ENTRETENIMIENTO

El mundo de la realeza británica siempre ha sido fuente de fascinación y misterio, y una reciente adquisición por parte del Rey Carlos III ha avivado aún más la curiosidad del público. Se trata de una pintura que lo retrata junto a una pequeña mariposa, un detalle que ha desatado especulaciones sobre su posible significado en relación con su vida personal. Las mariposas, a lo largo de la historia, han sido símbolos cargados de significado. Desde la antigüedad, estas criaturas aladas han representado la transformación y la renovación, simbolizando la metamorfosis de la vida. Sin embargo, también han sido asociadas con la muerte y el pecado en diversas culturas y tradiciones. En el caso del Rey Carlos III, la inclusión de una mariposa en su retrato podría interpretarse de múltiples maneras. Por un lado, podría ser vista como un símbolo de transformación, sugiriendo una nueva etapa en su reinado o en su vida personal. Sin embargo, dada la historia del monarca y su affaire con Camila Parker Bowles, la mariposa también podría ser interpretada como una alusión a su pecado y las complicaciones de su vida amorosa. El romance entre Carlos y Camila ha sido objeto de escrutinio público durante años, y la inclusión de la mariposa en la pintura podría ser percibida como un guiño a esta historia de amor prohibido y sus consecuencias. El significado de la mariposa en la pintura de Carlos III En la mitología griega, las mariposas eran consideradas compañeras de las almas en su viaje al más allá, lo que podría ser interpretado como especie de presagio en cuanto a la posible partida del monarca, un augurio que cobra más fuerza con su reciente diagnóstico de cáncer. Sin embargo, es importante señalar que estas interpretaciones son meras especulaciones y que el verdadero significado detrás de la pintura está en manos del artista que la creó. Se trata de Jonathan Yeo, quien expresó su emoción por este encargo tan especial. "Fue un privilegio y un placer haber sido encargado por The Drapers' Company para pintar este retrato de Su Majestad el Rey, el primero en ser presentado desde su coronación. Cuando empecé este proyecto, Su Majestad el Rey todavía era Su Alteza Real el Príncipe de Gales, y al igual que la mariposa que he pintado sobre su hombro, este retrato ha evolucionado a medida que el papel del sujeto en nuestra vida pública se ha transformado”, acotó el artista. El rey reveló el retrato en el Palacio de Buckingham en donde se lo puede ver nueva usando el uniforme de la Guardia Galesa, de la que fue nombrado Coronel del Regimiento en 1975. VO También te puede interesar

Las vidas amorosas de las figuras públicas siempre han generado interés y especulaciones, y el caso de Facundo Moyano y Eva Bargiela no es la excepción. Recientemente, el dirigente político se vio en el centro de la atención mediática cuando le preguntaron sobre su separación con la modelo. Durante una entrevista en el programa "Poco Correctos", Facundo Moyano no pudo disimular su incomodidad al ser cuestionado sobre su situación sentimental. Sin embargo, con una franqueza inesperada, el exdiputado confirmó que él y Eva están separados desde agosto del año pasado, incluso mencionando que están en proceso de divorcio. “No, con Eva estamos separados desde el 6 de agosto del año pasado, justamente esta semana estamos haciendo los papeles del divorcio. Y bueno, intentamos y no funcionó, como tantas parejas, como tantas relaciones”, se sinceró . La curiosidad de los entrevistadores no cesó ahí, indagando si la participación de Eva en "Bailando por un Sueño" había influido en su decisión de separarse. Aunque Moyano evitó dar una respuesta directa, su reacción y sus palabras insinuaron que la exposición pública de Bargiela podría haber sido un factor en la ruptura. El insulto que Eva Bargiela le dijo a Facundo Moyano y él no le perdona Eva Barbiela y Facundo Moyano sorprendieron con su separación a mediados del 2023. La modelo y el dirigente político siguieron con su vida y su divorcio quedó en "stand by". Meses atrás de su ruptura, la pareja estuvo en el diván de "Corta por Lozano" y salió a la luz el insulto que le dijo la modelo al dirigente político y que él no perdona ni olvida. "A mí algunas veces me habrás puteados", comenzó diciendo Facundo Moyano. "Bueno amor, te lo mereces a veces", arrojó Eva Bargiela entre risas. Luego, el dirigente político arrojó: "Te acordás que al principio de todo me dijiste, que yo me re ofendí 'la verdad, sos un grasa'".   VO También te puede interesar

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

