ENTRETENIMIENTO

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

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Tres años después de que Covid-19 silenciara temporalmente la música en vivo en todo el mundo, la industria rompió su récord anterior en 2023. Según Pollstar, una compañía que ha seguido la industria del entretenimiento en vivo durante décadas, las 100 giras más grandes de 2023 recaudaron más de 9 mil millones de dólares, superando el récord anterior, establecido en 2022, en casi un 50 por ciento.  El resultado histórico se logró gracias a una combinación de factores: la venta de entradas aumentó un 18 por ciento, y el precio medio de los tickets subió un 23%. Sin embargo, el principal impulsor del auge de la música en vivo fueron un par de giras de gran éxito, entre las que destacan la "Era's Tour" de Taylor Swift y el "Renaissance Tour" de Beyoncé, que junto con la última gira mundial de Bruce Springsteen, representaron más del 20 por ciento del bruto global. Pero si bien las cifras son impresionantes, vale señalar que la recuperación no ha sido nada fácil para algunos segmentos de la industria. En particular los actos más pequeños, que se han enfrentado a obstáculos importantes, ya que muchos lugares independientes, incubadoras cruciales de talentos emergentes, lucharon por mantenerse a flote en el post pandemia, agravados aún más por la escasez crónica de personal: muchos trabajadores de la industria se vieron captados por los conciertos más grandes, que fagocitan a la competencia. Récord El 2024 se presenta como un año récord para la música en vivo a nivel global. Pero no por eso escapa a distintas preocupaciones y desafíos. A medida que el sector continúa evolucionando, varios factores remoldean el panorama actual y futuro de los conciertos. El primero tiene que ver justamente con una industria que podría estar cerca de su pico: el riesgo a la saturación y una creciente competencia por la atención del público. Con un número cada vez mayor de conciertos y festivales, los productores y promotores deben trabajar más arduamente para destacar en un mercado colmado de opciones. Y esta competencia no solo proviene de otros eventos en vivo, sino también de las alternativas digitales, como los streams en vivo y los contenidos en línea, que están capturando una parte significativa del tiempo y la atención de los fans. La tecnología, se sabe, ha transformado significativamente la manera en que se experimentan los conciertos y eventos musicales. Sobre todo desde la Pandemia. Cierto que el encierro ha impulsado tras la liberación de las restricciones un auge por los shows en vivo. Pero ahora nuevamente, las experiencias digitales parecen crecer en la oferta. Allí, la realidad virtual (VR) y la realidad aumentada (AR) están comenzando a jugar un papel importante, ofreciendo a los fans entornos inmersivos que antes eran inimaginables. Estas tecnologías permiten a los fans asistir a conciertos desde la comodidad de sus hogares o vivir experiencias interactivas que enriquecen la presentación en vivo (aunque presentan desafíos en términos de costos y accesibilidad). Para mantenerse relevantes y atraer a una audiencia diversa, los artistas y promotores están innovando en la forma en que presentan sus conciertos. Esto incluye la incorporación de elementos visuales y tecnológicos que transforman el espectáculo en algo más que una simple actuación musical, como se vio con la gira de Colplay que aterrizó en Argentina con una decena de shows en el estadio de River.  