ENTRETENIMIENTO

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

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La primera vez que vi a Camila Sosa Villada fue en el unipersonal “Carnes tolendas”, basado en escritos de Federico García Lorca, que representó en 2009, en la sala La Cochera, de su Córdoba natal. Allí comprobé que era una gran actriz dramática, algo que con el correr de los años confirmaría. Además, es una talentosa escritora, como demostró en “Las malas”, su primera novela, en la que cuenta cómo sobrevive un grupo de travestis que son trabajadoras sexuales. Ese libro no sólo la posicionó como una de las voces más originales de la narrativa argentina contemporánea, sino que fue el inicio de una trayectoria en la que siguió sumergiéndose en temas de los que habitualmente no se habla. Por ejemplo, la crisis existencial que sufre la protagonista de “Tesis sobre una domesticación”, cuya versión cinematográfica protagoniza junto al actor mexicano Alfonso Herrera y que acaba de estrenarse, dirigida por Javier van de Couter, con quien ya había trabajado en la película “Mía”, en 2011.  De paso por Buenos Aires, donde presentó “La traición de mi lengua”, su nuevo texto editado por Tusquets (Grupo Planeta), en el cual reflexiona de forma filosa y poética sobre erotismo, pasado e infancia, recibe a NOTICIAS a pesar de un molesto estado gripal que la tiene como una loba agazapada, aunque dispuesta a defenderse con garras y dientes.  Noticias: ¿Cómo nace Camila? Camila Sosa Villada: En 1982, por una reacción química a dos elementos que no debieron haberse cruzado nunca, que fueron mi papá y mi mamá. Estuvo latente un par de años aprendiendo cómo hacer para poder expresarse. Después, cuando ya tenía 13, más o menos en el ’95, empezó a salir a la calle a pasear de noche cuando el pueblo se dormía. Camila se vestía y salía a caminar por Mina Clavero. Ahí dio sus primeros pasos y no la detuvo nadie más. Se comió al anfitrión y quedó solo la huésped. Noticias: ¿Por qué eligió ese nombre? Sosa Villada: Me gustaba, pero después le puse una épica que en verdad no es tan cierta. Recuerdo haber visto la película “Camille Claudel”, con la francesa Isabelle Adjani y me gustó el nombre. Al principio decía que me llamaba Valentina, pero me gustaba más Camila. No tiene ninguna épica particular. Noticias: ¿Sus apellidos son reales? Sosa Villada: Sí, con la Ley de Identidad de Género no te podías poner un apellido que no fuera el tuyo.  Noticias: ¿Puede identificar los primeros detalles que le hicieron sentir su condición femenina? Sosa Villada: Ah, no, no tengo la menor idea. Lo que sí registro es la amonestación, los retos. Yo no me identificaba ni como femenino, ni como masculino, ni como un disfraz. Para mí era todo natural, porque si no pareciera que hubiera una doctrina que te enseña cómo ser. Yo, la verdad que vivía aislada y no veía otras travestis en la calle. Fue en el seno de una familia de tres, donde dos eran adultos y heterosexuales. En algún momento me di cuenta de que lo que me estaba pasando causaba en los demás un rechazo y me cagaban a pedos, pero nunca fue algo de lo que yo tuviera plena conciencia. Al contrario, fue bastante inconsciente todo. Noticias: Deduzco, por lo que está contando, que sus padres no la entendían o apoyaban. Sosa Villada: ¿Pero qué padre hubiera entendido y apoyado eso en un pueblo? Ellos hicieron lo que les decían que tenían que hacer para tratar de poner a salvo a su hijo de algo que se suponía que era súper peligroso y terminó siendo así. Además, tuvieron razón. Fue para ellos un golpe bastante grande que todavía lo están procesando. Noticias: ¿Hay un momento preciso en que vieron su transformación? Sosa Villada: Debe haber sido a los 14. Abrió la puerta mi papá en un momento que no tenía que hacerlo y yo estaba probándome un vestido que había hecho con una cortina. Pero, es peligroso hablar así, de fechas o de efemérides respecto al travestismo. Parece que se hablara de un tipo de doctrina o de algo que se aprende o de algo que se cumple de determinada manera y las cosas se van dando de forma mucho más natural, mucho más orgánica. Creo que las transiciones de la gente trans o de las travestis son mucho más naturales y menos consabidas que una primera comunión o una confirmación o cuando te recibiste o cuando pasó tal cosa.  Noticias: ¿Le incomodó la pregunta? Sosa Villada: Es por lo general una pregunta que se nos hace a nosotras tratando de descifrar algo que es tan natural como aceptar o no el género que te dieron cuando naciste. Lo que pasa es que somos menos poblacionalmente porque se han muerto miles, también porque hay muchas que tienen miedo. Pero no creo que sea del orden de las efemérides. El tono en que hay que hablar del travestismo me parece que es algo que se da naturalmente. Me parece un desacierto y es peligroso, sobre todo en tiempos, así como éstos, donde se dice eso de “con mis hijos no”. Te vuelvo a repetir, yo lo hice a puerta cerrada en una casa donde éramos tres. No me adoctrinó nadie, lo que me hace pensar en que es de otro orden que no tiene que ver con el aprendizaje, con que te muestren o no te muestren algo. Esto es del orden de la identidad y no de la sexualidad. Noticias: ¿Cómo es hoy la relación con sus padres? Sosa Villada: Muy bien. No hay nada que reprochar. Es triste la vida del reproche constante. Se me despejó leyendo a Sharon Olds (escritora y poeta estadounidense). Al leerla entendí algunas cuestiones sobre la paternidad y la maternidad, que son casi tan difíciles como ser hijos.  