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Todos dudaban, ninguno estaba seguro de lo que podía llegar a suceder. Solo el entusiasmo de su director Ciro Zorzoli animaba a Campi, Pablo Rago, Paola Barrientos y elenco frente al estreno de la versión teatral de “Esperando la carroza”. La pregunta era una constante entre bambalinas: “¿El público pagará una entrada para ver una obra que vieron mil veces en cine, que incluso no tiene en escena a sus actores originales? Al parecer sí, porque, en su primer mes de funciones, la pieza escrita por Jacobo Langsner vendió más de 27 mil entradas en 31 funciones, convirtiéndose así en uno de los fenómenos teatrales del año.Estrenada el 12 de abril en el Teatro Broadway, el cronograma de funciones rápidamente se vio alterado y pasó a ser de jueves a domingos con dos funciones diarias los fines de semana. Génesis Desde su creación hasta hoy, el derrotero de “Esperando la carroza” tuvo muchos altibajos. Nacida como una obra de teatro, fue estrenada el 12 de octubre de 1962 en Montevideo. Con pésimas críticas de los medios locales, la historia volvió a ser contada pero en un capítulo del programa “Alta comedia” en Canal 9, ya con la participación de China Zorrilla como Elvira. De paso intrascendente por el prime time argentino, en 1975 el director Villanueva Cosse la presenta en Buenos Aires, con el mismo nivel de fracaso. La situación no remontaba y la idea de archivarla para siempre ya rondaba en la cabeza de su autor, hasta que en 1984 Alejandro Doria adaptó su libro en un guion de cine, para realizarla con los máximos referentes de la televisión y el teatro argentino de aquella época. Un verdadero dream team para hacer despegar lo que para él era una potencial gran película.Por lo bajo dicen que hubo todo tipo de tironeos, peleas y malestares, el rodaje se llevó a cabo. China Zorrilla no quería que Mamá Cora fuera un hombre (por Antonio Gasalla), al tiempo que no se ponía de acuerdo con Betiana Blum por el color rojo de sus vestidos. Luis Brandoni, que venía del éxito cinematográfico de “Darse cuenta” cerró el mejor cachet y la hasta ese entonces desconocida Mónica Villa, temblaba en cada escena que tenía con sus estelares colegas. Filmada en el barrio de Versalles, muchos actores llegaban al set de filmación en el colectivo 106 que tomaban juntos en Avenida Córdoba. Se filmaba de lunes a viernes de 8 a 17 horas y los sábados y domingos se descansaba. “Esperando la carroza” se estrenó el 6 de mayo de 1985 con una función especial en el cine Atlas Lavalle pero otra vez la crítica fue despiadada. Con el tiempo, el periodista Rómulo Berruti se retractaría diciendo que se había equivocado, que no supo ver que se trataba de un grotesco de calidad. Si durante esa primera semana en cartel alguien hubiese imaginado que el film se convertiría en una de las películas más icónicas del cine argentino de todos los tiempos, lo hubiesen tildado de loco. Porque no sólo el público no iba al cine, sino que los distribuidores la boicoteaban porque querían pasar películas extranjeras.“Estoy sacando cinco entradas, una para mí, para mi mujer y para traer a mi mamá y a mis dos hijos”, dice emocionado Jorge Sandoval, de 49 años, en la puerta del teatro Broadway, al salir de la boletería donde dejó una importante suma de dinero. “Es un gusto que me quiero dar en la vida. La película la vi cuando era chico con mis viejos que la alquilaron en VHS y hace poco la vi con mis hijos. Tres generaciones atravesadas por las inolvidables frases de China Zorrilla. Me emociono de solo pensarlo”.Denostada por los intelectuales de la época, que la tildaron de una copia mal hecha del neorrealismo italiano, “Esperando la carroza” empezó a despegar recién en la segunda semana de exhibición, tras una inteligente movida del mismo Doria. Mandó a Antonio Gasalla a hacer de Mamá Cora al programa “Badía y compañía”, que tenía picos de rating, y a eso se sumó una convocatoria de todo el elenco que se ofreció a firmar autógrafos frente a los cines de Lavalle. La gente enloquecía con la presencia de ellos en vivo y compraban la entrada sin dudarlo. Pasión cinéfila Lo que nadie imaginó es que se convertiría en una cinta de culto y que, en cada repetición televisiva, sumaría adeptos. Algunas claves fueron sus célebres frases que hoy salen de manera espontánea en la mayoría de los argentinos como “tres empanadas”, “yo hago puchero, ella hace puchero...”, “ahí lo tenés al pelotudo” y “¡¿dónde está mi amiga?!”. Su banda de sonido “Barrilito de Cerveza”, canción interpretada por el acordeonista Feliciano Brunelli, también es una invitación directa a verla una vez más. Otra curiosidad es que “Esperando la carroza” no solo sobrevivió a la tecnología, remasterizándose su versión original al formato 4K, con mejor color, sonido y definición, sino que entró en el mundo joven, convirtiéndose hace algunos años en ringtones de celulares y, más acá en el tiempo, reels de Instagram y stickers de WhatsApp.“Nunca vi algo parecido en teatro. El público grita la letra al unísono con el actor. En las primeras funciones los actores se miraban sorprendidos, hoy ya dan el pie para que la gente participe y enloquecen”, dice Pablo Puiggari, CEO de RGB Entertainment, a NOTICIAS. “Me llama la atención la variedad etaria de público. Si en una butaca hay una persona muy mayor, a su lado hay dos jóvenes o un matrimonio con sus hijos. Lo singular es que todos saben la letra de memoria”, describe. Cabe destacar que la obra que se presenta en el Broadway con Campi y compañía es la misma que estrenó en Uruguay y no la del film, por lo que algunas escenas aparecen pero modificadas.La devoción por la película de Alejandro Doria hizo que un grupo de fanáticos organizara un tour turístico por el barrio de Versalles donde se pueden ver las diferentes locaciones del film. El “Tour carrocero” es una caminata guiada que surgió tímidamente en el 2018, una vez por año, pero debido a su éxito y gran convocatoria en la actualidad se realiza mensualmente. En él se puede visitar la Plaza Banff (donde Nora y Susana “se sacan las caretas”), la casa de Nora y Antonio (donde ella anuncia “hoy pasaremos un día especial”), la casa de Susana y Sergio donde inicia la historia con lo de “no tenía cara de mayonesa” y, como denomina Matías Altamore, mentor de la idea, el “templo carrocero”, la casa de Elvira y Sergio, ubicada en Echenagucía 1232, donde se sucede gran parte de la historia y realizan el velorio de la húngara. El valor es a la gorra y las fechas se encuentran en la cuenta de Instagram y Facebook.Con la expectativa cumplida y la satisfacción del cerrado aplauso final con que el público los despide en cada función, sus protagonistas se disponen a vivir una temporada como nunca lo imaginaron.       Galería de imágenes En esta Nota