Estas nuevas formas de presentación están diseñadas para captar la atención de una audiencia que está acostumbrada a un alto nivel de estímulo visual y auditivo. Rentabilidad En sintonía, mantener la rentabilidad sigue siendo un desafío crucial para los artistas y productores. Los cambios introducen nuevos costos, sumados a la logística y los honorarios de los artistas, que están presionando los márgenes de ganancia. Además, la fluctuación de los precios de las entradas y la competencia con otras formas de entretenimiento, han llevado a una mayor preocupación sobre cómo equilibrar el ticket, para mantener precios accesibles para el público, y poder cubrir las erogaciones y contingencias. Pero los precios de los espectáculos de primer nivel no bajarán. Los grandes promotores de la industria se lamentan todavía de que las entradas para las estrellas más importantes todavía son demasiado baratas, y de ninguna manera reflejan su verdadero valor de mercado. Al mismo tiempo, admiten que las entradas para todos los que están por debajo de ese nivel son demasiado caras. Mientras tanto, el mercado secundario de revendedores de entradas sigue dificultando que la gente común pueda pagar los conciertos. En la reventa, los tickets para los grandes shows surfean los 200 dólares. Los gastos periféricos de los recitales también han aumentado. No es raro ver que los estacionamientos cerca del estadio puedan costar hasta 60 mil pesos (en EE.UU. cobran US$ 40 o más por una cochera). Y dentro del show, la comida y la bebida cuestan hasta 5 veces más que en un supermercado (los organizadores prohíben el ingreso con esos ítems y revisan bolsos y mochilas). Y si se viaja para ver un espectáculo, está la cuestión del transporte y el alojamiento, que aumentan en vísperas de un gran show. Las habitaciones de hotel en Toronto durante la visita de Taylor Swift en noviembre no bajaban de los 400 dólares y muchos llegaban a los 2.000 dólares la noche. Reveses La aventura de 40 noches de U2 en The Sphere de Las Vegas recaudó 240 millones de dólares. Otros grandes ganadores del 2024. Pero no todos cosechan por igual. Jennifer López canceló toda su gira, lo mismo que Busta Rhymes, que bajó su gira Blockbusta. 311 decidió posponer su gira europea citando “los crecientes costos de las giras en el extranjero”. La gira de los Black Keys se pospuso para luego reducirla a lugares más íntimos (y pequeños). Pink y Justin Timberlake optaron por suspender un par de shows cada uno. Los Jonas Brothers se iban a Europa, pero ya no. El guitarrista Robin Trower anunció que se quedarán en casa. Y otros artistas de rango medio coincidieron que la economía de las giras simplemente no tiene ningún sentido. La versión corta es que la gente se ha quedado sin dinero. Y tienen que tomar decisiones difíciles sobre a qué shows asistirán y cuáles tendrán que perderse. Giras como la de Taylor Swift, Beyoncé y Madonna, han secado las cuentas bancarias, ya que la gente no sólo asistía a sus espectáculos, sino que viajaba para verlas (como muchos argentinos que viajaron a Brasil). Dado que las entradas para ver las actuaciones de superestrellas son inevitablemente caras, con sólo uno o dos espectáculos por año, no queda nada para gastar en actuaciones de rango medio o emergentes. Los espectáculos de emergentes son los primeros en desaparecer: el efecto Taylor Swift lejos de generar arrastre cancela la aparición de nuevas figuras, al menos en el “vivo”. Los fanáticos de la música consumen lo nuevo solo en Spotify, y se resisten a gastar US$100 en más de dos shows al año. Saturación Live Nation Entertainment, el mayor vendedor de entradas y promotor de conciertos, se ha recuperado en los últimos dos años. Pero si se analiza el último lustro, y el riesgo de otras pandemias por venir, el negocio de la música continúa siendo incierto. En 2019 facturó 11.500 millones de dólares. Pero en 2020 cayó a 1.900 millones de dólares (apenas la facturación de enero y febrero). En 2021 crecieron hasta los US$ 6.300 millones, dando el salto en 2022: 16.700 millones de dólares. Para crecer una vez más en 2023: US$ 22.700 millones. El 2024 los llevaría un 50% más arriba. Pero sería para muchos un techo: el mercado está saturado. Cierto que muchos artistas obtienen hasta el 70 por ciento de sus ingresos de las giras, y pocos quieren bajarse. Pero las giras se han vuelto más caras. Las presiones inflacionarias y la escasez de equipos por la mayor demanda de camiones y autobuses, ha disparado los costos. Y Estados Unidos también ha aumentado el precio de las visas para actos de artistas extranjeros, lo cual limita uno de los principales mercados. Y si bien muchos son optimistas sobre el futuro de la música en vivo (incluido Goldman Sachs), hay otros que dicen que la trayectoria actual es insostenible. ¿Y qué sucede cuando los artistas más importantes, muchos de ellos entre 60 y 70 años, desaparecen de la escena? O cuando Taylor Swift finalmente se tome un descanso. El 2025, estiman muchos, será a la baja. por R.N. Galería de imágenes En esta Nota