Noticias: Obviamente, no se puede vivir anclado en el pasado. Sosa Villada: Es que también había cosas hermosas. Lo que pasa es que a veces todo se tiñe de un relato en el que las personas trans somos odiadas por nuestros padres. Pienso en mi padre y en mi madre y en todo el cariño que recibía. Incluso en ese gesto de represión enorme que ellos tuvieron, había algo del orden, del miedo de proteger y de pensar qué le va a pasar a esta criatura cuando sea más grande. Noticias: Lamentablemente sigue existiendo la transfobia. Sosa Villada: En la comunidad, en la comunidad LGBTQ+, en la política, en el mundo literario, el cinematográfico, en todos lados hay transfobia. Noticias: ¿Puede revertirse en algún momento? Sosa Villada: Se pueden dar unas buenas piñas. Se puede aprender a defenderse mejor. Argumentar mejor, ser incluso más agresiva de lo que son los ataques transfóbicos. No me cabe ninguna duda también de que hay homofobia y misoginia. Si no sos puto, sos judío, o gordo, o viejo, o inmunodeprimido. Existe el odio al otro, la gente odia a los demás todo el tiempo. Noticias: ¿Por qué será? Sosa Villada: Porque el otro es insoportable. Qué querés que te diga, el otro es insoportable siempre. Yo soy bastante antisocial. La gente por lo general me causa bastante escozor. Noticias: El mundo vive momentos complicados con temas como la identidad sexual y el reconocimiento de derechos. Sosa Villada: Acá también. Yo tengo un documento de identidad que dice que soy mujer, no dice que soy trans. Los derechos siempre son vulnerables. Cualquier derecho es vulnerable. Está bien que sepamos cómo se conquistan y cómo se defienden porque significan una mejora en la vida de uno. Noticias: ¿Vamos por buen camino o estamos adormecidos? Sosa Villada: No, el mundo ya no tiene arreglo. Antes las travestis generábamos más miedo. Ver una travesti en la calle, parada en una esquina, era como un acontecimiento. De repente, empezó a pasar que los empezaron a asimilar y eso trae como consecuencia la pérdida de lo salvaje. Las domesticaciones siempre hacen que una pierda los colmillos. Sé que hay que recuperarlo, pero no sé si vamos por buen o mal camino porque no es un trabajo que yo haga. No soy socióloga ni antropóloga. Tengo otras cosas en la cabeza como el bienestar de mi papá y de mi mamá, el mío y el de mis amigos. Pero no estoy pensando universalmente en una bandera. Estoy ocupada en otras cosas. Estoy grande y cansada, no tengo ganas de batallar más.  Noticias: ¿Está enamorada? Sosa Villada: De mí, de mí misma (sonríe). ¿Me enamoré de alguien últimamente, Paulina? (pregunta a su mánager). Un poquito de Poncho (Alfonso Herrera), pero era un amor puramente profesional y necesario para la película. Fue como amor a primera vista, apenas lo vi el primer día que nos conocimos y todavía me dura. Pero los 25 que tengo, uno para cada día de la semana, son todos estables, a todos les digo te amo, a todos les digo los quiero, los extraño, pero ninguno es un novio oficial o un novio con el que conviviría. Noticias: En su escritura, en general, habla sobre temas no habituales. ¿Es algo buscado o surge espontáneo? Sosa Villada: No, yo necesito escribir, tengo una imagen o algo en la cabeza y me dejo llevar por eso. No es algo que busque de forma consciente. Escribir es uno de los trabajos más lindos que tengo porque no tengo compromiso con ningún tópico, no es que yo quiera hablar de algo en particular.    Galería de imágenes En esta Nota

El productor Diego Kolankowsky hizo historia en los Premios Tony 2025 al ganar dos estatuillas por sus producciones Maybe Happy Ending —consagrada como mejor musical del año— y Sunset Boulevard —ganadora como mejor reestreno de un musical—, en una ceremonia realizada en el icónico Radio City Music Hall de Nueva York. Fue una coronación que selló una década de trabajo en la meca del teatro musical y lo posicionó como la gran figura latinoamericana de la escena teatral neoyorquina. La dimensión del logro es aún mayor si se considera que las obras producidas por Kolankowsky acumularon 17 nominaciones. Y su rol como productor creativo de Maybe Happy Ending y coproductor de Sunset Blvd. lo colocó en el centro del podio. Subió dos veces al escenario, emocionado, eufórico, “volando a un metro del piso”, como él mismo dijo tras la ceremonia. Una obra original que conmovió a Nueva York Maybe Happy Ending, escrita por Will Aronson y Hue Park, es una fábula futurista ambientada en la Seúl del año 2064, protagonizada por dos robots obsoletos que descubren el amor y la conciencia de la muerte. Con dirección del talentoso Michael Arden —habitual colaborador de Kolankowsky—, la obra combinó ciencia ficción, lirismo, estética kabuki y jazz