ENTRETENIMIENTO

El coreógrafo y bailarín coreano YoungJun Choi será el jurado principal de una nueva edición del Concurso KPop que se hará el sábado 19 de julio, esta vez en la Usina del Arte. A lo largo de su carrera ha creado más de 300 coreografías, trabajando con numerosos artistas de k-pop de alto perfil como BTS, Seventeen, Twice, Got7, EXO, IZ*ONE, Kep1er, Wanna One y hasta con Lisa de Blackpink. Actualmente es director ejecutivo del estudio 1 Million Dance y director general del equipo Team Same. Además ha participado como mentor en programas de televisión relacionados con la danza, contribuyendo al desarrollo de nuevos talentos en el ámbito del entretenimiento.El sábado 19, desde las 14, el público podrá recorrer diferentes espacios de la Usina donde habrá stands temáticos, exhibiciones y actividades para todas las edades. Entre los imperdibles se destacan los talleres de artesanías tradicionales coreanas: uno dedicado a la creación de chorong -faroles decorativos hechos con papel hanji- y otro para confeccionar norigé -delicados accesorios típicos del hanbok-. A las 15 se llevará a cabo el 16° Concurso K-pop en el Auditorio Principal, con la participación de 11 grupos seleccionados -3de la categoría canto y 8de baile-. El evento será conducido por Tadhg Son (Che Corea) y Jazmín Badía, y contará con la presencia de los jurados Yami Arias, Carolina Cuellar y el coreógrafo coreano.La celebración continuará el domingo 20 con más actividades. A las 13 los reflectores estarán puestos sobre YoungJun Choi durante un workshop para aficionados y personas de todos los niveles. Luego del taller, habrá un espacio Q&A en un ambiente íntimo, y un momento especial para que los fans puedan tomarse una foto con él.Las entradas para cualquiera de las jornadas se reservan desde las redes sociales de Usina del Arte (Agustín Caffarena 1, CABA).

Llega El huevo a la Ciudad de Buenos Aires. Serán pocas funciones porque seguirán sus actividades en Miami, lugar de residencia de los actores Constanza Espejo y Mariano Chiesa. Ambos son los protagonistas de El huevo de Nuria Anglés, con dirección de Naue Souto, que se presentará los viernes de julio a las 21.30 en el Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235). Ambos intérpretes tuvieron sus inicios y trayectoria en Argentina, Espejo estuvo en Palabras con sentido de Ricky Pashkus y el año pasado fue la primera argentina en ganar los Broadway World Awards Miami. Él, Chiesa, se lo recuerda por sus actuaciones en Avenida Q, Los monstruos y Sunset Boulevard, por sólo nombrar los últimos trabajos que le valieron numerosos premios. Este espectáculo que traen desde los Estados Unidos salió ganador del Brisk Festival de Los Ángeles. —¿Cuándo y por qué se fueron a Miami? CONSTANZA ESPEJO: Me fui en noviembre del 2020 y fue un poco de todo, pero más que nada una situación familiar. Me impulsó el momento que por la pandemia estábamos con poco trabajo, casi sin actividad. Y me fui quedando. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. MARIANO CHIESA: Partí hace seis años, por un proyecto familiar que era abrir un restaurante. También quise apostar y ver si podía tener otras oportunidades. Me iba muy bien en Argentina, gané premios. Me instalé con mi familia en Miami con algunas expectativas, tenía ganas de crecer y darle otras oportunidades a Matilda, mi hija. —¿Por qué eligieron “El huevo”? E: Cuando llegué a Estados Unidos me encontré con una realidad un poco compleja en cuanto a lo audiovisual. Tuve la suerte de entrar a trabajar con una compañía de teatro musical que es la más grande de Florida y empecé a buscar espacios para poder hacer teatro y ahí conocí a Maite de la Torre, que es la directora del Centro Cultural Español en Miami. Allí hice Microteatro y nació El huevo, donde hacíamos cinco funciones por noche y tuvimos que agregar para llegar a siete. Ante este éxito nos propusieron hacerla más larga. Toda la obra sucede en torno a una escultura. La empecé a actuar con un actor brasileño, Naue Souto, quien