ENTRETENIMIENTO

OLGA es un canal de streaming, seguro. Pero es mucho más que eso: el medio que cambió para siempre el entretenimiento argentino. Lo que allí pasa, lo que se dice, lo que bromea es viral, es materia de chimento; es también un espacio que permitió que los famosos, sea quién sea, entiendan la entrevista de otra forma (como hacen los Late Night en Estados Unidos). OLGA tomó el signo de los tiempos y sabe surfear (o barrenarlo, dirán los contreras). Lo cierto es que en un mundo con una TV agonizante, OLGA es el mascarón de proa que sigue una herencia: medios que hacen lo que quieren y que al salirse de la agenda, encuentran un público y están tremendamente presentes en ella. No por nada el reciente anuncio de su nueva programación es un evento récord en visionados y demuestra la apuesta a un universo de conductores jóvenes, en un mundo donde un canal de streaming o uno de TV son iguales de cruciales. La nueva programación marca una tendencia a la novedad, a equipos nuevos y clásicos: de lunes a viernes, distintos programas se transmiten en horarios específicos: Paraíso fiscal (6-8), con Fernando Dente, Luciana Geuna, Martín Reich y Tania Wed; Sería increíble (8-10), con Nati Jota, Damián Betular, Homero Pettinato y Eial Moldavsky; Soñé que volaba (10-12), con Migue Granados, Lucas Fridman, Evitta Luna, Benjamín Amadeo y Marti Benza; El fin del mundo (12-14), con Lizy Tagliani, Toto Kirzner y Cami Jara; Tapados de laburo (14-16), con Nachito Elizalde, Paula Chaves, Luli González, Evelyn Botto y Mortedor. Además, los lunes y miércoles de 16 a 18 se emite TDT con Marti Benza, Giani Odoguardi, Nico Ferrero y Cami Jara, y los jueves de 16 a 18, Mi primo es así con Martín Rechimuzzi, Toto Kirzner, Evelyn Botto y Noe Custodio. El martes de 18 a 20 se transmite Gol gana con Gastón Edul, el “Pollo” Álvarez, Pedro Alfonso, Coker y Ariel Senosiain. El conocido Lucas Fridman, su productor artístico, sostiene a la hora de OLGA: “Creo que simplemente representa una expresión generacional. Lo veo como un recorrido de muchos, que más o menos algunos tenemos la misma edad. En general, en OLGA desembocan un montón de proyectos más personales de cada uno de nuestros integrantes, que no encontraron lugar en los medios tradicionales en algunos casos. Toda la génesis de Soñé que volaba, o lo que venimos haciendo con Migue desde Últimos cartuchos, en realidad, fue como un locura alternativa que fue encontrando lugar en una radio como Blue, que buscaba contenidos jóvenes, después en una radio como Vórterix y después en OLGA. Pero el recorrido si lo mirás, es un cuentito que empieza con pibes queriendo divertirse y hacer algo distinto a lo que hay en los medios tradicionales. De hecho, la salida de Últimos cartuchos de una radio como Blue fue muy traumática, fue un medio de esos tradicionales donde cambió el contenido editorial y apostaron a la música. Había entonces contenidos jóvenes y pujantes que no encontraban un lugar y desembocan en canales de streaming que apuestan a eso, o se forman en eso”. Y suma: “Imaginemos una línea en el tiempo que empieza con la Rock & Pop de los años 90, disruptiva, que pasó a ser Metro y que después pasó a ser Blue. Después todo eso decanta en el streaming. Esa es mi visión”. La misma Nati Jota, de Sería increíble, se suma: “Yo arranqué en Twitter, empecé a trabajar en TV y siento el cambio desde adentro. Participé en ambos mundos y me gustan. Tampoco creo que hoy la tele ya no esté. Creo que sigue, que van tomando una de la otra diferentes herramientas. Acá en OLGA, por ejemplo, está pasando mucho esto de subir el nivel de las cámaras, pensar en cómo se ven las cosas. Me parece que está buenísimo ir sacando lo mejor de lo que ya existía. La televisión tiene tiempos mucho más limitados, al menos eso aprendí en mi experiencia. A mí me dio la posibilidad de mostrarme realmente, de mostrar mi manera de pensar. Ahí hay algo de la radio en el streaming”. Y Martín Rechimuzzi concluye: “Creo que hay una cristalización de lo que viene pasando en materia de streaming, que se tiende más a los consumos digitales y, en ese sentido, me parece que el streaming recupera algo de la radio, algo de la tele, y de alguna manera lo traduce en el lenguaje digital. Pienso que si bien es algo muy novedoso, también recupera esas tradiciones”. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. LA NOVEDAD. Rechimuzzi define la programación del 2025: “Si te referís a los cambios del año pasado a ahora, siento que hay una profundización de ese modelo, y que lo que hay es mucha más atención puesta en lo que pasa en ese territorio y que, por supuesto, tiene algunas ventajas y algunas desventajas como modelo. Hay muchas diferencias con la realidad televisiva, básicamente por el rebote que tiene el chat. Uno va construyendo la palabra y va viendo cómo eso repercute, qué pasa en otros medios. En mi caso, eso lo vivo como una ventaja, me permite construir esto de modo que sea un diálogo. Por supuesto, hay que tener mucha más agudeza para no caer en los hateos o en algunas posiciones que no se condicen con lo que uno está haciendo”. Lo cierto es que esos cambios tienen que ver también con celebridades, más allá de quiénes van a conducir, que se animan en OLGA a lo que no hacen ni dicen en prensa. Fridman reflexiona al respecto: “Siento que hay un montón de cosas que están dadas, siempre, que ayudan a las siguientes generaciones a hacer, digamos. Es lo que te digo. Una de las cosas que