Ya pasaron más de cincuenta años de la revolución que produjo la aparición de Sui Generis, aquel proyecto musical de Charly García y Nito Mestre que marcó a más de una generación en Argentina y en muchos otros países de América Latina. Sin embargo, tanto Charly como Nito siguen siendo noticia. García edita el 11 de septiembre su nuevo disco, el muy esperado La lógica del escorpión. Y Nito revive en dos shows que se llevarán a cabo el viernes 30 y el sábado 31 de agosto a las 21:00 horas en el Teatro Ópera los dos primeros discos de Sui Generis, Vida (1972) y Confesiones de invierno (1973).       El viernes será la noche de Vida y el sábado la de Confesiones de invierno. Mestre, de 72 años, interpretará los temas en el orden en el que aparecieron en los dos discos e incluirá algunas canciones de otros proyectos en los que estuvo involucrado (PorSuiGieco, Los Desconocidos de Siempre) e incluso alguna canción nueva (este año publicó el single “Acercate a mí”, que se puede escuchar en diferentes plataformas de streaming). Habrá un cuarteto de cuerdas en el primer concierto y una sección de cuerdas en el segundo, más un invitado distinto por noche que el protagonista prefiere no revelar, aunque sí aclara que son “músicos de otra generación, más jóvenes que yo”.   “Estos dos discos no me provocan nostalgia –asegura Nito–, sino un cariño absoluto. Son discos que tienen mucha vigencia, como puedo comprobar cada vez que toco en vivo y viene a verme gente de menos de 30 años. Y no es que vienen con sus padres. Vienen solos o en grupo pero por su propia iniciativa. En Perú, por ejemplo, se me acercó gente para decirme ‘estas canciones me cambiaron la vida’. Y eran pibes muy jóvenes. Se está cumpliendo el sueño que tenía cuando empecé con la música”.  Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Cuál era ese sueño?  —Cuando tenía 17, 18 años yo quería, por sobre todas las cosas, grabar un disco. No era de los que decían “soy un bohemio y sólo canto para mis amigos, no quiero prostituirme con la música”. Eso siempre me pareció más miedo a exponerse que una actitud bohemia. Para mí, grabar un disco era una forma de decir “esto va en serio, es un oficio, una profesión”. Y el objetivo que tenía era el de unir a distintas generaciones. No pensaba en ser rico o famoso. Obviamente, todos los músicos de mi generación soñamos con convertirnos en los Beatles, pero al margen de esa obviedad yo quería que padres e hijos tuvieran un canal para comunicarse. En la época en la que empezamos con Sui Generis había una distancia sideral entre generación y generación. Y nuestras canciones achicaron esa distancia.   —¿En qué condiciones grabaron esos dos discos con Charly? ¿Tenían todos los recursos que necesitaban? —Recursos, muy pocos. Grabamos en tiempo récord, en cuatro canales. Y no había tiempo para corregir nada. Era todo muy inocente, pero a la vez muy querible. Creo que si no hubiese sido parte de Sui Generis, me hubiera gustado escuchar esas canciones porque me hubiera sentido reflejado en la música de esos dos amigos de la escuela secundaria que cantan juntos con mucha candidez y al mismo tiempo con una gran visión de futuro. En esas grabaciones fueron muy importantes los productores, Billy Bond y Jorge Álvarez. Jorge nos decía siempre que teníamos que tocar para todo tipo de público. “Tienen que estar en todos lados, tienen que aprender a dialogar y a convivir con todos”, nos repetía. Y eso nos enseñó mucho, en la música y en la vida. Hasta el día de hoy yo converso del mismo modo con un trapito, que con el Presidente de la Nación. Esa transversalidad me encanta.  Además del single que editó este año y formará parte de un futuro álbum, Nito tiene una agenda llena de actividades: el año pasado hizo shows en diferentes países de América Latina, en España y en Suiza, y su plan es regresar a esos lugares. Hace unos días estuvo en Miami grabando entrevistas para el programa RockandRoad que produce con su pareja, Pamela Gowland, fue parte de la grilla  de GarageTV y hoy puede encontrarse en YouTube. La idea es poder incluirlo en alguna plataforma de streaming.      “Ya hicimos más de 90 programas, con invitados de todo tipo: Claudio Gabis, Gustavo Santaolalla, Palito Ortega, el exfutbolista Carlos Tapia… Ahora grabamos cuatro capítulos más con argentinos que están en Miami: directores y productores de cine, artistas plásticos, un coleccionista de autos… Con las camaritas que hay ahora es más fácil. Pero el trabajo mayor, que es el de la edición, lo hace mi mujer. Yo manejo un auto y charlo”, explica Nito, que dice estar pasando por una etapa muy feliz de su vida.  “Es que yo no me imaginaba ni la mitad de las cosas que me sucedieron. Pero ni a palos, eh… No hablo de ser conocido o tener éxito. Eso es lo de menos, te das cuenta con el paso de los años. Rescato por sobre todas las cosas haber cumplido ese deseo de unir generaciones. Eso es lo que quiero celebrar con estos dos shows en el Ópera”, sostiene.  “También siento que debo seguir demostrando por qué llegué hasta acá –agrega el cantante–. Y la respuesta es sencilla: porque trabajé más de cincuenta años y pasé por todas. Fui muy popular, me fue mal, me fue pésimo, estuve internado para zafar del alcoholismo… Hay toda una gama de cosas que pasaron en mi vida de las que aprendí mucho. Cuando se terminó Sui Generis me enojé, como se enojó Paul McCartney cuando se acabaron los Beatles y él sacó su primer disco solista, donde le pasaba unas cuantas facturas a su pasado reciente. Hoy creo que esa es una visión inmadura de las cosas. Uno es todo lo que hizo durante toda su vida. A medida que crecés te das cuenta de lo importante que es lo que hiciste cuando empezaste, lo que en definitiva te forjó como artista”. El de Sui Generis, de todos modos, fue un viaje intenso pero corto: el primer disco de la banda, Vida, apareció en 1972 y tres años después, en 1975, Charly y Nito le ponían un broche de oro al proyecto con un inolvidable show de despedida en el Luna Park que quedó en la memoria de muchos argentinos que estuvieron allí o vieron el documental Adiós Sui Generis (1976), de Bebe Kamin. Argentina estaba a las puertas de una de las mayores tragedias de su historia, la irrupción de la última dictadura cívico-militar que sembró el terror a partir de 1976 y dejó el poder recién en 1983. El final de Sui Generis fue también el epílogo de una época muy efervescente del país. Pasó casi medio siglo de todo aquello y Nito sigue relacionado con la música, uno de sus grandes amores. Concentrado en lo suyo, pero también atento a lo que pasa a su alrededor: “Me gustan unos cuantos artistas jóvenes –cuenta–. Bandalos Chinos, Zoe Gotussoi, Conociendo Rusia… También me gustó mucho Wos cuando lo vi en vivo, es muy potente. Me gusta lo que hacen y cómo manejan su carrera”.  —¿Y de la nueva música urbana te gusta algo? —Lo que no me gusta del trap y de estos géneros más nuevos es que casi todos  cantan como si fueran centroamericanos. Todos se parecen. Estaría bueno que hagan algo más propio, más original. Además a mí me gustan los músicos que pueden ejecutar instrumentos. Cuando hay muchos samples, grabaciones y filtros me gusta menos. No me parece mal usar esos recursos, y de hecho no es algo nuevo. Ya lo hizo Cher a finales de los años 90. Pero si es una constante o lo usás porque está de moda… Muchas veces no termino de distinguir a algunos de esos artistas, no sé quién es quién. Me da la impresión de que no tienen firma propia ni personalidad. Y prefiero la personalidad en todas las ramas del arte: en la música, en el cine, en la pintura… Hace unos días escuché un tema de Pink Floyd en la radio y pensé en eso: “¡Qué diferencia entre esto y el trap!”. Como ha dicho mi querido amigo Charly García: “La música es melodía, armonía y ritmo, y ahora hay ritmo, pero falta la melodía y la armonía”. —Sale un disco nuevo de Charly. ¿Qué pensás? —Me pone contento, pero más contento lo va a poner a él porque venía de una larga negociación con la discográfica, un tira y afloje clásico con la industria.  No creo que Charly haya estado muy metido en toda esa historia, eso lo hará la gente que lo rodea hoy, que trabaja con él. Pero debe estar contento de que el disco por fin sale y eso me alegra. En esta Nota