nostálgico para hablar, desde lo robótico, de lo más humano. De sus diez nominaciones, Maybe Happy Ending obtuvo seis galardones, incluyendo mejor música original, mejor dirección, mejor actor y diseño escenográfico. Kolankowsky no solo financió el proyecto: lo acompañó desde su génesis, durante siete años, apostando con riesgo personal, incluso endeudándose para que pudiera ver la luz en Broadway. “Es nuestra Cenicienta convertida en reina”, dijo emocionado al recibir el premio. Sunset Boulevard: el regreso de una leyenda La otra victoria llegó de la mano de Sunset Blvd., la ambiciosa reposición del clásico de Andrew Lloyd Webber, dirigida por Jamie Lloyd y protagonizada por Nicole Scherzinger como una inolvidable Norma Desmond. Con siete nominaciones, la producción ganó tres Tony, entre ellos el de mejor actriz y mejor diseño de luces. Kolankowsky, como coproductor, fue parte esencial del proyecto, apostando a una reinvención visual y emocional de uno de los musicales más célebres del siglo XX. El resultado fue una versión moderna, intensa y oscura que revitalizó la figura trágica de la diva del cine mudo. Una década de construcción en Broadway El doble triunfo de Kolankowsky no es casualidad, sino fruto de una trayectoria de diez años de trabajo en Broadway. Desde su debut con Spring Awakening en 2015, su nombre se consolidó en proyectos de peso como Beetlejuice, American Buffalo y Once on This Island, con la que ganó su primer Tony en 2018. Su estilo, que combina una mirada artística aguda con audacia empresarial, lo convirtió en una rara avis: un latinoamericano protagonista en la industria teatral más exigente del mundo. Pese al éxito internacional, Kolankowsky no pierde de vista su raíz: “Quiero hacer Maybe Happy Ending en la Argentina”, anunció con entusiasmo. Ya posee los derechos para montarla en español en el país, así como en México y España. “Nunca produje en mi país. Esta puede ser la primera vez. Si la hago, quiero que se vea con la misma calidad que en Broadway”, aseguró. Aunque reconoce que es una obra compleja y cara, su deseo de llevarla a la calle Corrientes es genuino y fuerte. Un rey con los pies en la escena Ya en la fiesta de celebración —primero en el MoMA, luego en el Bryant Park Grill—, Kolankowsky compartió la alegría con su hija Ámbar y su equipo artístico. “Pertenezco a la comunidad más linda del mundo: la del teatro, y la de Broadway”, dijo entre abrazos y brindis. En esa comunidad, su lugar está asegurado. Con dos premios y el reconocimiento del mundo teatral, Diego Kolankowsky no solo hizo historia: abrió una puerta para el talento argentino en lo más alto del escenario global. Broadway ya lo aplaude como a uno de los suyos. por R.N. Galería de imágenes En esta Nota

Con una puesta diversificada comenzó este viernes 6 de junio la primera Argentina Cómic Con del año. En su sede habitual (salvo una breve interrupción) del Centro Costa Salguero, los fans de las series, películas, historietas y personajes se dan cita para reencontrarse, celebrar a sus estrellas y conocer de cerca a los invitados especiales. El viernes Christopher Mintz-Plasse fue la gran estrella que abrió en el Main Stage el desfile de visitas internacionales. Muy agradable con los fans, habló de sus trabajos en Supercool, Kickass y Cómo entrenar a tu Dragón. Va a estar los tres días!El otro invitado célebre es la estrella de Stranger Things Noah SchnappYendo a los stands, EL juego interactivo y participativo fue el de la serie de AMC Walking Dead Dead City que protagoniza Negan (Jeffrey Dean Morgan) y que llegará muy pronto a la pantalla del canal de cable. Ahí hay que escapar de los zombies, ¿qué otra cosa podría ser? Netflix llevó el gran éxito argentino de El Eternauta con algunas de las instalaciones que se vieron en la ciudad de Buenos Aires: los cascarudos gigantes y uno de los vehículos de los sobrevivientes.Disney llevó a Los 4 Fantásticos, Stitch y la Radio, mientras Fanta presentó un stand que es media lata de gaseosa en el que también proponen un juego interactivo. El Artist Alley y la Feria Medieval crecieron en esta edición: los primeros quedaron en una posición central y muy a la vista, algo merecido. La Feria sigue afuera con todo tipo de puestos de accesorios, comidas y bebidas.Pero la gran novedad esta vez es una gran pista de patinaje sobre hielo que se puede disfrutar con un pago extra. Cronograma de sábado en el Main Stage 13:45 Charlas Épicas: Carlos Segundo en Vivo14:00 Charlas Épicas: Alfonso Obregón en Escena14:45 Big Gun en Concierto: Tributo a AC/DC16:00 Gran Concurso de Cosplay17:00 Spotlight: Christopher Mintz-Plasse18:00 Estrella Invitada: Noah Schnapp en Vivo19:00 Kiss Me en Concierto: Tributo a Kiss Cronograma de domingo 13.45 Spotlight: Christopher Mintz-Plasse14:45 Hollywood Symphonic en Concierto15:45 Duelos de Voz: Carlos Segundo & Alfonso Obregón16:45 Estrella Invitada: Noah Schnapp en Vivo17:30 Voces y Canciones Mágicas: Romina Marroquín18:30 Gran Concurso de Cosplay19:15 Reina Madre en Concierto: Tributo a QueenLos horarios del fin de semana son de 12 a 20 para sábado y domingo. Informe y fotos: Aldana Córdoba.