Jay Mammón mantuvo un tenso cruce este domingo al mediodía con la periodista Valeria Sampedro respecto a la causa por abuso sexual que presentó Lucas Benvenuto en su contra. El humorista habló sobre los momentos que vivió luego de la denuncia y reafirmó que la Justicia negó su culpabilidad del hecho, ante lo que la periodista le remarcó que "la Justicia no te declaró inocente", sino que determinó que la causa prescribió. Detuvieron a un pastor evangélico por abuso sexual: fue denunciado por 13 víctimas aunque sospechan que hay muchas más Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. El intercambio tuvo lugar en el regreso de Juana Viale como conductora a Almorzando con Juana. Entre los invitados también se encontraban Aníbal Pachano, la doctora Mirta Verbuch y el periodista Ignacio Otero, compañero de Sampedro en el noticiero matutino de El Trece. Durante el programa, el músico mencionó las dificultades que atravesó tras la denuncia de Benvenuto y se refirió a la relación que mantuvo con el joven, quien era menor de edad al momento de los hechos. "Fue una relación consentida, que duró muchos años, nos conocimos en un boliche", inició Mammón. Y agregó: "La causa que prescribió, no porque haya pasado, porque yo siempre sostuve que denunció algo que no pasó, denunció una edad que no era, denunció hechos contra su voluntad, es decir, no consentidos, por lo que hice una demanda por injurias y calumnias llevado por la cosa pública para demostrar esa relación". "El rebote que tuvo fue que hubo una condena por parte de mucha gente. Yo la condena social no la sentí, seguramente hay mucha gente que se quedó reculando, pero yo creo que hay mucha gente que necesita escuchar todo ese camino", afirmó, a la par que aseguró que era "la víctima de la situación". "Seguía a las nenas y las hacía tocarse": el impactante relato de una vecina del "instructor" de pedófilos Luego de definirse de esa manera, Sampedro salió al cruce y aclaró que "no es inocencia" debido a que "la Justicia no te declaró inocente, lo que determina la Justicia es que la causa prescribió". "Hay una cuestión que excede lo que quiera pensar o creer cada uno. La causa no avanza porque la Justicia o juez entienden que pasó mucho tiempo, el delito es viejo. Ahora, ¿existió el delito?, ¿no existió?", añadió. Sumado a esto, comentó que en casos de "delitos de personas que fueron vulneradas (...) en general, no se les cree a las víctimas, y esto es una cuestión histórica", ante lo que el músico expresó que "se le cree a la falsa víctima". Sin embargo, la periodista le remarcó que "cuando vos decís ‘la Justicia me declaró inocente’, la Justicia no te declaró inocente, lo que dice es ‘no voy a investigar porque la causa prescribió’". "Son conceptos erróneos. La Justicia me declara inocente, preguntárselo a cualquier abogado, y por prescripción. Sí coincido con vos en que la justicia no Investiga, pero la Justicia me declara inocente”, insistió Mammón e indicó que "tendría que haber un abogado en la mesa" para aclarar la situación. En otro momento del programa, el conductor comentó que su sobrino le indicó que en el testimonio de Benvenuto “no daban las cuentas”, haciendo referencia a que el joven indicó que era menor de edad cuando comenzó la relación entre ellos. No obstante, Sampedro le preguntó cómo podía salir con un adolescente cuando él estaba en sus 30. "¿No te parece importante que él dijo que tenía 14 años y lo violé?", respondió el músico. Además, el conductor habló sobre el impacto de las acusaciones en su contra, expresando que le fue bastante difícil afrontarlo porque "lo hizo pelota". En ese sentido, contó que sobrellevó la situación gracias al apoyo de su círculo cercano, en especial por parte del compositor Alejandro Lerner. “Te querés matar, literalmente. Yo estoy acá de casualidad”, contestó ante la inquietud acerca de cómo sacó fuerzas para seguir en pie. En esta Nota