hoy nos dirige. Tiene un lenguaje muy universal, termina con humor y reflexión. Uno sale pensando. Mi personaje tiene conflicto con la maternidad, el reloj biológico y con los nuevos parámetros. La gente se siente identificada en algún momento del espectáculo con alguna de las cosas que se plantean. CH: Había trabajado anteriormente con Constancia Espejo, hicimos Las marcas del mar, con mucho éxito. Cuando me ofrecieron hacer El huevo, el espectáculo venía con muchos premios y me sumé como actor. Además coincidió con la invitación de Nicolás Vázquez de hacer el relato final de la pelea de Rocky. El huevo es graciosa y te deja pensando en algunos puntos. Hoy hay mucha percepción a flor de piel de lo femenino, de los derechos de la mujer y de cómo se posicionan ellas en la sociedad. —Con la trayectoria de ustedes: ¿es un musical?. E: Le sumamos música, pero no es un musical. La hicimos en el Museo Arte Contemporáneo El Dora, en Los Ángeles y en Ascaso Gallery, de Miami. Vamos a generar una exposición de arte donde además hay una representación. Siempre tenemos un violinista o bandas o cantantes de ópera. —¿Cómo es la actividad en Miami? E: No hay temporadas de teatro. Las obras vienen, están un fin de semana, dos, tres como muchísimo y se acabaron. Ahora estamos logrando captar un público muy grande en español. CH: Es muy duro vivir en Miami porque uno está ensayando seis o siete meses y luego sólo hacés ocho representaciones. Cuando se me empiezan a calentar los músculos se termina. Me debo considerar un privilegiado porque en la mitad de la pandemia hice El domo del dinero con una megaproducción de millones de dólares detrás. Después grabé para dos novelas, también de Telemundo. —¿Qué es lo que más extrañan? E: Extraño muchas cosas. Buenos Aires es una ciudad increíble, con gente de un talento maravilloso. Añoro a mis amigos, mi familia y también la forma en que se trabaja aquí. Culturalmente Argentina es un país tremendamente rico. Igual soy una persona que trata de mirar siempre para adelante, de pensar que el lugar donde estoy es el mejor sitio para mí en este momento y focalizarme. CH: Sentís que hay un montón de cosas que en otro país no existen. Cuando te vas de tu tierra a trabajar a otra sin una propuesta laboral específica o sin un contrato es un empezar de cero completamente. Llegué con energía y con mi ego, con autopercepción de una determinada manera y cuando estuve en los Estados Unidos empecé a replantearme. “La rueda empieza a girar” A.S. Las dificultades que presenta la actividad teatral en Miami, lugar de residencia tanto de Constanza Espejo como de Mariano Chiesa hacen que ambos busquen sumar otras ocupaciones, aunque siempre ligadas a la actuación. “Doy seminarios de interpretación –subraya Espejo–. En Buenos Aires dictaré un intensivo sobre la técnica Meisner, que es poco conocida. Lo haré en el Centro Cultural Argentino, pero también en Córdoba, Tucumán y Montevideo. En Miami hay mucha gente talentosa y se está generando una movida cultural, pero recién está comenzando”. “Después de casi siete años –confiesa Chiesa– de vivir en Miami, recién estoy sintiendo y teniendo oportunidades. Cuando llegué a los Estados Unidos pregunté cuánto tardaría en poder instalarme y alguien me dijo: ‘calculá entre seis y ocho años. Hasta que veas que la rueda empieza a girar’. Hace poco me llamaron Adrián Santucho, Leo Lavazza y Alejandro Pimentel de la productora 360 Powwow, quienes lanzaron el canal de streaming Básico Stream buscando al público hispano. Voy a tener un programa allí, ya que tengo experiencia porque trabajé con Fernando Peña y Elizabeth Vernaci. Por suerte en Argentina sigo siendo la voz de todo el grupo Telecom, Frávega y me acaban de elegir para Disney Plus. También dicto una formación sensitiva en comunicación, que es una metodología para enseñarle a políticos, abogados, CEO’s de marcas o toda persona que quiera expresarse frente al público y tenga dificultades. Les hago llevar cabo ejercicios que están basados en la actuación”.