El adiós a Alain Delon se realizó tal como él lo había pedido.  Esto es, fuera de París, y sin ninguna pompa ni homenaje nacional, tal como suele suceder cuando fallece una figura que como él, por su quehacer profesional, contribuyó a la imagen de Francia. La única voluntad que no le cumplieron Anthony, Alain-Fabien y Anouchka –sus tres hijos– fue el sacrificio de Loubo, su pastor belga malinois, junto a quien el actor –dicen– quiso ser enterrado. De hecho, su tumba está próxima a la de sus perros ya fallecidos. Navidad 2023: Delon, sus hijos varones Anthony y Alain Fabien, y sus respectivas novias. Douchy es una localidad que está a unos 134 kilómetros de París. Allí está La Brulerie, la  propiedad donde Alain Delon se recluyó, y donde finalmente murió el pasado 18 de agosto, a los 88 años. Ayer este pueblo francés cerró una semana de agitación donde, a las cámaras de televisión, se sumaron personas que viajaron de varios puntos de Francia, para participar a su manera de la despedida a un actor que es sinónimo del cine francés y mundial. Ante tamaña multitud, la familia dejó un libro de condolencias –que fueron más de uno–para que quienes quisieran, dejaran un mensaje. La mascota de Alain Delon que se salvó de ser enterrada con él. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad.  El cierre de una jornada que comenzó muy temprano fue ya por la tarde cuando, luego de una ceremonia sencilla, Alain Delon  fue enterrado en la capilla privada de su mencionada propiedad de Douchy. Solamente unas cincuenta personas asistieron al funeral, y fueron las únicas que estaban autorizadas a participar de esta ceremonia. Entre ellos, Paul Belmondo –hijo del fallecido actor Jean Paul Belmondo–; el presidente del Festival de Cannes, Thierry Fremaux; el productor de cine Alain Terzian; Rosalie van Breemen, ex esposa del actor y madre de Anouchka y Alain Fabien, las actrices francesas Nicole Calfan y Géraldine Danon, ahijada del actor. La actriz Claudia Cardinale, de 86 años, no asistió debido “a su gran tristeza”, indicó su agente de prensa. Los personajes mencionados y los restantes invitados al entierro de Delon, tuvieron que dejar sus teléfonos celulares, por motivos de confidencialidad. Además, a pedido de la familia, la prefectura francesa prohibió el sobrevuelo de la propiedad durante todo el fin de semana. Para evitar conflictos entre sus hijos, Delon hizo una subasta en 2023. Horas antes de la discreta ceremonia y entierro, Anthony y Alain-Fabien Delon salieron fuera de la propiedad paterna para agraceder a las cientos de personas que acompañaron desde allí, depositando flores y mensajes en los portones de La Brulerie. “Estamos sumamente conmovidos por el fervor y el afecto mostrado en Francia y en todo el mundo”, expresaron los tres hijos del actor en un mensaje firmado en conjunto. “odría organizarse una misa pública en septiembre, pero “por el momento no hay nada previsto”, dijo a AFP Anthony Delon. Fans de Alain Delon en la puerta de la casa donde el actor fue enterrado. Legado. “No le temo en absoluto a la muerte” había declarado Delon en 2011 a Paris Match, revista francesa que  tras la muerte del actor reeditó una foto en la que se lo ve junto a la tumba que ya planeaba como lugar de su último reposo, en la capilla que mandó construir en La Brulerie. Para realizar esto, Delon tramitó con anterioridad un permiso especial. Así, Francia despidió al actor que protagonizó títulos que integran la historia del cine mundial como Rocco y su hermanos, A pleno sol, El gatopardo, Mr.Klein o Borsalino. En esta Nota