El 3 de junio de 1993 se estrenó Tango feroz: La leyenda de Tanguito. Fue un suceso, un fenómeno, un big bang cultural que generó decenas de cosas, de fans, de amores por el cine, de pasión por el rock nacional, de carreras. Ahora el estreno del documental Leyenda feroz, de Mariano Frigerio y Denise Urgfeig, producido por Carolina M. Fernández y Jorge Leandro Colás, celebra aquel estreno, y vuelve a pensar aquel film, hablando con sus creadores, su equipo y sus protagonistas. Un film que se siente como hogar para muchos, más allá de los jóvenes de los años 90 (algo que dejó en claro el reestreno del film). Cuenta el director Mariano Frigerio sobre la génesis: “Nosotros hicimos un documental que se llamó Carroceros, sobre Esperando la carroza. Queríamos seguir haciendo documentales sobre películas argentinas que nos hayan marcado y en ese sentido, Tango feroz hizo una huella muy profunda. Nos parece que es una película iniciática: los que hoy tenemos entre 42 y 50 años, mas o menos, Tango feroz fue la primera película ‘de adultos’ que vimos. Para muchos fue la primera vez que iban a cine solos con amigos, con primeras novio/as. Y además, no fue sólo la película. Fue un boom cultural porque el disco de la banda sonora sonaba en la casa de todos los adolescentes”. La directora Denise Urfeig: “Él me propuso trabajar sobre Tango feroz y yo acepté enseguida. Es una película bisagra en la historia de nuestro cine y un hito para nuestra generación: todos/as se acuerdan con quién la vieron, en qué cine, si se compraron el CD, etc. Además, fue la entrada al cine y al rock nacional de muchos/as chicos/as que no conocían esas canciones”. El recuerdo y la sorpresa. Marcelo Piñeyro dice: “Lo primero que me emociona es que exista” a la hora de pensar en el documental. Y recuerda cuando le propusieron la idea: “Cuando aparecieron, me acuerdo, ya hace un tiempo, Mariano y Denise, a contarnos que tenían la idea de hacer un documental sobre Tango feroz, la verdad que me sorprendió muchísimo. Y el amor que tenían ellos por la película, y todo lo que sabían de la película, realmente me emocionó. Me emocionó, habían pasado muchísimos años desde que la había hecho. Y realmente, bueno, sentir que algo que uno hizo sigue vivo, que uno hizo hace tanto tiempo sigue vivo, que sigue importándole a alguien, la verdad que emociona”. Se suma a su felicidad, la actriz Cecilia Dopazo: “Hay un momento donde documentan la salida del Cine Gaumont, cuando la gente se va yendo, y en un momento le preguntan a una mujer que había venido y ella había ido con el hijo y da un testimonio tan lindo, tan amoroso, tan lleno de emoción. Ella contaba lo que le había pasado cuando tenía la edad de su hijo y había visto Tango feroz por primera vez que la había conmovido tanto, que ahora que estaba la posibilidad de verla en cine, lo había llevado para que el chico conociera más de ella y de algo que a ella la había atravesado tanto. Y eso es algo que le ha pasado a un montonazo de personas, pero el modo en el que ella lo contaba, se le veía una emoción, y su hijo estaba presenciando esa emoción que ella sentía, y al hijo le había gustado mucho también. Digo, eso vale más que mil palabras, ¿no?”.   A la hora de la propuesta, Mariano Frigerio recuerda: “Por un lado, estaban Claudio Pustelnik (productor de TF) y Marcelo Piñeyro que les gustó la idea, pero no terminaban de entender el interés a 30 años de su estreno. Marcelo no terminaba de ver que TF seguía viva. Pero lo digo en pasado, porque cuando en 2023 se hizo una proyección en Gaumont por el aniversario y el cine estalló en público. Era un lunes de lluvia y quedó gente afuera. Ahí Marcelo empezó a ver que el fenómeno seguía vivo. Pero Fernán y Cecilia reaccionaron distintos: a ellos les siguen hablando de la película a diario por la calle. Y por último, todo el equipo técnico ama Tango feroz. Fue su primera gran película, el trabajo que les cambió sus carreras profesionales”. Se suma Denise Urfeig: “Lo que más me sorprendió fue que Marcelo Piñeyro esté tan sorprendido de nuestro proyecto, que no tenga tan claro que Tango Feroz fue una película tan importante para nuestra generación. Y me alegra mucho que con nuestro documental le quede claro. Los actores lo tienen más presente porque les siguen diciendo cosas por la calle, o les ponen El amor es más fuerte cuando entran a un bar”. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Lo sorprendente es que Piñeyro conoció la película como todo el mundo, en su estreno reciente en el Bafici, el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente: “Fui a esa función de Bafici con una cierta aprensión, a ver con qué me iba a encontrar, y no, lo que me encontré me encantó. Me encantó, realmente me divirtió, me emocionó, me hizo acordarme de cosas que medio me había olvidado. Me encanta la multiplicidad de voces, algunas hablan muy mal de la película, otras hablan muy bien, y de los que le hicimos, en realidad, esa polifonía tiene que ver con recordar cosas diferentes. Tiene momentos que la verdad son muy divertidos, me gustó también verla en una sala llena, donde se notaba que la gente se divertía mucho con algunas cosas y se notaba la emoción que generaba en otros momentos, y sí, todo el mundo cuando salía me decía qué ganas de ver la peli de nuevo, pero yo creo de verdad que Leyenda feroz es una obra en sí misma, es independiente de Tango feroz, si bien gira alrededor de Tango feroz, es independiente de Tango feroz, yo siento que habla del cine, del amor por el cine, del amor por hacer películas, creo que Denise y Mariano han tenido en ese sentido una mirada que va más allá del objeto a partir del cual se construye”. Todo no se compra. La película en sus muchas maravillas, recorre la Ciudad de Buenos Aires, algo que ya hacía el film homenajeado. Rincones que siguen iguales, rincones que ya no existen. El documental es también un viaje a otra Buenos Aires, a otra forma de vivir lo que pasaba en una pantalla. Denise Urfeig sostiene