Lejos, muy lejos, de musical y cerca de la pasión y músculos del film original de Sylvester Stallone, que dió la aprobación, Nicolás Vázquez, como codirector (con Mariano Demaría), protagonista y parte de la producción cuenta de cara al estreno el 12 de junio en el Teatro Lola Membrives: “Algunos de chicos soñaban ser Batman, ser Superman, yo soñaba ser Rocky. Y mi superhéroe es más humano que todo eso que te dije, y no tiene nada que ver con la ciencia ficción. Tiene que ver con el corazón, con la garra, con el poder del amor. En mí, muchas veces ese tipo de poder es lo que me ha llevado adelante”. Rocky es el corazón de Vázquez. Pero también, como se nota al instante, de los 90 seres humanos que lograron que esta producción de RGB Entertainment y Preludio sea una realidad. Hay uno de ellos, claro, que Vázquez asegura que sería imposible pensar la obra sin ella: se trata de Dai Fernández, su coprotagonista, en esta aventura. La Adrian a su Rocky. Suma Vázquez: “Soy un estudioso de Rocky, lo admiro mucho a Stallone como artista, como productor, como actor, pero de Rocky me sé casi todo. Hace poco, en Sly, el documental de Netflix, sale algo que no se sabía: que él se enoja con él mismo porque cuando le preguntan qué es Rocky dice de todo, todas las palabras, pero nunca dice que es una historia de amor. Lo primero que me pasó a mí cuando la llamé a Dai Fernández para que sea la protagonista, le dije que quería que lo fuera porque es una historia de amor. No le dije que era una historia de boxeo”. Y suma: “No me hago el canchero, no es que desde siempre lo entendí así, como una historia de amor. Lo primero que me llamó la atención fue la resiliencia, el boxeo, la pelea, pero de más grande empecé a entender que yo podría enamorarme de una mujer como Adrianne, que me gustaría enamorarme de una mujer como Adrianne. Me gustaría tener un amigo como Rocky, esos luchadores que andan intentando ser visibles y que, con suerte, lo logran”. Con la misma pasión, se suma Dai Fernández: “Le da todo el sentido cómo se descubren cuando alguien te mira de otra manera. Cómo florecen los dos. No solamente Adrianne, que hace su transformación. Rocky también: que alguien confíe en vos, que alguien sea un pilar. Eso le da sentido a esta historia de amor, que está lejos del estereotipo, es un amor más tímido”. —¿Qué descubrieron que quizás no sospechaban que estaba ahí de los personajes cuando se pusieron los guantes y el tapado, cuando se convirtieron en ellos?DAI FERNÁNDEZ: Creo que me di cuenta que tengo más cosas en común con Adrian de lo que creía. Me enamoré más todavía del personaje. De la personalidad de ella. Lo que es ella como mujer y no pensé que tenía tantas cosas en común, más allá del parecido físico que buscamos. Me empecé a sentir más identificada con lo de adentro, que además tienen una fuerza gigante y una manera de amar muy hermosa, que me gustaría tener en mi vida. NICO VÁZQUEZ: Lo mío viene de adentro para afuera, primero porque no me parezco físicamente a Stallone. Stallone hay uno solo, esto es un homenaje a él. Alguno te dice “Pero no se parece…”. ¿Qué querés? ¿Qué me opere la cara? Pero tenía muy en claro que el espíritu lo tengo, conozco mucho al personaje, para mí es una religión. Le tenía más miedo al parecerme físicamente. Me veo desde afuera, no por parecerme en los rasgos sino por sentirme más cercano a Rocky. Todos hicimos un trabajo interno, que nos sirvió mucho. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —La visita a Filadelfia es algo que siempre dicen que fue clave ¿en qué sentido? D.F: Fue esencial. Estar en esas calles, estar vestidos como los personajes. Hay algo de la esencia del origen que pudimos vibrar ahí. N.V: Era filmar algo, terminar y abrazarnos los cuatro del equipo que estábamos allá. Y llorar. Hay imágenes inéditas que solo vas a ver en el teatro, cuando voy corriendo por el teatro italiano y me tiran la naranja. La que le pidió a un señor mexicano que le tire la naranja era ella. Ella produciendo. Hay una comunión de equipo que hace que esto se sienta un éxito, más allá de lo que pase por la gente. —¿Qué hay en “Rocky” para ustedes, considerando que sus instintos primarios de cine están tatuados en el imaginario popular? N.V: Verlo de pie a Rocky. Rocky somos todos. Al que alguna vez le pasó algo, y no existe en el mundo alguien que no haya tenido un problema y sentiste que te derribaba la vida. Caerse, levantarse. Te puede pegar, te puede pegar de costado. Incluso podés escuchar la música. La música es épica, te ayuda a correr, a sacarte de la cama, a correr. Hay gente que dice que no vio la película pero conoce la canción. N.V: Rocky no es un héroe perfecto. Él no gana, no necesita ganar para ser lo que es. D.F: La gente se identifica porque no son perfectos ellos. No son hegemónicos, tienen problemas de plata, tienen poco y nada. Con eso construyen un mundo. Eso es algo muy valioso. —¿Cómo funcionaba el equilibrio entre la idiosincrasia argentina y Rocky? N.V: Todo lo contrario a lo que me pasa con todas las obras que vengo haciendo. Por ejemplo, Tootsie, si yo hacía que Dorita Sánchez quería trabajar en la calle Broadway antes que en la calle Corrientes, la mitad del chiste no lo hubieran entendido. Pasaba en Argentina. Lo mismo con El otro lado de la cama que era española y Una semana nada más que era francesa. En este caso no, hacemos un clásico, hablamos de Filadelfia, vamos al clásico. Nada que tenga que ver con la idiosincrasia argentina. D.F: Creo que no necesita la historia lo argentino. No repara la diferencia en cambiar el lugar y el idioma. N.V: Lo más fuerte que tiene: lo que sí me da orgullo es que es la primera vez que se hace esta versión, lo más parecida a la película, aprobada por Sylvester Stallone y MTI. Eso me infla el pecho, nadie la hizo así. La hicieron musical, pero nunca la hicieron así: lejos del musical y cerca de la película. —¿Qué dice sobre ustedes el hecho de contar, de contar así de grande, en este momento de la cultura argentina? N.V: Me bajan las señales de que estamos haciendo algo grande. Yo cada vez que pienso en algo para contar pienso en la experiencia, pienso en el público. Yo venía de Tootsie, algo muy grande. Quedó chico al lado de esto. Tootsie es un kiosko y esto es un shopping en comparación. Es muy grande esto. Cuando me lo propuse no pienso en el contexto, pienso en lo que necesito que suceda arriba del escenario y abajo del escenario. ¿Qué quiero que suceda? Que se lleven la mejor experiencia, que lo vivan como nosotros lo vivimos y se lleven eso a sus casas. Eso le gana a cualquier contexto. Los contextos son más o menos iguales para los artistas, vamos y venimos, y tratamos siempre de estar en forma y laburando para darle al público. Cuando podés lograr eso, que ya nos viene pasando hasta con el trailer que se puede ver. D.F: Es un privilegio poder hacer una producción así. Gustavo Yankelevich al mando de esto, junto con Nico, con Preludio. Son unos valientes… arriesgar así implica la seguridad que tienen en lo que vamos a hacer. Ojalá podamos sentar un precedente, que se vea que se puede poner todo, que se puede seguir creciendo. N.V: Sube la vara realmente. En un teatro grande pero chico. Hicimos un quilombo con Mariano Demaría. En una pasada por ejemplo un técnico trajo a su nene de 8. Y sin saber que Rocky, el nene quería que gane Rocky. Se hace un show familiar, que no estaba buscado. Este héroe, antihéroe, todos quieren que gane. Todavía no puedo creer lo que se dio, y estoy muy agradecido, medio soñando despierto. Lloramos todo el tiempo, lo vivimos muy a flor de piel.