fueron muy potentes de OLGA al principio fue la producción de eventos, por fuera de lo que son los programas. Eso es algo que muchas radios hacían. Yo me acuerdo de Rock & Pop haciendo festivales, transmitiendo conciertos y generando ese tipo de contenido. Que quizás en un momento se perdió, que nosotros lo recuperamos y avanzamos, contenidos que tienen que ver con lo cultural, quizás lo musical o de otra índole. Yo siento muchas cosas que hacemos como herederadas. Arriesgar un poco más, de producir con un poco más de vértigo. En un momento se quedó todo en formatos más establecidos, y ahí aparece el ‘Si hacemos esto, ¿y si sale bien’. Y la gente estaba ansiosa de esos contenidos, por suerte”. HATERS VAN A ODIAR. El “hateo” es simplemente el odio en redes, genérico y particular, público y sin rostros. Y es algo que abunda en el universo, seguro, y en el universo del streaming particularmante. Bien marca Rechimuzzi: “En realidad, hay algo medio nuevo que es el carácter exponencial que tiene el hateo. No es diferente a otra época: te miraban en la TV y te puteaban. Ahora lo que pasa es que se visibiliza ese odio. Se vuelve súper volátil, pero también se esfuma. Los hateos no son todos los mismos. Yo no estoy a favor de la cultura de la cancelación como tal, porque siento que advierte muchas limitaciones a pensar que algo que nos genera rechazo tiene que ser cancelado o invisibilizado. Cuando se da una posición crítica del público, a veces tienen razón, aunque el lenguaje sea cruento. Es un faro sobre ‘Che, esto está sonando mal’ o ‘Esto está rebotando mal’”. Agrega Nati Jota: “Lo coloquial y lo personal: uno acá es uno. Es difícil separar tu voz del trabajo, porque esto es un trabajo, de tu voz, de tu querer ser cercano y ser uno más. A veces te pasás al otro lado y a mucha gente no le gusta. Está bueno reconocerlo. Se te define por algo, y una es muchas cosas. Pasa mucho con esto: es muy raro que la crítica pase por ‘Che, no me gustó esto que hiciste’. En general, es ‘sos esto’. Que no te guste es lógico, pero que se convierta en una definición de tu persona... Esa dinámica de las redes sucede mucho y es bastante injusta”.

Cumple diez años el Festival Vicente López en Escena y en este 2025 se inició el 14 de marzo y se extenderá hasta el 30 siempre con entrada libre y gratuita. Hay que subrayar que es un programa creado, producido y dirigido por la Secretaría de Cultura de Vicente López, bajo la dirección artística de Silvia Gómez Giusto. Coreógrafa, bailarina y hoy gestora cultural es quien desde hace una década viene imaginando temas y convocatorias para que siempre sea diferente. —¿Por qué decidiste gestar este festival? —Tuve una obra, El origen, siete vidas, que protagonizaba Vanesa Weinberg y transcurría en un club de barrio. Hicimos un recorrido en distintas salas y después quise experimentar en otros lugares. Casi como una curiosidad me acerqué a un espacio de gestión pública, no fui solo con la idea de hacer mi obra, sino que dije: “quisiera probar esto con mi espectáculo, pero quizás podemos invitar a otros artistas que también adapten sus materiales”. Así se fueron sumando propuestas y nació la idea de armar un festival. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Tienen subsidio de la comunidad de Vicente López? —El festival se produce netamente desde el municipio. La idea la acerqué a la Secretaría de Cultura de Vicente López y desde el primer día ellos me acompañaron, lo vienen produciendo y subvencionando el 100% desde lo que es la gestión pública. —¿Siempre fue gratis? ¿Cómo eligen los espectáculos? —Siempre fue gratuito. Tenemos distintas instancias. Hay una convocatoria abierta, donde tratamos que se acerquen espectáculos ya estrenados o por estrenarse que tengan interés en indagar en otros espacios, en los no convencionales o realizar su obra a partir de ámbitos que nosotros proponemos directamente en distintos barrios que integran el municipio. Pero todos los años tenemos algunos artistas invitados. —¿Fue creciendo la asistencia de público en estos diez años? —Por suerte tenemos un público que ya es fiel y viene todos los años y no es solo del municipio, sino que llegan desde los alrededores y de CABA también. Las locaciones siempre están llenas, algunas tienen capacidad para cincuenta espectadores, hicimos una obra en un taller mecánico. También se hicieron intervenciones en espacios públicos, como plazas o en estaciones de tren que quizás ahí llegamos a albergar a cien o doscientas personas. —¿Vicente López tiene teatros grandes? —Sí, están el Centro Cultural Munro, con un auditorio muy renovado, y el Teatro Cine York; son los dos puntos principales, con una programación durante todo el año. En esta edición los estamos incorporando porque también hay un público que es muy frecuente a ellos y nos importa involucrarlos en el festival, para que también expandan la posibilidad de ir a ver teatro en otro formato. Proponemos tener otra vivencia con las artes escénicas fuera de la caja. —¿Cuál será el sello de esta edición? —Tuvimos una edición biodramática, con una invitada especial: Vivi Tellas, quien armó una obra con vecinos del municipio. Tuvimos otra con artistas emergentes, de generaciones nuevas. Este año todas los espectáculos están atravesados por la temática que tiene que ver con oficios, saberes y tradiciones, que no debemos perder como sociedad. Siento lo que está pasando con la tecnología que cada vez nos invade y nos aleja de todo lo artesanal