al respecto: “Tanto con Carroceros como con Leyenda feroz, siempre tuvimos claro que a partir de esas dos películas queríamos homenajear a todo el cine argentino, un cine que nos encanta y que consumimos muchísimo. Y nos interesaba contar cómo se hacía una película, desde el comienzo hasta las críticas. Así que sí, siempre fue nuestra idea transmitir todo el proceso y cómo se hacía cine hace más de 30 años”. Frigerio dice: “Una de las premisas que tenía cuando escribí el guion fue que la ciudad de Buenos Aires tenía que ser protagonista, tal como lo es en Tango feroz. Quería encontrar todos los recovecos que sirvieron de escenario y ver cómo estaban hoy. También queríamos mostrar esos cines porteños que ya no están, que los convirtieron en centro comerciales, gimnasios, iglesias… La nostalgia de una cultura porteña que ya no está pero que tenemos que seguir construyendo”. Piñeyro también siente eso que los directores entienden claramente que hicieron: “Era una época de cines enormes, donde las películas se veían básicamente en el cine. Y si bien en un momento muy difícil, muy difícil particularmente para el cine argentino, pero bueno, se produjo esto que tuvo básicamente que ver, creo yo, con la recomendación. Creo que no fue una película producto de campañas publicitarias, no había grandes campañas en esa época y la nuestra fue particularmente pequeña. Pero sí, la película tuvo muy buena recomendación y eso la hizo, bueno, crecer como creció, de un modo que sorprendió a todo el mundo. Y eso, sin duda, así tal cual, creo que es irrepetible. O sea, contar cómo fue ese fenómeno es un poquito hablar de la vida en Marte. Pero yo creo que sí estoy convencido que los tiempos cambian y los modos son otros, las formas son otras, los vehículos son otros. Pero yo creo que las sociedades tienen la necesidad de encontrar aquellos productos artísticos y culturales que de algún modo expresen un momento, expresen una necesidad, cristalicen algo que está allí en el inconsciente colectivo y que está necesitando tomar forma. Y en ese sentido, bueno, será de otro modo hoy. Pero yo estoy seguro que eso va a seguir”. En esta Nota

Del 14 al 25 de mayo se desarrollará la edición número 77 del Festival Internacional de Cine de Cannes con un récord de alrededor de 150 películas participantes en las diversas secciones que componen la muestra. También será un buen año para la cinematografía argentina con cuatro títulos (ver recuadro) repartidos en distintas secciones. Solo el Festival de Venecia supera en número de ediciones a Cannes, con la curiosidad de que el día en que iba a arrancar por primera vez el evento francés (1° de septiembre de 1939) coincidió con el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Hubo que esperar siete años hasta que comenzara la primera edición del festival de la costa azul, con características muy diferentes de las actuales, ya que aún no existía la Palma de Oro que recién data de 1955.  Hasta el presente solo en nueve ocasiones la competencia oficial internacional premió a los realizadores en dos oportunidades. Siendo que ninguno ganó tres veces la Palma de Oro, este año uno de los veintidós concursantes podría superar esa marca. Nos referimos a Francis Ford Coppola, cuya Megalopolis lo trae de vuelta luego de sendos premios, no por El padrino sino por La conversación (1974) y Apocalypse Now (1979, compartida con El tambor). Del resto de los participantes únicamente otro realizador podría lograr un doblete: el francés Jacques Audiard quien ya ganó en 2015 por Dheepan (insólitamente no estrenada en Argentina) y que ahora presenta el film Emilia Pérez, con Zoe Saldana, Selena Gómez y Edgar Ramírez, ambientada en México.  Las sorpresas. Cannes es siempre una caja de sorpresas a nivel de premios alternando gratas sorpresas con grandes decepciones. Este año presenta nombres famosos como David Cronenberg (estrena The Shrouds), Paolo Sorrentino (Parthenope), Paul Schrader (Oh Canada), Yorgos Lanthimos (Kinds of Kindness, nuevamente con Emma Stone) con otro ignotos e incluso debutantes en el largometraje. Y también algunos nombres muy célebres como George Miller (Furiosa) y Kevin Costner (Horizon, An American saga), pero fuera de competición. También Oliver Stone quien estrenará Lula en una “séance” (función) especial. Tanto este último film como L’invasion del gran documentalista ucraniano Sergei Loznitsa seguramente provocarán polémica por los temas abordados.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. La segunda competencia en importancia conocida como Un certain regard (literalmente: Una cierta mirada) contiene otros veinte largometrajes, siendo un hecho singular que no haya virtualmente ningún nombre de director famoso, varios de los cuales debutan con sus películas. Es posible que alguno de ellos se lleve un premio especial conocido como Caméra d’Or (Cámara de oro), para el cual compiten todas las opera primas. La Quincena y más. La Quinzaine (quincena) de Cinéastes ya celebra 56 años y es una de las competencias que suele brindar espacio a las cinematografías latinoamericanas. Este año, entre los veintiún títulos programados, tres son films latinoamericanos. El argentino Hernán Roselli (Mauro, Casa del teatro) estará presente con Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, su tercer largometraje. De Chile se verá Los hiperbóreos, film de animación de Joaquín Cociña y Cristobal León (cuyo film anterior La casa lobo fue visto en 2018 en el Festival de Mar del Plata). Finalmente, Brasil se hará presente con el documental A queda do ceú (The Falling Sky) de otra dupla: Eryk Rocha y Gabriela Carneiro da Cunha.  