En un país donde la cultura parece haberse vuelto un lujo prescindible, Tomás Lipgot, cineasta de trayectoria reconocida, enfrenta una crisis inédita: se queda sin trabajo.Entonces, se reinventa como conductor de una aplicación de viajes. Sin embargo, lo que podría haber sido una pausa forzosa en su carrera deviene otra película: Lipgot convierte su auto en un set de rodaje, con cámaras y micrófonos ocultos, transformando cada trayecto en una escena y cada pasajero en un potencial personaje. Lipgot: “Yo venía resistiéndome a hacer ese trabajo como conductor, me costaba asumirlo. Al quedarme sin trabajo me di cuenta de que no sé hacer muchas cosas más que documentales, y tampoco me imaginaba teniendo un jefe o metido en una oficina. Entonces, pensar que podía transformar esa experiencia en una película le dio un sentido distinto a todo, y eso me permitió abordarlo con otra actitud”. —¿En qué momento sentiste que ese trabajo forzado por la necesidad podía convertirse en una película, y cómo fue el proceso de decidir filmarlo? —Fue muy puntual: un amigo me sugirió filmar un documental. Yo no quería asumir ese trabajo como conductor, pero me di cuenta de que no sé hacer muchas otras cosas. Pensar que podía transformarlo en una película me permitió abordarlo con otra actitud. Me atrajo la idea de dejarse llevar por los estímulos del entorno, sin rumbo fijo. Coincidía con mi estado emocional, en plena deriva personal. Usar esa lógica como estructura narrativa me ayudó a soltar el control y descubrir cosas que de otra forma no habría visto. Quise mostrar una Buenos Aires que no está en las postales. Los lugares surgen del azar y del vagar. Eso permite ver tensiones sociales y momentos de belleza inesperada, lejos de la lógica capitalista de la ciudad planificada. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —Pasaste de dirigir detrás de cámara a estar expuesto como protagonista. ¿Cómo fue esa transición? —No es la primera vez que lo hago. Ya en Moacir y yo me mostré bastante. Lo íntimo no tiene supremacía sobre lo narrativo: aparezco porque la historia lo necesita. —La película habla de la precarización de la cultura y de la resistencia íntima. ¿Qué rol tiene hoy el cine frente a este contexto político? —Hoy el cine tiene poco lugar. No hay pantallas, ni políticas públicas de apoyo. En mi caso, filmar es más una necesidad vital que una estrategia. Pero para que el cine tenga presencia social necesita ser un hecho colectivo, con circulación y pantallas. Estamos recalculando. No usé cámaras ocultas, estaban a la vista aunque casi nadie las notó. Todos firmaron consentimiento. La deriva coincidió con mi propio estado de desorientación. Fue un rodaje más intuitivo que racional. Me dio libertad y resigné calidad técnica, pero eso no lo viví como pérdida. Extrañé, eso sí, la aventura colectiva de rodar en equipo. —La aparición de Yacki Lazzari y el Cementerio de la Chacarita le dan otra dimensión a la película. ¿Cómo surgió ese encuentro? —Fue una de las grandes sorpresas. Su forma de estar en el mundo trajo poesía y juego al relato. Ella habita el cementerio como un espacio sagrado. Eso me enseñó a resignificar un lugar que para mí solo significaba muerte. —Momentos con tu hija y Félix Croquetas aportan una luz afectiva. ¿Cómo influyó eso en el equilibrio de la película? —Fue esencial. Yo tiendo al fatalismo y Sofi con su gatito me equilibran. Esos momentos surgieron espontáneamente y decidí incluirlos porque aportan ternura y belleza en medio del derrumbe. La resistencia del andar J.M.D. Tomás Lipgot retrata en su película el pulso de una ciudad que se transforma a través de la deriva. Con Buenos Aires como escenario y también como personaje, la cámara recorre lugares inesperados: callejones, veredas y rincones sin glamour que, sin embargo, destilan vida. “Los lugares que aparecen no estaban en el guión”, dice Lipgot. “Surgieron de la experiencia misma, del azar, de lo que se fue dando”. En este nuevo proyecto, Tomás Lipgot descubre que el documental puede ser una herramienta para resistir en tiempos difíciles. Mientras maneja por Buenos Aires, la ciudad se convierte en un escenario cambiante que lo enfrenta a distintas realidades sociales.“Nunca imaginé que mi auto podía ser un espacio cinematográfico”, reflexiona. Esa sorpresa se transforma en motor narrativo: la cámara se adapta al entorno, y cada pasajero aporta algo distinto, desde anécdotas hasta silencios reveladores. Lipgot cuenta que la deriva no es solo un método estético sino una forma de vida en un país en crisis: “En cada viaje, la ruta no estaba planificada. Yo me subía y dejaba que el azar guiara el recorrido”. Esa entrega al imprevisto le permitió abrirse a experiencias nuevas y, a la vez, confrontar sus propias incertidumbres. “El documental me ayudó a no sentirme completamente a la deriva”, confiesa. Así, el viaje se vuelve también un refugio: una manera de darle sentido a lo que parecía no tenerlo.