y de lo analógico. Y el otro eje fue la memoria y diversidad. Sentimos que son temas que en este momento están queriendo ser corridos del tapete y nosotros queremos seguir poniendo luz a través del arte, que es la mejor manera de atravesarlos a todos. Los títulos de la programación A.S. Se anticipa que habrá varias propuestas al aire libre, pero subraya Silvia Gómez Giusto: “Tenemos previsto poder extender el festival a tres fines de semana. Con la experiencia de otras veces que debimos suspender por el mal tiempo, ahora lo pudimos prever.” Lorena Vega y Gonzalo Javier Zapico, presentarán el largometraje documental Imprenteros, basado en lo que fue primero obra de teatro, siempre manteniendo la historia familiar y a sus verdaderos protagonistas. Cynthia Edul dictará la conferencia performática titulada El punto de costura, donde relata un oficio, a partir de su familia de inmigrantes sirios. También se podrá ver la instalación performática No Manei, de Nora Lezano, junto a Jimena del Pozo y Gonzalo Córdoba Estévez. En una cacha de básquet estará Un tiro cada uno, de Consuelo Iturraspe y Laura Sbdar. El performer, bailarín, director y productor Jorge Thefs presentará su teatro documental titulado Cantata para una rumia mental. Representando el área de “nueva escena” se eligió al grupo BESA, con Breve ensayo sobre la amistad. Habrá también un workshops de literatura, actuación y site specific, coordinado por Analía Couceyro y Ariel Farace. Las entradas son gratuitas, se entregan hasta dos por persona, una hora antes en el lugar de la función y hasta agotar la capacidad. “Este festival nos trae público muy nuevo, gente que se acerca y accede a una experiencia única, cuando a lo mejor nunca en su vida había visto teatro”, finaliza Gómez Giusto.

Hoy Belisario es un espacio de resistencia y sudor, donde seguimos intentando generar lenguaje más allá de las modas establecidas, de los vaivenes de la cultura. Realmente tampoco sé cuánto tiempo más seguirá estando de pie el teatro Belisario”: con esta fuerza, y también algo de incertidumbre, el creador y responsable de esta sala ubicada en Av. Corrientes 1624 describe la realidad de este proyecto. Allí, se desarrollan muchas clases y seminarios, y también, obras de teatro, varias, del propio Savignone. Una de ellas se reestrena en 2025: La negación de la negación. Una hermenéutica chejoviana (sábados de marzo a las 20 y sábados de abril a las 22.15). Se trata de una pieza en la que hay fragmentos y personajes de Antón Chéjov, a través de una reescritura de Savignone, quien también hace la dirección, la actuación –junto a un joven elenco– la coreografía y la iluminación. —En “La negación de la negación”, ¿qué se ve en escena? —La obra utiliza textos chejovianos, sin dejar de situarlos en un contexto propio. En mis puestas, aparece el cuerpo como eje y sostén de la escena. Quien asista a ver esta obra puede ser partícipe de una perspectiva chejoviana por fuera de los cánones establecidos de lo que se suele esperar de una obra de Chéjov. ¿Cómo se puede mover el interior de cada intérprete hasta poder verse sin alejarse de este autor? Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —Teniendo en cuenta esta obra y otras que has hecho, ¿por qué te atraen autores como Chéjov, Beckett, Shakespeare? ¿Tienen algo en común que los vuelve atractivos para vos? —Tengo una inclinación por estos autores. Una de las razones es que me inspira saberme parte de un entramado teatral. Hacemos teatro porque alguien lo ha hecho, y ojalá alguien lo haga porque nosotros, nosotras lo hemos hecho. Por ejemplo, Chéjov es un confeso admirador de Shakespeare, al punto tal que en La gaviota cita textos de Hamlet. En El rey Lear, de Shakespeare, finalmente queda el bufón del rey. Esta situación y la locura, las podemos ver en Final de partida, de Beckett, a través de sus personajes Hamm y Clov, inspirados en Lear y su bufón. También podemos pensar en los sepultureros en Hamlet como la antesala de Didi y Gogo de Esperando a Godot. —¿Cómo es la historia de Belisario? ¿Cómo se sostiene? —El espacio de Belisario era el antiguo Piccolo Teatro. Estaba siendo rematado y pude comprarlo en 2000 y lo inauguré en 2001. Belisario Roldán fue una inspiración en esos tiempos, en relación al nombre. La remodelación del espacio llevó a quitar alfombras y butacas; los pisos de madera me permitieron brindar mis clases. Dar clases de teatro para mí es un sostén económico, de pertenencia, de investigación teatral, de construir comunidad. En Belisario, muchas personas se hicieron partícipes de esta hermosa aventura del teatro alternativo, de la autogestión, de la creación como hecho colectivo y revelador de pensamiento. —En parte, tus obras dialogan con la “commedia dell’arte”. ¿De qué se trata y cómo se hace presente? —Gran parte de mi formación está enraizada en el teatro físico de la mano de Jacques Lecoq, quien incluye, como un “territorio de dramáticos principales”, a la commedia dell’arte. Esta convirtió el oficio en una profesión, por fuera de la Iglesia y las cortes. Para ello, los comediantes fueron sumamente eficaces en relación con las reglas del oficio teatral. Adquirir las reglas de este territorio es aprender las leyes básicas del teatro. Una de las nociones principales de la commedia dell’arte es la utilización de los arquetipos, un principio único que seguimos conteniendo. La batalla cultural A.M. ―Sos un activo lector y comunicador. Usás redes sociales y desde allí