Creo que a Superman le preocupa mucho lo que pasa con el mundo, sé que suena obvio, pero no solo por lo que hace. Cuando hacía de Superman, me era muy importante la forma en que mira a los demás. ¿Cómo mirás a los demás si sabes que ellos saben eres de otro planeta, tienes superpoderes y has elegido cuidarlos en lugar de aplastarlos” dice David Corensweet, a instantes del estreno global de Superman, la película que da el puntapié inicial a DC Studios en el cine, y que lo hace dirigida, creada y escrita por James Gunn, uno de los dos cerebros detrás del nuevo mapa lúdico en Hollywood de la compañía dueña de Batman, Wonder Woman y pandilla. Suma Corensweet, el elegido, a lo Christopher Reeve, para convertirse en una estrella y para, como bromea, “ser embajador de Superman”: “Ese detalle, sus ojos, como mira Superman a los demás, como nos mira. Eso me fue crucial a la hora de ponerme la capa. Ahí hay quizás más realismo y tanto como cine como pensar en la geopolítica que implica alguien como Superman actuando en el mundo intentando hacer el bien. Quiero decir, claro que ambas cosas pesan, pero la mirada de Superman es tan importante. Como miraba Christopher Reeve o Henry Cavill, a su manera mezclando cálidez con humildad. Cuando uno está en ese soñado rol, pensas en todo, todo tu cuerpo cuenta, cada gesto, cada detalle, debes recordar que tu erés el elemento diferente, el asombro”. Y suma: ‘Cuando vengas conmigo al set” me dijo James Gunn, el director y guionista, “es importante que el resto de tus compañeros, desde los técnicos a los actores, todos, se sientan cuidados por vos, y que el trabajo que hacen es celebrado y respetado. El trabajo en el cine tiene que sentirse como algo divertido y positivo, no implica no trabajar duro pero estamos contando algo hermoso y vos sos la piedra basal de eso’. Eso resonó conmigo desde un comienzo y se convirtió en el Norte que me guiaba en el proceso logísitco, seguro. Pero también a lo largo de la historia, que tiene que ver con el amor de la gente y las contribuciones que hacen a la hora de mejorarse unos a otros, hacer foco en lo bueno antes que en lo malo. Eso me ayudó cuando estaba en la hora 13 de un rodaje, agotado, y siempre estaba bueno que esa idea estuviera al alcance de la mano”. —A veces la gente dice que Superman es un personaje demasiado bueno, demasiado poderoso para ser interesante. ¿Cuál es tu opinión a la hora de esas ideas? —Le voy a robar esa respuesta a Grant Morrison, el guionista que escribió All Star Superman, la maxiserie que es una de las bases de Gunn a la hora de este film: “Cuando la gente dice que es invencible y que es un buen tipo con una crianza llena de cariño, y lo dice como algo negativo, como que hay riesgos, no puedo dejar de pensar: Superman tiene siempre todo para perder. Sus relaciones, la forma en la que es diferente a la humanidad y nunca puede ser humano, su humanidad, su bondad, incluso”. El hecho de que sea invencible cuando va a pelear con los malos tan solo marca su distancia con los demás, incluso los que ama: Lois no es invencible, es humana y frágil, de la misma forma que todos lo somos. Esa soledad, esa isolación, que definen a Superman, lo pone a contramano del resto: todos se sacan la máscara y son humanos, y Superman es siempre Superman. Esa es una noción conocida, pero la clave es que él intenta ser humano. Otros superhéroes siempre fueron gente que encaja y ahora se vuelven superhéroes para ser especiales. El único poder que carece es no ser humano. Superman solo quiere ser humano, muchas veces. Y no puede. Es siempre Superman. Le gustaría ser el tercero de la lista: Lois, Jimmy y Clark. Quiere contribuir de vez en cuando, no ser protagonista. Pero ama a la humanidad, ama cuidarnos, no es un castigo para él ser Superman, no es castigo cuidarnos de maneras colosales y de maneras pequeñas. Pero ese rol es donde se siente más solitario, más lejano a la humanidad. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Cuál creés que es su mayor virtud y su mayor debilidad? —Voy a hacer trampa, y voy a responder con la misma idea ambas palabras. Ahora le robo a Rachel Brosnahan, que interpreta a Lois Lane. El otro día dijo que Superman mira de forma muy entusiasta a lo que tiene enfrente. Y eso significa que es genial a la hora de salvar al mundo, se trate del mundo de una niña que quiere a su gato que está arriba del árbol o se trate de un monstruo gigante que azota a Metrópolis. Pero como esta tan enfocado en el ahora, a veces no mide las consecuencias de sus acciones. Eso aplica a sus villanos, por ejemplo. Él piensa que hay algo bueno en Lex. O cualquiera de sus otros villanos canónicos. Entonces, puede deternlos, pero cree que en última instancia habra bondad, y por eso no da los pasos para realmente vencerlos, de una vez por todas. Al mismo tiempo quizás tiene razón: quizás hay bondad en sus enemigos y quizás esa es la forma de realmente vencerlos. —Ser Superman es difícil, mucho trabajo físico, pero ¿qué pasa a la hora de los fanáticos, de la fama a nivel global que ahora se viene? —No creo que nadie pueda estar preparado para eso. Y nadie sabe que puede pasar realmente. Ojalá sea un éxito. Pero hay tantas cosas que pueden suceder, por fuera de mi carrera. Estoy preparado para lo que sea, sin estar realmente preparado, como cualquier cosa en la vida. Es un honor hacer de personaje como Superman por un período de tiempo. Me siento muy contento cuando firmo cosas y me sacó fotos con gente, pero en ese sentido ahora, y con orgullo, me siento más un avatar de Superman, un embajador de Superman, antes que otra cosa. Hay un gran honor en hacerlo. La alegría de los niños es algo gigante. Tuve el placer de conocer a algunos de ellos usando el traje y eso fue muy divertido, ver el asombro en su mirada. Todos necesitan un héroe, al menos uno obvio como Superman. No podes quejarte, incluso hay cosas que abruman e inesperadas. De alguna forma te sentís un astronauta que fue a la luna. Estoy a bordo de lo que suceda y lo voy a disfrutar lo más que pueda. —Superman es un personaje de origen judío, creado por hijos de inmigrantes, Jerry Siegel y Joe Schuster, y tiene un origen hoy políticamente más similar al de un refugiado que a la eterna lectura biblica del asunto. Sos el primer judío que intérpreta a Superman, y eso tiene un eco con sus orígenes de alguna forma. —Conocer a los nietos de Jerry Siegel que conocimos sobre el set, en el set del Daily Planet, fue un honor, y fue algo me hizo ver que Superman es un trabajo humano. Pero fue increíble ir a Cleveland, a la casa donde creció su abuelo, donde creó a Superman. Es una casa vieja, obviamente, y pequeña, con las paredes que se te vienen encima. Y cuando me llevaron al sótano y me mostraron, mientras apenas entrábamos, la esquina donde Jerry iba corriendo al bajar las escaleras a escribir (porque lo echaron de su cuarto por el ruido de la máquina de escribir, lo echó su hermano). Ví a esa esquina, y pensé que ya había visto esquinas así, rincones así: era la esquina del sótano de mi mejor amigo donde hacíamos fiestas de Halloween, o mi sótano donde yo era un Jedi o un Master Chief, donde todos éramos el héroe que queríamos ser. Ahí me golpeó en la frente: acá, un chico de menos de años, que estaba creando su identidad y cuidar a su familia, que quería a un protector, a alguien que nos cuide, que sea como él pero no, que sea eso que él aspiraba a ser. Superman le habla muy puntual a la gente de diferentes formas: sus raíces, su conexión a lo judío, u otras lecturas, apuntan que Superman representa tanto que somos cuando brillamos, pero también que podemos ser en nuestra simpleza más pura, cuando encontramos esas cosas simples que nos conectan y nos unen.