Los inicios del teatro en la Argentina estuvieron muy unidos a la teatralidad española, ya que formábamos parte del Virreynato del Río de la Plata, pero a partir de esos movimientos independentistas aparece un teatro militante. Fueron ejemplos las obras de Luis Ambrosio Morante como El 25 de Mayo o El himno de la libertad, a los que se sumarán espectáculos anónimos que festejan los triunfos sobre el ejército realista como El detall de la acción de Maipú. En la actual cartelera teatral porteña también hay varios ejemplos de cómo aparece la historia nacional. Con entradas agotadas sigue el espectáculo Civilización de Mariano Saba, con dirección de Lorena Vega, más un elenco integrado por Julieta Brito, Pablo Fusco, Andrea Nussembaum, María Inés Sancerni y Mariano Sayavedra. Ahora están en Dumont 4040, los sábados a las 20. La acción transcurre en 1792, la excusa es el incendio del primer teatro estatal: La Ranchería. Es su dramaturgo, Mariano Saba, quien explica: “Creo que lo teatral se ancla en lo histórico como referencia mítica. La historia, como entramado de mitos compartidos, nos permite dentro del teatro configurar un relato en común. Por eso me resultaban estimulantes las hipótesis sobre el incendio de La Ranchería en Civilización, como también los cierres de fábricas en los 90 dentro de Madrijo o los avatares históricos del dólar en Arbolitos. Más o menos cercana, la historia siempre me parece una cantera para la iconofagia: la posibilidad de metabolizar los signos de nuestro pasado y devolverlos a la escena una vez transformados, potenciados, encarnados”. LAS CONSECUENCIAS. También focalizándose en nuestra historia pasada, el autor y director Alfredo Allende creó Damas bravas. Ubica la acción en la Nochebuena de 1816, en Mendoza y sus protagonistas son estas mujeres que despliegan humor y creatividad escénica, encarnando las distintas clases sociales. Son la compañía “Síndrome De Eureka” integrada por Mirna Cabrera, Julia Nardozza, Flor Orce, Florencia Patiño y Florencia Pineda. Están los domingos a las 20 en La Carpintería (Jean Jaures 858). Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Otro espectáculo que se relaciona con las consecuencias de la revolución de mayo es el unipersonal que tiene como protagonista a Dayana Bermúdez Cortes interpretando: El grito sagrado, la historia de María Remedios del Valle. Personaje real (1776-1847) que luchó en varias batallas. Con texto de Marcela Peidro y puesta en escena de Lorena Romanin se conoce la lucha de esta mujer afrodescendiente. Además de una notable estética y actuación hay que subrayar la música en vivo a cargo de Pina González y Lucas Sanjurjo. Se puede ver solo los miércoles a las 20.30 en Itaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027). Esos años posindependencia dieron motivo para que Eugenio Soto presente los domingos a las 17 en el Centro Cultural Thames (Thames 1426) su Díptico Teatral Patriótico, integrado por Madre Patria y El desierto de los Bárbaros, con Bianca Vilouta Rando, Pedro Alonso, Luciano Medina y Javier Omezzoli. Con sarcasmo Soto busca recrear los mitos argentinos donde se cuelan también algunos tangos. Hay lugar para personajes reales, pero con otro tipo de fama. Es el caso del espectáculo Juan Vairoleto, última creación hasta ahora inédita de Juan Carlos Gené. Son Carlos Di Pasquo y Fernando Martín sus directores. La obra refleja la vida de Juan Bautista Vairoleto (1894-1941) a quien se lo conoció como “el padrecito de los pobres” o el “Robin Hood, de las pampas”. Están sólo los domingos a las 19.30 en Patio de Actores (Lerma 568) y es Juan Manuel Correa quien encabeza el elenco. Acercándonos en el tiempo, Manuel González Gil teatralizó un encuentro televisivo ocurrido el 13 de febrero de 1973 entre José Ignacio Rucci y Agustín Tosco. Dos sindicalistas emblemáticos y con posturas antagónicas. González Gil asumió la dramaturgia y la dirección que se puede ver de miércoles a domingos en el Multitabarís (Corrientes 831). Hoy reviven sobre el escenario este momento: Pepe Monje, Gabriel Rovito, Joselo Bella, Miguel Core, Sebastián Dartayete y Enrique Dumont. Es Monje quien encarna a José Ignacio Rucci quizás más presente en la memoria colectiva y el actor reflexiona cuando dice: “El riesgo es el mismo de encarar cualquier otro personaje, pero con respecto a los que están en el inconsciente del colectivo de la gente igual que el padre de Maradona o José Ignacio en mi caso, hay flashes, fotografías e instantes con José Ignacio Rucci, obviamente la imagen del paraguas y ese bigote, su delgadez y su campera. Fui ahí, adelgacé, me dejé el bigote para que sea un impacto visual en primera instancia, como ese abracadabra. Y después el espectador tiene que poner el resto”. A su lado, Gabriel Rovito asume el papel de Tosco: “Hay un riesgo que es bueno, uno tiene que buscar el parecido, pero sin que eso se torne ficticio, sin que eso sea un estereotipo. Creo que el trabajo viene después en encontrar algún detalle, un modismo al hablar o un gesto, una forma de fumar o de caminar es penetrar el sentido y encontrar lo que sería el alma del personaje”. También se focalizaron en la década de los setenta dos espectáculos que reflejan de distinta manera, pero ambas sumamente poéticas y creativas el dolor de la dictadura en sus víctimas. El hallazgo es que ambos unipersonales están creados desde la investigación sobre dos personas reales que vivieron en carne propia las torturas. Primero se estrenó Seré con el testimonio de Guillermo Fernández quien escapó de la nefasta Mansión Seré y en 1985 declaró en el Juicio a las Juntas. Los directores Sofía Brito y Lautaro Delgado Tymruk encontraron el tono justo para que se pueda reflexionar a través de la excelente interpretación del mismo Delgado Tymruk. Está los sábados a las 17 en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636) LO RECIENTE. La historia de otra persona que fue víctima de torturas fue rescatada por Teresa Donato en su libro Desaparecida dos veces que dio origen al espectáculo Mi vida anterior, que junto al director e intérprete Dennis Smith firman la dramaturgia. Se ve en Dumont 4040 los domingos a las 18 y los miércoles a las 20. Es Donato quien reflexiona sobre la actitud del público: “Desde la primera función de Mi vida anterior sentimos que la obra nos trasciende. Ver la sala llena es una emoción enorme porque el público que viene sabe de qué se trata lo que van a ver y nos hace sentir acompañados. Un “no estamos solos”. El aplauso de pie, el abrazo que recibimos a la salida y los ojos mojados son la nafta que hace funcionar nuestro motor. Mucha gente nos cuenta su historia, la de sus padres, la de su familia. El teatro es un gesto colectivo que se completa con quien te viene a ver. Entre público y artistas se produce la magia y cuando sucede es un premio. El público escribe en Alternativa teatral que se fueron charlando sobre la obra, que se la llevaron al bar. No podemos pedir más: si nuestro trabajo contribuye a que se tenga otra mirada sobre los desaparecidos sobrevivientes podemos sentirnos satisfechos. Una mirada pendiente a la que le pusimos el cuerpo y el corazón”. Con personajes reales y ficcionales los períodos históricos argentinos suben a los escenarios. Sus creadores buscan levantar un espejo para que los espectadores puedan ver a través de los errores pasados una sutil propuesta para evitarlos, muchos eligen el humor, pero todos tienen como signo una estética sumamente cuidada que se transforma en una poética teatral notable.