Podría decirse que por estos días Todd Phillips es el director del momento. Detrás de su firma está por reproducirse una de las películas más esperadas del año. Y, si bien la expectativa es total, estamos ante ese momento bisagra en el que, o bien estamos ante la cúspide anual o ante una decepción. Todo se sabrá dentro de unos pocos días cuando, en el marco del Festival de Cine de Venecia, tenga su estreno mundial 'Joker 2'  o 'Folie à deux'. Fue en ese mismo festival, donde ganó el León de Oro con –la primera– 'Joker'.  Lady Gaga y Joaquin Phoenix en 'Joker 2'. Todd Phillips es un director ciclotímico. Hasta la irrupción de su Joker, era conocido por The Hangover, traducida como ¿Qué pasó ayer?, básicamente la historia de una despedida de solteros que se desmadra y deviene en una amnésica resaca. Lo que podría ser leído como un chiste largo que funcionó, se convirtió en una suerte de saga del descontrol, consagró a Zach Galifianakis y le dio visibilidad a Bradley Cooper. En Festival de Venecia, el filme de Luis Ortega compite con 'Joker 2' Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Quizás parte del público haya naturalizado que un director pueda pivotear entre varios registros, pero si uno ve de corrido esas comedias y luego pone el Joker, tiene que estar preparado para el repentino viraje hacia las referencias al cine de los ’70 y una intensa indagación en la salud mental de un protagonista conflictuado. La saga ¿Qué pasó ayer? tiene más que ver, ciertamente, con Old School, traducida como Aquellos viejos tiempos, una película suya del 2003 o su adaptación de Starsky & Hutch, protagonizada por Owen Wilson y Ben Stiller. Todd Phillips y Joaquin Phoenix en el rodaje de 'Joker'. Las películas de Todd Phillips, por lo general, funcionan. Si bien el nombre todavía no se impone en las primeras planas, su obra recauda (se calcula un total de 3.200 millones de dólares)y ahora se acostumbró a las pasarelas rojas prestigiosas. “¿Por qué hacer algo si no te genera adrenalina?” se preguntó en una reciente entrevista concedida al medio Variety, Todd Phillips, director. Y amplió: “Soy adicto al riesgo. Quiero decir, te mantiene despierto por la noche, hace que se te caiga el pelo... Pero es el sudor lo que te hace seguir adelante”. Joaquin Phoenix, de 'Joker' a 'Napoleón', de nuevo a 'Joker' Las secuelas son siempre un desafío. De por sí, el acercamiento al antagonista de Batman que fue la película del 2019, dividió las aguas. En aquel retrato audaz, Joaquin Phoenix encarnó a un Arthur Fleck perturbado y extraviado, con anhelos artísticos y corazón roto. Ligeramente corrido del maniqueísmo propio de la narrativa mainstream norteamericana, este Joker era, además de un célebre criminal, una víctima del sistema, capaz de reunir a los oprimidos de Ciudad Gótica. Luego de cosechar adeptos y críticos punzantes, la película le valió a Phoenix un Oscar a mejor actor. La Academia volvía así a ponderar una interpretación del famoso villano maquillado de payaso. "La pregunta fue: '¿Cómo podemos superarnos a nosotros mismos?'", dice Todd Phillips. “Y sólo podés lograrlo si hacés algo arriesgado. Pero había días en el set en los que mirabas a tu alrededor y pensabas: '¡Mierda! ¿Qué hicimos?'” Lady Gaga y Joachin Phoenix en  una escena de 'Joker 2'. Lo que pasa es que el director se tomó en serio la idea de superarse a sí mismo mediante la toma de riesgos y, en esta oportunidad, la decisión fue darle un protagónico a la música. Y, para mayor coherencia fue contratada Lady Gaga, quien da vida a Harleen Quinzel. En abril, Phillips tuvo que salir a aclarar que no se trataba de un musical. “Nunca hablamos de ella como tal", esclarecía el director durante la presentación de Warner Bros. en la CinemaCon 2024, según publicó Entertainment Weekly. "Es una película en la que la música es un elemento esencial. Para mí, no se distancia demasiado de la primera”. Respecto a la valentía del viraje formal de la película, Lady Gaga opinó: "Todd dio un gran giro con todo este concepto y con el guion, dándole a la secuela de 'Joker' esta audacia y complejidad". Y apuntó: “Hay música, hay baile, es un drama, también es un drama judicial, es una comedia, es feliz, es triste. Es un testimonio de (Todd) como director, que prefiere ser creativo antes que contar una historia de amor tradicional”. En 2022, Todd Phillips se alzó con el León de Oro con 'Joker'. Una de las cuestiones que también generó cierto revuelo fue el presupuesto de la cinta. La situación es esperable: el directo