NOTICIAS, Florencia Peña explica un fenómeno que hace que tengan que realizar dos funciones por fin de semana y agregar alguna que otra los días hábiles: “No me parece extraño lo que estamos viviendo porque ya lo experimentamos en Carlos Paz, con un boca en boca que regó la ciudad: 'Tenés que ver Mamma Mia!'. Nuestra versión está muy viva, tiene una energía arrasadora y una conexión con el público muy especial. Es una obra que conmueve porque es divertida y la música transporta a cada uno a un lugar de su historia personal tocando fibras muy íntimas, sobre todo a las mujeres”.Con funciones de miércoles a domingos y la certeza de debutar el 6 de diciembre en Mar del Plata en el teatro Atlas, la obra cuenta también con un elenco de lujo para un musical argento como Leo Bosio, Ale Paker, Lula Rosenthal y Malena Ratner. La historia es la misma que se estrenó en Londres en 1999 y que en el 2008 llegó al cine con Meryl Streep y Pierce Brosnan. La clave es un electro pop reconocible hasta para el oído más ermitaño con temas como "Dancing Queen", "Voulez-Vous" y la homónima "Mamma Mia". Sobre este magnetismo melódico, el actor Leo Bosio comenta: “En este momento del país, la gente necesita alivianar los días con alegría, diversión e inocencia y 'Mamma Mia!' como propuesta teatral ofrece todo eso junto. La música de ABBA representa ese espíritu, además Flor Peña es como nuestra Tita Merello. Tiene una potencia escénica que arrasa con todo. Flor atraviesa la cuarta pared y se nota en el público que la espera a la salida para saludarla como si fuera una ídola teen”.Si algo le faltaba al fenómeno “Mama Mia!” era un certificado de calidad, el cual llegó cuando la propia Mirtha Legrand fue a verla al teatro y reconoció públicamente “que era el mejor espectáculo de Buenos Aires en la actualidad”. “Hay dos tipos de obras, la que  después te vas a comer y hablás de otra cosa y la que ves y te vas a comer para hablar de lo que viste. Sin duda, 'Mamma Mia!' corresponde al segundo grupo”, concluye Peña. Galería de imágenes En esta Nota