Empecé a estudiar dramaturgia casi por error. Tenía 15 años y quería inscribirme en un taller de cine y, como no había más lugares, me anoté en un taller de dramaturgia que se brindaba en el mismo lugar. Pensaba que ahí podría encontrar algunas herramientas para escribir lo que realmente importaba: guiones de cine. Yo, que actuaba desde muy chico, pensaba –arrogancia adolescente mediante– que ya conocía todo lo que el teatro me podía ofrecer y que las cosas “de verdad” sucedían en el cine. En aquella época, era un cinéfilo voraz e inexperto y estaba muy comprometido con la gran empresa de ser guionista: había hecho algunos seminarios breves de guin, en los que tomaba nota atenta con mi cursiva ilegible: primer punto de giro, la construcción del personaje, objetivos, super-objetivos, segundo punto de giro, flahbacks, flashfowards, cliffhanger, biblia, premisa, pitch, sinopsis: palabrerío con el que llenaba mis libretas. Y con eso, intentaba escribir unos cortometrajes defectuosos y solemnes, con finales que pretendían ser sorpresivos. En aquel taller de dramaturgia, en el que apenas éramos tres inscriptos, descubrí que escribir podía ser gozoso y, sobre todo, misterioso: así como lo era actuar. Entendí que podía escribir algo que no tenía por qué parecerse a algo que ya existía; entendí que las obras eran, desde su concepción, un objeto literario; entendí que escribir también era encontrarse con autores diversos y fascinarse con ellos, que leer y escribir eran, en un punto, una misma práctica. Y, en medio, un descubrimiento: de la misma forma que había cosas que solo el cine podía hacer –por el montaje, el encuadre, etc.–, había cosas que solo el teatro podía representar: formas de narrar que solo son posibles en sus convenciones, en su ritual. Una obra de teatro podía ser inclasificable, estructuralmente compleja, desfachatada y a la vez sublime, permitiendo variedad de lenguajes y distintos registros de actuación. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. PLOT es una obra teatral que tal vez tiene origen en ese equívoco; en ese devenir dramaturgo accidental, que empieza a preguntarse por las diferencias entre los modos de representación del teatro y los del cine. En Hollywood, las ideas y los argumentos se compran y se venden, los plots son moneda de cambio. PLOT –una obra que, valga la redundancia, concentra el núcleo de sus procedimientos en la trama– fue una pieza que no hubiera podido concebir jamás pensando o ideando su argumento; su origen es misterioso y responde a una serie de intuiciones y obsesiones personales: pistas que –creo– me fui dejando a mí mismo en aquellas primeras páginas que escribí de adolescente y tuve que ir recogiendo con el paso de los años. Sin saberlo en el momento de su escritura, intentaba imaginar una obra de teatro construida con los artilugios narrativos del cine: tomando su verosímil, su trabajo sobre el género, el uso abusivo de los plot twist; imaginaba cómo sería asistir al teatro a ver cómo se construye una “buena actuación” en el cine: por montaje, por corte. El cine es pura ilusión: el registro audiovisual en sí es una ilusión de movimiento dada por una sucesión de veinticuatro imágenes en un segundo. Ese truco, casi superficial, es el artefacto con el que se construyen nuestras ilusiones: nuestras fantasías, nuestras pesadillas, nuestros recuerdos, son resultado de las ficciones que nos han marcado. El teatro, con la aparición estelar del cine como arte, entró en crisis: ante ese espacio simbólico proyectado sobre una pantalla que parece ser más real que la vida misma, ¿puede el teatro construir una ilusión? Esta incógnita, más de un siglo después, sigue sin saldarse. PLOT intenta leer al cine desde el teatro, desplegando una trama para pensar sus similitudes y sus diferencias. Busca poner a la luz del teatro los mecanismos que tiene el cine para construir la ilusión, para así deconstruir aquellas ilusiones que rigen nuestras vidas. *Dramaturgo y director de PLOT.