compartís imágenes y citas de muchos libros y te referís a “lo berreta” de la batalla cultural (que sostienen el discurso del Poder Ejecutivo y sus seguidores). ¿Qué estás proponiendo? ―Recurro a fuentes para encontrar un pensamiento por fuera del entusiasmo apocalíptico en el que estamos. Muchas de las cosas que estamos viviendo ya fueron planteadas por autores y autoras. La reflexión, la lectura es un ejercicio de posicionamiento a la transformación, al menos de mi entorno. Las redes son un lugar de trabajo político en el sentido amplio y griego. El ser humano es un animal político que se desarrolla en la polis, porque la polis está también dentro de cada persona. Los discursos de odio que intentan estigmatizar a sectores de la población homologan un pensamiento diferente con la enfermedad, buscan datos sin contemplar que muchos de esos datos están bajo sesgos e ideologías, intentan adueñarse de una única verdad sin ver que lo que plantean suena a viejos eslóganes. Estas nuevas derechas niegan el cambio climático, las perspectivas de género. Uno de los mentores de la batalla cultural criticó la agenda 2030, porque se planteaba la noción de humanidad, noción que consideraba muy abstracta. Hay días en que, en esta distopía, nos sentimos explicando lo obvio. Lo único nuevo de estas derechas es su sabor a naftalina. La batalla cultural que se está imponiendo es una batalla por reinstalar el sentido común del siglo XIX y principios del siglo XX, aggiornado con la inmediatez y la falta de ética de nuestros días.

La historia de los festivales de rock en Argentina parece ser un libro en proceso, una tradición que se remonta al Buenos Aires Rock, cuya primera edición fue en 1970. Para la edición de 1982, Héctor Olivera hizo una cobertura que derivó en película, estrenada en 1983. Por esos meses, la oscuridad y el terror de la dictadura, declinaba lentamente, aunque el gobierno militar todavía imponía su régimen de represión y tortura. La libertad que propone el rock como expresión y movimiento es un bálsamo desde que se importó al país y se transformó en una parte constitutiva del genoma musical argentino. Después de 21 años de aquella edición se celebró la primera edición del Quilmes Rock. Corría el año 2003 y la crisis económica, política y social todavía sobrevolaba los ánimos y las charlas. Iniciativa de la productora Pop Art, liderada por Roberto Costa y de la cervecería Quilmes, liderada por Martín Ticinese, la idea fue, desde un principio, poner en valor al rock nacional, en un contexto en el cual la posibilidad de que una banda de afuera se acercara a estas tierras se había vuelto improbable. El festival prosiguió y el sábado 5, domingo 6, sábado 12 y domingo 13 de abril celebrará una nueva edición, en Tecnópolis. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Fede Bareiro dirigió y Juan Parodi produjo Quieren Rock?, documental que el martes 11 tuvo su preestreno en los cines Hoyts del DOT y que se estrenó oficialmente en la TV Pública al día siguiente. Al cierre de esta edición no se confirmó cuándo se estrenará en plataformas. PERFIL habló con las dos mentes que congeniaron para realizar una película que logra mantenerse orgánica en su objetivo de resaltar una historia ligada a una marca, donde conviven un registro elocuente y otro desfachatado. Con rigor y responsabilidad, la dupla se permitió el humor, incluyendo cápsulas realizadas por Tiranos Temblad, la firma con la que Agustín Ferrando Trenchi le ofrece a YouTube sus poéticos resúmenes de la cotidianeidad uruguaya. —¿Cómo surgió el proyecto del documental? —JP: Matías (ndr: Loizaga, uno de los productores del Quilmes Rock) me contó que quería producirlo y justo en ese momento estaba lanzando mi productora. Me pareció la manera perfecta de arrancar, porque Quilmes Rock es parte de nuestra historia musical. —FB: De mi lado surgió un poco antes, participando de un podcast de historias en el Quilmes Rock, que armó Pop Art y que trabajé con Laura Costa y con Sofía Montecchia, un equipo muy lindo con el que nos contactamos con parte del material de archivo del festival, el material histórico. Entonces ahí yo tenía como un camino recorrido. Cuando Matías Loizaga me escribe, me dice que hay un proyecto para hacer un documental del Quilmes Rock, con una estructura obviamente más grande. Yo quizás ya contaba con ese know-how y les pareció que era la persona para dirigirlo. Ahí me pongo en contacto con Juan Parodi, que es el productor general, y con Gustavo Neistat, también productor, y empezamos a pensar las mil maneras de encarar una película con tanta información, tantas historias, archivo y material valioso. —Después de abordar al festival con tanta rigurosidad, ¿qué conclusiones sacaste de lo que representa el festival para la cultura rock? —FB: Fuera de todo mensaje institucional, el Quilmes Rock es historia viva. Soy público, he ido a casi todas las ediciones y también creo que el público argentino se transforma y saca la chapa que saca en el mundo por festivales como el Quilmes Rock. Y el documental le dedica también un espacio a lo importante que es esa pata más underground en un ecosistema de festivales. Obviamente hace hincapié en las historias de los grandes artistas, pero también hay un momento que relata Flavio Cianciarulo de los Fabulosos Cadillacs, Juanse, Ema Horvilleur y la periodista Ceci Elía sobre cómo ese conjunto de bandas underground también hace a la historia de los festivales. —Es un documental