enfrentó el desafío de contar la historia del Joker con una impronta oscura, casi lúgubre, y salió victorioso. La primera entrega costó 60 millones de dólares  y el director confiesa que la nueva fue más cara. Pero impugna que los 200 millones de dólares de los que se habló son absurdos y reclama: "Leí estas historias y parece que están del lado de las corporaciones multinacionales", dice Phillips. “Dicen: '¿Por qué cuesta tanto?' Suenan como los ejecutivos de Hollywood. ¿No debería la gente estar contenta de que les hayamos sacado este dinero y lo hayamos usado para contratar a un equipo de  filmación que así puede alimentar a su familia?".  A pocos días del estreno de 'Joker 2' en el Festival de Venecia, el horizonte promete atención. En esta Nota

Es la película nacional que batió records de público con casi cuatro millones de espectadores, premios internacionales y sobre todo que sus Relatos salvajes ya forman parte de nuestra cultura nacional. Este 21 de agosto se cumplen diez años de su estreno y se decidió que vuelva a los cines para que las nuevas generaciones la puedan ver. Creación de Damián Szifron, guionista y director, contó con un elenco de notables actores: Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, María Marull, Diego Gentile, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, entre muchos otros intérpretes. Dos de sus integrantes hablan de cómo fue filmarla y las repercusiones que vivieron. Ellos son María Marull que integró el relato “Pasternak” con Darío Grandinetti y Diego Gentile que junto a Erica Rivas cierran con la última ficción: “Hasta que la muerte nos separe”.  —¿Cómo se gestó “Relatos Salvajes”? Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. MARÍA MARULL: Empezó a escribir unas historias cortas, casi por placer porque él (Damián Szifron guionista director y esposo de Marull) estaba con otro proyecto en ese entonces. Recuerdo que eran ficciones sin un hilo conductor en un principio y después se le fue armando esta posibilidad. —¿Qué recuerdos les dejó la filmación? DIEGO GENTILE: De felicidad pura, primero porque no habíamos trabajado nunca antes con Erica (Rivas) con quien nos conocemos desde hace veinte años. Somos muy amigos pero no se nos había dado compartir una ficción. En ese momento yo estaba representando Toc Toc todas las noches, pero por suerte las filmaciones fueron por la mañana y a la tarde. Se hizo cronológicamente, por lo cual fue muy fácil ir acumulando las situaciones. Recuerdo que Damián (Szifrón) tenía muy en claro todo lo que quería. Incluso tengo una anécdota, sin darme cuenta en un párrafo agregué un “No” que no figuraba y me lo marcó. Tiene ese nivel de detalle, lo que sobra a él le desafina. Por eso fue muy fácil todo el rodaje, por mi parte sólo tuve mi responsabilidad como actor, nada más. M.M.: También lo recuerdo con felicidad y alegría el subirme a un avión de verdad, que estaba en refacciones. (N.d.R: Hizo de Isabel en el relato junto a Grandinetti). Nos divertimos mucho, con un grupo de actores espectaculares, como Darío, Mónica Villa, Diego Starosta, Marcelo Frasca y Nacho Vavassori. A mí me gusta trabajar con Damián, como actriz y separo lo de mi matrimonio. Es muy placentero porque me entrego con total confianza. Desde el texto que una lee ya hay una melodía, donde no hay espacio para la improvisación, pero lo digo en el buen sentido, porque siempre te deja aportar. —¿Creen que sigue siendo actual? D.G: No envejeció ni un día. Ninguno de los relatos se venció. Cuando hay un enfrentamiento entre dos personas usan en la televisión la frase: “otro relato salvaje en Buenos Aires”. Quedó como si fuera la definición de un estado argentino, de nuestra idiosincrasia, con lo bueno y con lo malo. Hay algo que habla de nosotros, con el horror nos terminamos riendo, ya que es una película muy graciosa. Uno como espectador se ríe de lo mal que la están pasando los personajes, pero también es muy nuestro encontrar reírnos en la mitad de la tragedia. Hay algo que atraviesa nuestra idiosincrasia y puede suceder en otras partes del mundo. El público se identifica con lo catártico. Los personajes hacen lo que muchas