La Semana de la Crítica es una muestra más corta con apenas once películas, con la peculiaridad de que está integrada únicamente por primeros y segundos largometrajes. Nuevamente Argentina se hace presente con Simón de la montaña de Federico Luis. Cuenta con la actuación en el rol central de Lorenzo “Toto” Ferro que retorna a Cannes luego de seis años cuando se presentó personificando a Carlos Robledo Puch en El ángel de Luis Ortega. Acid. es la más joven de las cinco competencias con apenas nueve films, varios de realizadores debutantes. El argentino Iair Said debuta en Cannes con Los domingos mueren más personas. Cuando ya parecía cerrada la lista de film argentinos, un cuarto título fue anunciado recientemente. Se trata de Transmitzvah del consagrado realizador Daniel Burman, que regresa a la pantalla luego de un largo silencio de ocho años, desde El rey del Once. Resulta singular la programación de su undécimo largometraje en el espacio “Cine de la Playa”.  Entre los eventos estrella del Festival se encuentra el espacio Cannes Classics, donde se muestran grandes clásicos del cine mundial, a menudo en versiones restauradas y/o remasterizadas. Apenas empezado el Festival se podrá ver la primera parte de un film emblemático de la cinematografía francesa y de la historia mundial del cine. Se trata del Napoleón (1927) del gran Abel Gance. Su proyección será sin duda uno de los grandes acontecimientos de la edición número 77.  Al cumplirse 20 años de esta sección, se ha programado la proyección de treinta películas que incluyen a Gilda, con Rita Hayworth (100 años del estudio Columbia), Siete samuráis, Paris, Texas con la presencia de Wim Wenders (el film se presentó en el 25 BAFICI), Bye Bye Brazil, Los paraguas de Cherburgo (60 años de la Palma de oro). Y entre los homenajes habrá uno a Mario Soffici y su Rosaura a las diez que presentará el argentino Luis Alberto Scalella (Presidente de la Federación internacional de productores, Fiapf).   Nuestra presencia El cine argentino tiene una larga historia en cuanto a presencia en el Festival de Cannes. Un breve repaso de dicha trayectoria podría comenzar en el año 1985, cuando La historia oficial, de Luis Puenzo integró la Competencia oficial internacional, antes de ganar el Oscar, obteniendo el premio a mejor actriz para Norma Aleandro (compartido con Cher). Desde ese momento hubo casi cincuenta títulos participando en las diversas secciones del festival. Solo en una ocasión (año 2008) se dio la situación del presente año en que cuatro films participan en las diversas competencias (cinco si se agrega Rosaura a las diez en Cannes Classics). Muy pocos realizadores lograron que sus films integraran la competencia mayor y entre ellos vale recordar a Pino Solanas y Lucrecia Martel (ambos dos veces), Pablo Trapero, Israel Adrián Caetano y Damián Szifrón, todos nombres mayores. Mención aparte para Lisandro Alonso, que ostenta el récord de que todos sus largometrajes sin excepción (seis) tuvieron su estreno mundial en Cannes, la mayoría en la Quincena de Cineastas (antes de realizadores). Este año los cuatro realizadores en las diversas secciones hacen su “debut” en Cannes y el nombre de mayor relevancia es sin duda el de Daniel Burman con Transmitzvah, su undécimo largometraje. Curiosamente Iair Said, otro de los directores que estarán presentes en el Festival, aborda una temática que también es judía, aunque aparentemente su enfoque sería diferente al del film de Burman. En esta Nota

La Habana de Fito es un documental de Juan Pin Vilar, de una hora de duración, que está circulando por algunas grandes salas de cine de nuestro país y de festivales de otros países como el de Málaga, España. Antes, en Cuba, fue inicialmente prohibido y posteriormente exhibido sin aprobación de su director en la televisión. El material de archivo muestra presentaciones de Fito Páez cantando éxitos de toda su carrera en importantes festivales como el iniciático de 1987 en Varadero, y por supuesto también en La Habana, como en el cierre de la gira del disco El amor después del amor. Hay, asimismo, material de archivo sobre la historia de Cuba: la edición deja ver, a la vez, la reivindicación de planteos sociales y la nostálgica belleza de su gente y de su geografía, y también referencias concretas a la pobreza, a detenciones ilegales y fusilamientos, y sospechas en torno a la muerte de Camilo Cienfuegos. Juan Pin Vilar reflexiona sobre el film. —¿Qué dimensiones le había dado a este proyecto inicialmente y cómo vive la repercusión internacional que está teniendo? —Nunca fue un proyecto menor, porque es algo que queríamos contarles a nuestros nietos: todo ese pedazo de nuestra vida. El documental se convirtió en algo que aborda con profundidad a mi país, según cómo uno vio de qué manera fueron cambiando las cosas y la impronta de Fito Páez y cómo a la gente le gusta su música. Pero nunca pensé en la decisión o la estupidez del funcionariado del Ministerio de Cultura y del Cine cubano de ese momento, y todavía ahora; nunca pensé en que esas personas tomaran una idea tan estúpida, que provocara un revuelo de este tamaño. Tú no puedes pensar en la estupidez del otro, en que va a comportarse de un modo tan inadecuado y delincuencial, como ellos se portaron con nosotros y con el cine. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Qué otras reacciones le sorprendieron? —Tampoco nunca me imaginé, y agradeceré toda mi vida, a los colegas que saltaron primero alarmados y luego totalmente enojados con la censura del documental, con el tratamiento que se me había dado a mí como artista . Esos son los dos eventos extrartísticos del documental, que uno no pudo imaginar. Tampoco se puede saber que tenga éxito o no. Así que lograr que un documental se ponga en una cadena de cines como si fuese cine común, eso ya es un logro extraordinario. —¿Qué expectativas tiene con el futuro de “La Habana de Fito”? —Me gustaría que los jóvenes vieran el documental en nuestro continente, que parece que va a ser devorado por fuerzas inexplicables para el hombre común, para mí mismo, que soy un hombre común. Desde la construcción del pasado, los jóvenes podrán defender y comprender su futuro. Me gustaría que vieran el documental, no por que tengamos la verdad, sino porque esto es un punto de vista más sobre todo lo que tenemos que aprender. —En muchas situaciones las personas aparecen con barbijo. ¿Cómo fue el proceso de filmación de escenas relativamente recientes (no las de archivo) y cómo impactó la pandemia de covid-19? —Esto empezó en 2017. La entrevista con Fito estaba guardada. El material de archivo ya estaba. Luego se presentó a un fondo en 2019, que ganamos. En la pandemia, tuve los permisos para filmar los planos de la ciudad; por eso, están muchos con nasobuco (como le decimos nosotros). La pandemia imposibilitaba movernos con naturalidad, como ir a la casa del editor. La economía del mundo estaba resentida; la economía cubana estaba por el piso. Pero era cuestión de armar la idea. En 2021 ya estaba el primer corte y terminamos efectivamente el documental y se presentó en New York como un work in progress. Decidimos ponerlo como una muestra especial y ver la reacción del público, porque el drama que teníamos es que no nos permitían ponerlo en Cuba. No se encontraba en Cuba dónde ponerlo para hacer esa prueba. En New York era la única manera que teníamos de saber si íbamos bien. —¿Por qué Cecilia Roth aparece autofilmada en un departamento? —Estábamos en pandemia: ¿cómo viajar? Ella, con su generosidad, se filmó con su teléfono. Pudo haber dicho que con un teléfono no lo haría, pero tuvo la maravillosa generosidad de dar un enjundioso y largo testimonio. —El documental, ya desde su título, tiene dos protagonistas. La Habana es uno de ellos. Es presentada con sus tensiones, sus contradicciones. ¿Cuáles son las luces y las sombras que aparecen? —Las luces es la historia, porque Cuba es un país hermoso, que dio y continúa dando, y en alguna época dio mucho más, con sus sombras bien ocultas, un país radiante. Uno va viendo la evolución de esa oscuridad, según uno va caminando a través de los testimonios. Es inevitable el deterioro económico y del pensamiento revolucionario. El movimiento de la sociedad de Cuba es grande y se va notando. La Cuba que Fito encuentra la primera vez se va apagando hasta el último momento del documental. Ahora la situación es distinta, caótica, inenarrable. Hoy Cuba se parece a las imágenes más duras de ese documental. —¿Y qué luces y sombras de Fito Páez presenta el documental? —Sombra, no le veo ninguna. Si la tiene, eso lo tienen que evaluar los argentinos. Nosotros, desde aquí, lo vemos desde la luz. No podemos tener la opinión certera de lo que es. Argentina está viviendo una situación particular, absolutamente polarizada e ideologizada. Las situaciones así regularmente encuentran como solución la violencia. Así que no sabría evaluar cómo se ve Fito en el documental, pero aquí siempre fue luz, inclusive en el post documental, porque no nos ha abandonado nunca. —En algunos momentos de la entrevista central, Fito Páez presenta una posible interpretación sobre el concepto de revolución. ¿Cuál es el suyo, cuál surge de este proyecto? —Revolución es cambio, un cambio de todo lo que debe ser cambiado. Fidel Castro hizo un legado, como Moisés y las Tablas de la Ley. Pero para poder seguir avanzando, uno de los obstáculos fundamentales de Cuba es la relación de dependencia con Estados Unidos, por razones geográficas, históricas, de confrontación, desde hace doscientos años. El otro obstáculo es la mediocridad y el fracaso del gobierno cubano, sobre todo, del actual gobierno cubano. La misma generación, cuando sigue en el poder, empieza a defender otros intereses, empieza a perder el sentido de lo que tú mismo fuiste. Pablo Milanés lo decía: “Son traidores de ellos mismos, de lo que ellos mismos fueron”. Ellos, que son la vanguardia de la revolución, ¿cómo se han convertido en contra revolucionarios, en algo estático? En el documental, trato de mostrar cómo va evolucionando el pensamiento a través del desencanto y llega a una ruptura con el gobierno. Pero no es una ruptura con el pueblo de Cuba, ni con las causas por las que es posible la revolución. —¿Podría elegir alguna escena, secuencia o plano que le resulte particularmente logrado o sustancioso, en su planteo fílmico? —Elijo dos. La escena del señor negro, grande, sentado tomándose una copa de vino en lo que fue la plaza vieja de la parte colonial para mí es muy simbólica. Es un negro en el centro de lo que fue la colonia, hoy en día. La otra es donde se ve a mi madre, sentada debajo del monumento del Acorazado Meine, el de cuando Estados Unidos interviene Cuba. En ese monumento, senté a mi madre, que en ese momento tiene 93 años, y pasa mi hijo cruzando enfrente. Mi madre fue una vieja guerrillera, luchadora desde la clandestinidad cuando se hizo la revolución. Mi hijo ya se estaba yendo para La Florida. En esta Nota