que logra una armonía entre testimonios y un archivo abundante. ¿Con qué desafíos te encontraste a la hora de pensar la historia desde los materiales disponibles y lo que tenían que salir a buscar? —FB: Desde el principio tuve una pregunta en la mesa: ¿qué hago?, ¿qué hacemos? Por ejemplo: ¿hacemos una recapitulación cronológica y eso es todo? Y, nos parecía que no. Entonces, para evitar eso, buscamos que el documental dialogue con la época. Y desde el guión, que trabajamos con el periodista Sebastián Chávez, entendimos que hubo un momento que quizás desde afuera, en la historia del Quilmes Rock, se puede entender como un pequeño desvío en la identidad rockera del festival. Entonces, encontrar ese momento de pequeño paso en falso era una manera también de contar una historia y de darle una respuesta después. —¿Y en cuanto al título? —FB: Creo que calza bien porque es la historia de cómo un festival que construyó una escena de rock tan potente termina rescatándolo trayendo a la banda más rockera del mundo. Los testimonios amalgaman un poco todo esto que te digo. La construcción de la época, la construcción de conflictos y obviamente muchas historias pequeñas que es algo que siempre trato de incluir en los proyectos que encaro. —JP: Además, el desafio fue darle unidad a todo. Teníamos una cantidad enorme de material, pero había que encontrar el hilo narrativo para que no fuera solo un collage de recuerdos, sino una historia con peso propio. —Manejaron una tónica emotiva y humorística, ¿por qué esos dos registros? —FB: Mi manera de trabajar va casi inevitablemente a esos dos pinceles. Dentro de las entrevistas hay mucho de ambas cosas, pero también obviamente contamos con Tiranos Temblad. —JP: Porque así es el rock. Es emoción, nostalgia y energía, pero también tiene mucho humor, sobre todo en las anécdotas de los músicos. No queríamos hacer algo solemne, sino fiel al espíritu del festival. —¿Alguna anécdota del rodaje? —FB: Bueno, hacerle una nota a Los Piojos y que den un testimonio después de que se hayan juntado, y que hasta ahora la única entrevista que hayan hecho sea para este proyecto fue toda una responsabilidad. Entonces, desde lo personal hay varias medallas, pero hay una para los colegas también que ya lo vieron y que siguen el trabajo que hago, que lo entendieron como un momento “Fede Bareiro”, o así me llegó y me puso contento, que es la participación del rollinga que protagonizó hace 20 años el video de “Yo no me quiero casar y usted” de Turf. Entonces, me alegra haber propuesto la posibilidad de que, si cruzamos al hombre, que se llama Emiliano, con la banda, tendríamos algo valioso. Y disfruté todo lo que implicó producir ese momento, buscarlo, encontrarlo, generar un encuentro y ser testigo de esa reunión 20 años después.

La cuarta y última temporada de The Righteous Gemstones marca el cierre de una de las comedias más audaces y provocadoras de la televisión reciente. Desde su estreno, la serie creada por Danny McBride ha navegado con maestría entre la irreverencia y la crítica social, explorando cómo el poder, la avaricia y la hipocresía pueden distorsionar la fe. Ahora, con el final a la vista, el elenco reflexiona sobre el impacto de la serie y lo que ha significado para sus carreras y para la audiencia. Danny McBride, creador y protagonista de la serie en el papel de Jesse Gemstone, ha sido el arquitecto de una narrativa que, lejos de ridiculizar la religión, se centra en aquellos que la manipulan para su beneficio. “Desde el principio, nuestra intención nunca fue burlarnos de la fe en sí misma”, afirma McBride. “Respetamos profundamente las creencias de las personas. Nuestra sátira apunta a quienes explotan esa fe para obtener poder y riqueza, mostrando la hipocresía y las contradicciones en esos personajes”. Cassidy Freeman, quien interpreta a Amber Gemstone, esposa de Jesse, comparte esta visión. “Amber es una mujer de fe, pero también es consciente de las fallas de su familia”, comenta Freeman. “La serie aborda la dualidad entre la devoción genuina y la corrupción que puede surgir cuando el poder se interpone. Es una reflexión sobre cómo las instituciones pueden desviarse de sus principios originales”. Edi Patterson, quien da vida a Judy Gemstone, destaca cómo la comedia ha sido fundamental para abordar temas sensibles. “La risa es una forma poderosa de cuestionar y reflexionar”, señala Patterson. “A través del humor, podemos exponer las absurdidades del poder y la avaricia sin sermonear al público. Es una manera de invitar a la audiencia a pensar críticamente mientras se divierte”. Tim Baltz, que interpreta a BJ, esposo de Judy, añade que en la actualidad es crucial satirizar a quienes ostentan el poder. “Vivimos en una era donde la transparencia es exigida, y la comedia puede iluminar las sombras donde se esconden los abusos”, reflexiona Baltz. “Sin embargo, siempre nos aseguramos de que nuestra crítica sea específica de estos personajes y situaciones, evitando generalizaciones que puedan malinterpretarse”. Adam DeVine, conocido por su papel como Kelvin Gemstone, el hijo menor de la familia, ha experimentado una transformación tanto en su personaje como en su vida personal. “Kelvin comenzó como un joven ingenuo buscando su lugar en el mundo”, recuerda DeVine. “A lo largo de las temporadas, ha enfrentado desafíos que lo han hecho madurar. Para mí, interpretar ese recorrido ha sido revelador y me ha permitido explorar facetas de la actuación que no había tocado antes”. Tony Cavalero, quien encarna a Keefe Chambers, el leal amigo de Kelvin, destaca la importancia de la crítica al poder en la narrativa de la serie. “En tiempos donde la figura del líder religioso puede ser intocable, es vital cuestionar y analizar sus acciones”, opina Cavalero. “Nuestra serie no busca desacreditar la fe, sino señalar a aquellos que la utilizan como herramienta de dominación. Es una fábula moderna sobre los peligros del poder sin control”. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Para McBride, la creación de The Righteous Gemstones ha sido un viaje de autodescubrimiento. “Este proyecto me ha permitido explorar mis propias percepciones sobre la fe y el poder”, confiesa. “He aprendido que la comedia puede ser un vehículo para discusiones profundas y significativas. La risa rompe barreras y abre puertas a conversaciones que, de otro modo, serían incómodas o evitadas”. Al reflexionar sobre el final de la serie, McBride expresa su gratitud y satisfacción. “Cerrar este capítulo es agridulce, pero estoy orgulloso de lo que hemos logrado”, concluye. “Hemos contado una historia que, espero, resonará en la audiencia y perdurará en el tiempo como una crítica ingeniosa y reflexiva sobre el poder y la fe”. Patterson, quien interpretan a Judy Gemstone, destacan el papel de la comedia como herramienta de crítica social. “Si simplemente señalas los abusos del poder de manera directa, la gente se pone a la defensiva. Pero cuando los muestras con humor, permites que el público los vea desde otra perspectiva”. Tony Cavalero destaca que la serie es más que una simple comedia. “Hablamos del poder y sus peligros, pero lo hacemos con un enfoque humano. Estos personajes no son caricaturas; son personas atrapadas en sistemas que los deforman”, comenta Cavalero. En su opinión, la serie ha logrado equilibrar la parodia con una exploración realista de las estructuras de poder dentro de las megaiglesias”. EL FINAL. McBride, además de ser el creador de la serie, ha tenido un rol central como showrunner. Su liderazgo ha sido clave para mantener la coherencia narrativa y el tono de la serie. “Trabajar con Danny es inspirador”, dice Freeman. “Tiene una visión muy clara de lo que quiere contar y nos da el espacio para aportar nuestras propias ideas”. Para McBride, este proceso ha sido igualmente transformador. “Esta serie me cambió como narrador”, admite. “Siempre he usado la comedia para explorar temas profundos, pero The Righteous Gemstones me permitió llevar esa exploración a otro nivel. Me hizo pensar mucho sobre la naturaleza del poder y la responsabilidad que conlleva”. El final de la serie es un momento agridulce para el elenco, que ha compartido años dando vida a estos personajes. “Es difícil despedirse, pero también es satisfactorio ver cómo todo encaja al final”, dice DeVine. Cavalero coincide: “Hemos contado una historia que tenía un principio y un final. No quisimos alargarla innecesariamente, y creo que eso hará que la serie sea recordada con respeto”. Al hablar sobre el cierre, el elenco se muestra nostálgico pero satisfecho. “Estos personajes han sido parte de nuestras vidas durante años”, dice DeVine. “Es difícil despedirse, pero también es emocionante ver cómo se cierra el círculo”. Cavalero añade: “La historia termina de una manera que se siente fiel a lo que hemos construido. Es un final que nos deja orgullosos”. Para McBride, la despedida es agridulce: “Cuando creas algo así, te involucras a un nivel muy profundo. Pero también sabes que cada historia tiene su final. Me alegra que lo hayamos hecho en nuestros términos, contando la historia que queríamos contar hasta el último episodio”. Con su mezcla de humor irreverente y una exploración afilada del poder y la fe, The Righteous Gemstones se despide dejando una marca en la televisión contemporánea. El camino de un comediante J.M.D. Danny McBride, el creador, productor ejecutivo y protagonista de The Righteous Gemstones, es un nombre central en el panorama de la comedia televisiva contemporánea. Desde su aparición en Eastbound & Down, McBride ha demostrado un talento único para fusionar la irreverencia con la crítica social, creando personajes que exploran los aspectos más oscuros de la naturaleza humana. Con The Righteous Gemstones, McBride no solo reafirma su posición como un referente en la comedia, sino que también ofrece una reflexión profunda sobre el poder, la fe y la hipocresía. “Desde el principio, nuestra intención nunca fue burlarnos de la fe en sí misma”, dice McBride. “Respetamos profundamente las creencias de las personas. Nuestra sátira apunta a aquellos que explotan esa fe para obtener poder y riqueza, mostrando la hipocresía y las contradicciones en esos personajes”. Esta declaración refleja el tono de la serie, que, lejos de ridiculizar las creencias religiosas, apunta a aquellos que manipulan la fe para beneficio propio, un tema que McBride ha explorado con gran destreza. Para él, la comedia es una herramienta poderosa para cuestionar las estructuras de poder sin caer en el sermón moralista. “La comedia puede ser un vehículo para discusiones profundas y significativas. La risa rompe barreras y abre puertas a conversaciones que, de otro modo, serían incómodas o evitadas”, explica. McBride también ha reconocido que la creación de The Righteous Gemstones ha sido un viaje de autodescubrimiento. “Este proyecto me ha permitido explorar mis propias percepciones sobre la fe y el poder”.