veces tenemos ganas y reprimimos. M.M: Creo que la película tiene algo bastante universal y se puede resignificar en diferentes momentos de estos años que pasaron. Habla de las pequeñas batallas cotidianas, que tiene la gente. Hay algo inconsciente, cuando una ve esos relatos siente que podría protagonizar alguno, si nos sacáramos el corsé social de lo que no corresponde. Muestra las pequeñas injusticias cotidianas. Creo que la película generó esa empatía y también a nivel universal. —¿Con qué premio o nominación sintieron más emoción, desde los Oscar, los Goya, los Platinos hasta los Sur? M.M.: Recuerdo esa época con un sinfín de premios, casi como si fuesen fuegos artificiales. Para mí el mayor premio fue lo que pasó socialmente, la respuesta masiva del público. Como Bombita empezó a formar parte del vocabulario de nuestra gente y del país. Por supuesto que acompañar a Damián a los Oscar fue maravilloso. También recuerdo a los espectadores aplaudiendo de pie en el Festival de Cannes. D.G.: Todos los premios terminan siendo como un mimo al trabajo y un reconocimiento. También siento que el premio mayor fue la respuesta de la gente. Cuando me metía en los cines para ver la reacción del público observaba que le gritaban a la pantalla, como hacía mi abuela cuando veía la novela en canal 9. Tuvo siempre algo muy popular, de identificación y hasta el día de hoy nos siguen haciendo comentarios sobre la película. —¿El cine argentino tiene un sello propio? D.G.: Tiene un lenguaje de identidad relacionado con el país. Por eso me parece que es importante la defensa de un cine nacional, que tiene que ver con nosotros. Afuera nos conocen por él, hay una aceptación y un mostrar la forma de ser argentino. Es peligroso perderlo o nos volvemos universales, en el mal sentido. No es lo mismo Polonia que nosotros, tenemos diferentes formas de contar.  M.M.: El arte tiene que ver con poder hablar de lo que una conoce. Celebro cuando voy a ver una película o una obra de teatro y siento que el autor está hablando de lo que sabe, de su mundo personal y eso es lo que lo hace trascendente. Lo que es particular y universal a pesar de que una pueda pensar que es diferente. En otro país no pasa exactamente igual, pero se transparenta cuando hay una honestidad autoral y está una búsqueda que expresa preguntas. Tanto el cine, el teatro, como todo el arte son herramientas fundamentales para la identidad de nuestra cultura, pensamientos y sentimientos. Va más allá de lo económico, por eso para mí no tiene precio y es muy necesario. —¿Cómo sobrevivieron a los éxitos teatrales: Marull y los diez años de “La pilarcita”, Gentile y sus temporadas con “Toc Toc”? D.G.: En nuestro oficio tener estabilidad económica es muy difícil y de golpe con Toc Toc la tuve. La pasamos muy bien con el grupo, porque éramos todos actores. Ganábamos dinero con una comedia, por lo cual todas las noches el público se reía y eso es muy energético para uno como actor. Mientras pude hacer el unipersonal Matar cansa de Santiago Loza. Estaba feliz en esa jaula de oro. Fue un desafío mantener vivo el espectáculo en más de dos mil funciones. Pero me llamó Carlos Sorín para filmar en el sur Joel durante seis semanas y sentí que era el momento ideal para cerrar el ciclo de Toc Toc. Ahora estaré en Microteatro, mientras preparo un unipersonal de Andrés Gallina. M.M.: Con La pilarcita vamos a cumplir diez años de funciones. Pasa algo particular con la obra y con el grupo que ha ido cambiando. Hace poco volvió Lucía Maciel, actriz que la había estrenado. Las veces que puedo voy a verla. Siento que sigue creciendo y continuamos probando. Hicimos funciones en el Astros y volvimos al Camarín de las Musas, los viernes a las 20 y a las 22. Es un espectáculo con el cual la gente se conmueve y se divierte. Los lunes hago Yo no duermo la siesta, mientras que de miércoles a sábados interpreto Lo que el río hace, también en el Astros, con ganas de hacer giras e ir a los festivales. El teatro es un espacio puro, más hoy que todo es tan tecnológico. Es un ritual que compartís con doscientas o quinientas personas que no conocés y te olvidás de todo. En esta Nota