Los Raviolis cumplimos diez años. Sería mentira si dijéramos que somos una banda de  música para infancias, pero también, sería mentira afirmar que somos una banda para  un público adulto. Raviolis canta verdades, de esas que no aparecen en las clásicas  revistas de crianza. ¿Acaso nos van a decir que encuentran luz y mandalas cada día que suena el  despertador a las 6:45? ¿Qué no hay que hacer malabares para poder ir a trabajar  cuando no viene la niñera? ¿Que no es un infierno salir volando de madrugada a la  Guardia hospitalaria frente a una fiebre alta? ¿O cuando una vocecita llama a las 2 AM desde lo de la abuela para decir que: “prefiere dormir en casa”? Aunque el universo de propuestas culturales para las infancias o la mirada que se tiene  sobre ellas impone una condena sobre cierto humor ácido, con Raviolis nos animamos  a romper la burbuja de cristal y la fantasía de “que a los chicos sólo hay que contarles  la parte buena y armoniosa de la vida para que resulten personas de bien”. Nosotros  buscamos mostrar el “lado B” de la crianza, porque el “lado A”… ¡Ya lo deberíamos  tener claro!  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Con Los Raviolis, siempre la posta: lo bueno, lo malo, lo lindo, lo feo, la expectativa y la realidad. Y lo hacemos desde el lenguaje del rock, que es irreverencia y desprejuicio, pero al mismo tiempo, no militamos la pavada del progresismo sin límites y consultivo, que no hace otra cosas que borrar las asimetrías de la crianza. Ese cuidado es nuestra  identidad. Y padres y madres se identifican.  Los fans hablan de la “la misa Raviolera”. Los fans son claramente el público adulto  ¡que obliga a sus hijos e hijas a venir a vernos! La mística de la previa, los cantitos del aguante, los gritos antes de salir, las banderas (los “trapos”): todo tiene lugar en un show  de Raviolis. Incluso, el legado de esa madre que no renuncia a ser rockera y que ahora pasa la antorcha a la nueva generación y le dice: “Andá hijo, ahora te toca a vos hacer el pogo más grande del mundo”, mientras le prende una vela a San Luca Prodan y reza para que su pequeña bestia pop no le salga amante del reggaetón. Como el rock, Raviolis es una forma de ser.  Y, por cierto, Raviolis es una banda. Esta aclaración no es menor. Lo que define esta condición es que todas las ideas y todas las propuestas que se plantean desde lo individual salen transformadas en algo exponencialmente mejor después de pasar por la sinergia grupal. Y eso es una clave fundamental de nuestra permanencia durante  estos diez años. Así, pues, con esta banda cumplimos diez años de decir la verdad de la crianza, primero para nosotros; después para el público. Somos auténticos, y en breve… ¡Seremos decadentes! ¡Jijiji! Para este concierto aniversario pensamos en el Teatro ND porque es un lugar emblemático para la música y el arte de la Ciudad de Buenos Aires. Tiene historia, como Raviolis, y buscamos dínde celebrarla a lo grande, con sorpresas especiales, globos, torta y todo lo que hay en un cumpleaños.   Pero también sabemos que la mano económica viene dura y no somos indiferentes a ello. Hay que alimentarse con comida, sí, pero también hay que alimentarse con cultura, y sobre todo durante la infancia, donde participar de un evento artístico es tan formativo.  Es por ello que tuvimos una idea para que nadie se quede afuera: le pedimos a las empresas que financien entradas para quienes no las puedan pagar (hogares,  instituciones, comedores) a cambio de presencia y colaboración en redes sociales. Por suerte, todos los días se suman más empresas a este “esponsoreo solidario” y crece nuestro entusiasmo por festejar estos diez años.  Pues bien, esto somos Los Raviolis. Ya saben. Si necesitan que a través de la música le enseñemos los números en romanos, los colores en árabe y el abecedario hebreo, les conviene invertir en otra salida. Este show se trata de parar el mundo un rato y entrar  en un círculo mágico de la mano de Valeria Donati (voz), Gabichu (voz yguitarra), Esteban Ruiz Barrea (bajo), Brian Ayliffe (batería), Bruno Delucchi (teclado) y Juan Pablo Esmok Lew (guitarra eléctrica) y volarles la cabeza con armonías, diversión y humor. No van a necesitar el Candy Crush para entretenerse ¡se lo aseguramos! Mucho más no les podemos contar. Eso que pasa entre las familias durante el show, sólo lo saben ellas, sólo quienes presencian una misa raviolera”. Las palabras se  enredan, no alcanzan y no le hacen justicia a la vivencia. Hay que estar. Los y las  esperamos. ¡Nos vemos en el Teatro ND para celebrar diez años rockeando el lado B de la crianza! *Integrante de Los Raviolis. En esta Nota