Cuando nació El Refugio, en 1993, en Radio América, el país atravesaba una ola de neoliberalismo. Cierta banalidad teñía todo de “pizza con champagne”. El programa duraba cinco horas las tardes de los sábados y pronto tuvo su versión televisiva, primero en el cable y después en la Televisión Pública durante 24 años. Escritores argentinos y de distintas partes del mundo, incluidos Premios Nobel, como Mario Vargas Llosa y José Saramago, participaron en sus emisiones. Teatro, cine, artes plásticas, filosofía y otras disciplinas fueron las columnas de El Refugio. Nunca dejamos de pensar que un programa de cultura es siempre también un programa de Derechos Humanos. Porque en la ficción siempre aparece algo del orden de la realidad, algo que busca ocultarse en una sociedad cada vez más deshumanizada. En tiempos de persecución a la cultura y a sus hacedores, como ocurre en estos días desde el gobierno de Javier Milei, que no pocas veces se encarga personalmente de denostar a los artistas que no piensan como él, regresa El Refugio al aire de AM 530 Somos Radio, los jueves, de 22 a 24. Y lo hacemos con alegría, porque las pasiones tristes, como diría Spinoza, se las dejamos a los dictadores y sus aprendices. Otra vez el programa tendrá las voces de los actores y las actrices, de los escritores, de los músicos y de los que trabajan en distintas partes del país en proyectos culturales. Tampoco pueden faltar en nuestro programa los creadores del Conurbano, tan estigmatizado y asociado sólo con el delito, y de todos los que silenciosamente, en distintas partes del país, trabajan para que la Argentina siga siendo uno de los territorios donde la cultura alcanza el nivel de excelencia. María Zambrano, la gran filosofa española, decía que la filosofía no debe limitarse a lo puramente lógico o racional, sino que debe abrirse a lo poético, lo intuitivo y lo emocional, para comprender más profundo al ser humano y al mundo. De eso se trata. ¿Podríamos vivir sin ficciones? Los humanos somos seres de lenguaje y el lenguaje incluye lo que se dice, lo que no se dice y cómo se dice. Esas sutilezas son las que guían las formas del arte. El Refugio, una vez más, y después de haber pasado por otras emisoras, será un espacio abierto a todas las voces, porque la cultura, tal como la entendemos nosotros, no es aburrida y solemne; por el contrario, es un hecho vivo, festivo, más parecido al carnaval que a las ceremonias vacías de contenido. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Alguien dijo que la crueldad es la jactancia de los fascistas. Vivimos una época donde algunos disfrutan con la desgracia del otro. Pero también, y en este mismo tiempo, todas las noches las salas de teatro reciben cada vez más espectadores, los museos abren sus puertas, los músicos afinan sus instrumentos, los escritores componen sus textos y mujeres y hombres disfrutan de ese mundo caótico, único y siempre bello construido por los creadores. Es tiempo de responder a los autoritarismos con creatividad. Resistir es crear será el lema de esta nueva etapa de El Refugio. Terminaremos todos los programas con música en vivo. Pensamos que la alegría es la mejor respuesta al avance de la insignificancia. La fiesta de los cuerpos es también una impugnación a los discursos de odio, a la discriminación y a toda forma de violencia. Por último, el agradecimiento a todos los que hacen posible el regreso de El Refugio a la radio. El acompañamiento de un equipo consustanciado con el proyecto es central. Nos guía el deseo de generar otra vez un espacio de reflexión, de debates necesarios, de pensamiento. Los poetas, presentes y ausentes, nos acompañan siempre. La vida necesita de una atmósfera envolvente de ilusiones y amor para permanecer viva. Vamos en esa dirección: la de crear otros mundos posibles, la de establecer puentes a partir del arte y la cultura, la de mostrar que en el camino las piedras que se encuentren pueden ponerse al costado y seguir andando. *Conductor

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

Si hay una pasión que define la vida de Carlota Casiraghi, esa es la equitación. Desde muy pequeña, la hija de la princesa Carolina de Mónaco y nieta de la icónica Grace Kelly encontró en los caballos no solo un deporte, sino una verdadera vocación. Su amor por la equitación no es casualidad: es una tradición familiar que ha marcado generaciones dentro de la realeza monegasca y que ella llevó a un nivel profesional. Desde su infancia, Carlota estuvo rodeada de caballos y competiciones ecuestres. Inspirada por su madre, quien también tenía un gran interés por la hípica, comenzó a entrenar a una edad temprana y pronto se destacó en el circuito de saltos ecuestres. Su disciplina y dedicación la llevaron a competir en torneos internacionales, donde demostró su talento y consolidó su prestigio en el mundo de la equitación. Más allá de la competencia, para Casiraghi la equitación es un estilo de vida. En diversas entrevistas expresó cómo este deporte la formó como persona, dándole fuerza, confianza y una conexión única con los caballos. En una conversación con la revista Harper’s Bazaar en 2013, confesó: “Los caballos tienen un papel fundamental en mi vida. Me dieron la energía para seguir adelante, la capacidad de luchar y una fuerza invaluable”. El amor de Carlota Casiraghi por la equitación La conexión de la royal con este deporte quedó reflejada en 2022 cuando sorprendió al mundo al hacer su entrada en la Semana de la Moda de París montada a caballo en el desfile de Chanel. Vestida con una elegante chaqueta negra, pantalones de montar y botas altas, se convirtió en el centro de atención al recorrer la pasarela con naturalidad y elegancia. Más allá del impacto mediático que tuvo el evento, ese momento fue una demostración de cómo la equitación es parte de su identidad y cómo logra fusionarla con otros ámbitos de su vida, como la moda. Su pasión también se refleja en su rol como embajadora de diversas causas ecuestres y en su defensa del bienestar animal. A lo largo de los años, participó en numerosas iniciativas para promover el respeto y la protección de los caballos, destacando la importancia de la equitación no solo como deporte, sino como una disciplina que requiere un profundo vínculo con los animales. Carlota Casiraghi supo transformar su amor por los caballos en una expresión de su personalidad y valores. Lejos de ser solo un pasatiempo de su juventud, la equitación sigue siendo una parte fundamental de su vida. VO