Es una de las pocas dueñas de sala en el ámbito comercial, heredera de Lino Patalano, hoy Carla Calabrese es sinónimo del Teatro Maipo. Luego de hacer funciones en Madrid durante varios meses vuelve el musical Come from away. Un mundo sin fronteras para cumplir quinientas funciones en su cuarta temporada, en el escenario donde se estrenó en el 2022. Se mantuvo casi todo el elenco original. Son dieciséis los intérpretes que actúan, cantan y bailan, desde la misma Calabrese que además es la directora hasta Gabriela Bevacqua, Sebastián Holz, Melania Lenoir, Lucila Gandolfo, Fernando Margenet, Argentino Molinuevo, Edgardo Moreira, Silvina Nieto, Agustín Pérez Costa, Fede Couts, Silvana Tomé, Manuel Victoria, Lali Vidal, Patricio Witis y Fátima Seidenari. Cuenta con nueve músicos en escena. Las funciones serán de viernes a domingos con entradas desde $ 15 mil. —El año pasado lo llevaron a España: ¿qué balance hacés? —Fue una experiencia muy buena. Había estado en el 2018 haciendo una codirección, con la versión de Sueño de una noche de verano. Ahora fueron seis meses de funciones. El público español estuvo muy receptivo, nos respetan muchísimo a los argentinos como artistas. De alguna manera ellos reconocen que tenemos más experiencia en musicales. Hoy Madrid se está convirtiendo de a poco en una meca de teatro en castellano en Europa. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Cómo reaccionó el público en comparación con el nuestro? —Nos recibió con mucho cariño, tardaron un poquito por supuesto en ir conociéndonos. Viajamos todos los mismos que estaban en la puesta en el Maipo. Cuando el boca a boca empezó a funcionar, no pararon más y terminamos muy arriba, con mucho público, éxito y reconocimiento. Esperamos poder volver en el 2026. —¿Competían con mega producciones como “El rey León” o “Los miserables”? —La verdad es que estoy acostumbrada a vivir en una ciudad con mucha competencia. La cantidad de títulos que tenemos acá, creo que supera a los que hay en España por una cuestión incluso de infraestructura. Ellos no tienen suficientes salas. Por eso es tan difícil conseguir teatro cuando una quiere ir. Tampoco existen los ámbitos independientes, aquí muchos artistas vienen del off y luego se suman a la escena comercial. —¿Por qué reponerlo ahora? —Cuando terminamos acá, antes de irnos a España teníamos muchos espectadores, con demanda de entradas, por eso quisimos cerrar aquí con la cuarta temporada. Serán sólo dos meses en el Maipo y después emprenderemos una gira por Córdoba, Rosario, Mendoza y Tucumán. Iremos a cada una de estas plazas por un fin de semana. Serán en el Maipo sólo ocho semanas, después viene el debut de Adrián Suar como director teatral con un elenco integrado por Julieta Díaz, Soledad Villamil y Pilar Gamboa. —¿Cuál es el rumbo que imaginás para el Maipo? —Quiero cuidar la calidad de cualquier producción que venga, que la gente sepa que va a encontrar un nivel artístico, hecho por profesionales, con ética y producciones cuidadas y nada chabacano. Trato de supervisar muchísimo, estar muy atenta. Con Lino (Patalano) hablábamos mucho que ya no funcionaba el mismo patrón de martes a domingo. Por eso ahora hay espectáculos una vez por semana, como El brote que va sólo los martes o El hombre inesperado los jueves. El espectador disfruta más la función cuando hay público, porque el teatro es como una comunión. —¿Sufriste algún prejuicio por ser mujer y dirigir o ser empresaria? —Creo que hay prejuicio siempre en la calle Corrientes, pero nunca pensé que era por ser mujer, es en lo último que pienso, porque los hombres siempre me trataron bien. Tuve la sensación por venir desde San Isidro y hacer teatro en inglés. Pero hace mucho tiempo que trabajo incluso de manera muy independiente, porque hacíamos funciones en los colegios y llevábamos nosotros los equipos de luces y sonido. Pero es cierto que somos muy pocas las mujeres que producimos o tenemos un teatro comercial. —¿Siempre elegís autores extranjeros? —Hasta ahora hice muchos autores de afuera, es verdad, pero trabajé los diez primeros años con dramaturgos nacionales, pero no en el Maipo. Aquí trajimos una adaptación argentina de Sueño de una noche de verano que firmaron Alice Penn y Emilio Giménez Zapiola. Después presentamos Marco Polo. Es cierto que dirigí obras más grandes que vinieron