Grace Kelly no solo dejó una huella imborrable en Hollywood con su elegancia y talento, sino que también transformó Mónaco con su compromiso social y humanitario. La actriz estadounidense, que renunció a su carrera para casarse con el príncipe Rainiero III, se convirtió en un ícono de la solidaridad y el trabajo social, construyendo un legado que perdura hasta hoy en el Principado. Nacida en Filadelfia en 1929, Grace Patricia Kelly creció en el seno de una familia de empresarios y deportistas. Su padre, John B. Kelly Sr., ganó tres medallas de oro olímpicas en remo, mientras que su madre fue instructora de educación física. Desde temprana edad, Grace mostró un gran interés por el teatro y, desafiando las expectativas familiares, ingresó a la Academia Americana de Artes Dramáticas en Nueva York. A los 23 años, alcanzó la fama con la película Solo ante el peligro y, poco después, se convirtió en la musa de Alfred Hitchcock, protagonizando clásicos como Crimen Perfecto, La ventana indiscreta y Atrapa a un ladron. En 1955, a los 24 años, ganó un premio Óscar por su actuación en La angustia de vivir, consolidando su estatus como una de las actrices más respetadas de Hollywood. Un encuentro que cambió la historia de Mónaco En el mismo año en que recibió su premio de la Academia, Grace fue invitada a una sesión de fotos en el Palacio del Príncipe de Mónaco durante el Festival de Cannes. Fue allí donde conoció al príncipe Rainiero III, quien quedó cautivado por su carisma y elegancia. La relación entre ambos floreció rápidamente, con cartas intercambiadas y un viaje del príncipe a Estados Unidos durante la Navidad. En enero de 1956, anunciaron su compromiso, y en abril de ese año se casaron en una boda real que capturó la atención del mundo entero. Lejos de limitarse a un papel ceremonial, Grace Kelly asumió su rol como princesa con un fuerte compromiso con la comunidad. Una de sus primeras acciones fue la creación de la Fundación Princesa Grace de Mónaco, dedicada a apoyar a artistas emergentes y financiar proyectos sociales. Su labor también se enfocó en la infancia, la salud y la educación. La princesa fundó la organización AMADE Mondiale (Asociación Mundial de Amigos de la Infancia), con la misión de proteger los derechos de los niños en situaciones vulnerables en todo el mundo. Bajo su liderazgo, se desarrollaron programas de asistencia médica, educación y protección infantil, marcando un antes y un después en la política social de Mónaco. El impacto de Grace Kelly en Mónaco trascendió su vida. Tras su trágico fallecimiento en 1982, su familia y el Principado han continuado con su obra. Hoy, la Fundación Princesa Grace sigue apoyando iniciativas culturales y benéficas, y su visión de una Mónaco más inclusiva y solidaria sigue siendo un pilar fundamental en la identidad del país. VO

Charlene de Mónaco se transformó en un ícono de la elegancia y el refinamiento, algo que queda en claro en cada una de sus apariciones. La princesa consorte consolidó su estilo a través de elecciones impecables, que combinan sofisticación, modernidad y toques clásicos. En esta ocasión, analizamos cuatro de sus looks más memorables capturados recientemente en las redes oficiales del principado de Mónaco. Sofisticación en clave sastrera En un entorno más relajado pero sin perder la elegancia, Charlene apostó por un traje de dos piezas en tonos crudos con un sutil estampado a cuadros. La prenda estructurada, de corte impecable, resaltó su porte distinguido mientras interactuaba con niños en una visita oficial. El detalle de los zapatos cubiertos con protectores muestra su compromiso con la higiene en entornos sensibles, sin perder su característico porte regio. Elegancia navideña en familia Para la tradicional foto navideña junto al príncipe Alberto y sus hijos, la princesa optó por un conjunto invernal de suéter de cuello alto en tono marrón combinado con pantalones de gamuza. Este look refleja una elegancia sobria, ideal para la temporada festiva, manteniendo una paleta de colores cálida y acogedora que armoniza perfectamente con la decoración rústica y navideña del entorno. Un look de gala con inspiración en las divas de Hollywood Charlene deslumbró con un vestido blanco de hombros descubiertos, entallado y con un cinturón dorado que resaltaba su silueta. Este diseño realza su elegancia natural y aporta un aire de sofisticación atemporal. El cabello recogido en ondas suaves y un maquillaje discreto completaron un look de gala impecable que recuerda a las estrellas del Hollywood clásico como Grace Kelly, su suegra. El poder del lavanda en un conjunto real En un evento de la realeza, la princesa apostó por un traje sastre en tono lavanda con detalles estructurados y un aire vanguardista. Acompañó su look con un tocado a juego que añadía un toque de distinción y modernidad. Este conjunto refleja su habilidad para mezclar tendencias contemporáneas con la formalidad que exige su papel en la realeza. Charlene de Mónaco sigue consolidándose como un referente de la moda y la elegancia dentro de la realeza. Cada una de sus elecciones estilísticas demuestra su capacidad para equilibrar sobriedad, sofisticación y modernidad, convirtiéndose en una de las princesas con mayor impacto en el mundo fashion.