de Broadway o de Londres, pero no descarto hacer algo propio y volver a gestar desde la escritura un espectáculo. —¿Será un musical? —No estoy encasillada en el musical, también dirigí obras sólo de texto. Tienen que ser propuestas que me emocionen, que me tomen el alma y eso no te pasa todos los días. Quiero complejizarme, hacer algo distinto y arriesgarme a crear de cero, que es algo que no hice todavía. —Integrás la ONG Solidaire que ayuda a refugiados: ¿qué sucede en estos momentos? —Se incrementó toda la actividad del avión, sacamos ucranianos y los trasladamos a centros de refugiados porque son mujeres y niños. También colaboramos con África, ya que al estar liberada la pesca hoy no tienen ellos para alimentarse, por eso buscan ir a Europa para tener una vida mejor. La gente se muere en esas pateras tratando de cruzar. Tenemos un buque que ayuda a rescatar gente en el Mediterráneo. Hay avisos de pedidos de socorro y los estados no los rescatan. —Actriz, directora o productora: ¿qué preferís? —La directora, creo que siempre me interesa más el armado, la visión general de lo que sucede en el escenario, me parece que eso es muy fuerte. La producción me viene muy bien poder hacerla porque no tengo conflicto, pido y van a estar de acuerdo. La actriz es mi parte más lúdica. Creo que tengo suficiente objetividad como para no ponerme en roles que no puedo hacer o que no me permitan dirigir. Tengo muy buenos asistente de dirección, stage manager, coreógrafo, director vocal y musical. Además, cuento con una cover que está en el escenario cuando estoy abajo dirigiendo que es Fátima Seidenari y también me reemplaza en el elenco si viajo. —¿Es el espectáculo en la cartelera porteña con más músicos en escena? —Me parece que los musicales deben contar con orquesta, pero si hay gente que tiene ganas de producir y no puede crearlo como en Broadway, Londres o España tratan de hacerlo igual. Eso es inherente al espíritu humano, querer hacer lo que uno sueña. Y si no te alcanza la plata: ¿quién soy yo para juzgar? —Empezaste a ensayar “Come from away” antes de la pandemia, pero después tomó otro significado… —Sí, cuando volvimos tenía un significado especial, Tengo esta sensación pospandemia que si ahora llegan extraterrestres y aterrizan lo viviríamos como algo normal. Quedó una sensación de que todo puede pasar. Esta obra habla de la humanidad porque por más que haya pasado en Canadá no es ajeno. Es parte de nuestra civilización. Me parece que tomó otra perspectiva el tema de la comunidad, por haber estado aislados. —Cuando estrenaron no había guerras, ahora hay dos: ¿cambia la lectura? —Hay una frase maravillosa que dice: “donde hay odio que haya amor”. Esa canción hoy la escuchás y te emociona. Cuando estrenamos había gente con barbijos puestos. Soy de las ingenuas que creí que la pandemia nos iba a ser mejores, ahora veo que no, que cada vez hay más guerras. Creo que el mundo está en manos de gente loca. Realmente Trump y Putin son un peligro tremendo. Es una inquietud constante y no sé dónde vamos a parar. Votaron estos presidentes: ¿qué podemos hacer? Son violentos. Es realmente muy preocupante el futuro.

Con Ironheart, Ryan Coogler vuelve a demostrar que el verdadero superpoder de un cineasta no es el control, sino la visión compartida. Como productor ejecutivo de la nueva serie de Marvel Studios disponible en Disney+, Coogler regresa simbólicamente al universo de Black Panther para expandir la historia de Riri Williams, la joven genio afroamericana que cautivó en Wakanda Forever. Esta vez, lo hace junto a Chinaka Hodge, poeta, guionista y creadora de una serie que fusiona tecnología, raíces y magia en una Chicago tan vibrante como política. El resultado es una ficción emocional y urbana, con un tono realista que se distancia de otros títulos del MCU. Coogler, que ha hecho de su carrera una búsqueda constante de autenticidad cultural, asegura que Ironheart puede ser la puerta de entrada para quienes pensaron que el cómic nunca fue para ellos. —¿Qué te atrajo de una historia como la de Riri Williams? —Ryan Coogler: Lo primero fue entender que no era yo quien debía contarla. Como en los deportes, mi tarea más importante fue reclutar a las personas adecuadas. Sabía que esta historia necesitaba voces propias, diferentes a la mía, que conectaran profundamente con Riri. Por eso fue tan importante encontrar a Chinaka como guionista principal. Ella, junto con Angela y Sam en la dirección, hicieron algo increíble. Me siento afortunado de haberles dado el espacio para crear una visión tan poderosa. Lo que lograron no solo honra a Riri, sino que le da una vida que yo no habría podido imaginar solo. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —¿Qué distingue a “Ironheart” del resto de las producciones del MCU? —Chinaka Hodger: Creo que esta serie hace algo que otras no: baja la cámara. Hay una Chicago tangible, con detalles culturales que reflejan la vida real de muchas personas. No solo hay tecnología; hay emociones, hay historia, hay comunidad. Lo más potente es cómo conviven la magia y la ciencia en este universo. Esa fusión –que en otros títulos puede parecer decorativa– acá es estructural. En Riri, la tecnología no es fría ni corporativa; es afectiva, íntima. Está conectada a su identidad, a sus pérdidas, a sus sueños. Y eso marca una gran diferencia. Me hubiera encantado ver algo así cuando era adolescente. —¿Qué tipo de conversación busca abrir esta serie con las nuevas audiencias? —R.C.: Para mí, Ironheart abre la puerta a quienes siempre pensaron que las series de cómics no eran para ellos. Personas que nunca se vieron reflejadas. Riri no es una superheroína convencional; es una chica negra brillante, que lidia con el duelo, con la responsabilidad, con el poder. La historia toca temas como la vigilancia, la autonomía, la ética de la invención. Y lo hace desde una perspectiva fresca, joven, pero también muy consciente. Me parece que eso puede resonar en gente que no consume Marvel y que, de pronto, ve algo que se siente cercano, necesario. Eso es lo más valioso que puede aportar esta serie. —¿Sentís que esta serie extiende el legado de “Black Panther”? —C.H.: Totalmente. Wakanda Forever abrió un espacio que Ironheart continúa de manera orgánica. Hay una línea directa entre el espíritu de Shuri y el de Riri, entre cómo entendemos la inteligencia, la tradición, y cómo los jóvenes enfrentan un mundo que no les da margen de error. Pero Ironheart no se queda en la referencia: construye su propio mundo. Un lugar en donde la afrodescendencia no es decorado ni contexto, sino centro. Eso es lo que siempre busqué con mis películas, y lo que me emociona ver florecer en las historias que ayudan a expandir el MCU. La heroína en los ojos de Doom J.M.D. —¿Cómo se vincula “Ironheart” con el futuro del MCU y películas como “Avengers: Doomsday”? —Ryan Coogler: Es increíble cómo todo se fue conectando. Al principio, no sabíamos que el villano en Avengers: Doomsday iba a ser Doctor Doom, pero en los cómics él representa justamente esa dualidad entre tecnología y magia. Eso está muy presente en Ironheart. Así que de alguna manera, la serie funciona como un anticipo, como una preparación temática para lo que viene en el universo Marvel. Es loco que estemos lanzando esto justo cuando la inteligencia artificial y la ética de la tecnología están tan presentes en la conversación pública. El personaje de Riri Williams está en el centro de ese debate, no solo porque es una inventora, sino porque todo lo que crea tiene una carga emocional, una conciencia sobre lo que significa crear. Y hay algo más: Ironheart no es solo un puente narrativo, sino también emocional. En las películas de superhéroes, a veces se pierde esa dimensión más íntima, la dimensión humana que es precisamente lo que los hace que conectamos con ellos. Todo bien con el superhéroe estrella de rock, estrella de cine, pero a veces neecsitas un superhéroe que conecte con las políticas de su época, en este caso el racismo, la ética, la pregunta de porqué hacer el bien. Pero Chinaka y su equipo la recuperan acá. Es una historia sobre duelo, sobre crecer sin figuras paternas claras, sobre cómo inventar una armadura no te protege de lo que llevás dentro. Creo que ese enfoque será clave para el futuro del MCU. Marvel entendió que los espectadores quieren espectáculo, sí, pero también humanidad. Pero Ironheart se anima a ofrecer ambos.

Me crié teatralmente en Timbre 4. Fue el patio de mi casa, de la casa de un montón. Yo nací en La Plata en el 78 y empecé a estudiar teatro en Andamio 90 a finales de los noventa. Finalicé el colegio, estudiaba arquitectura en mi ciudad, tenía novia, y las postrimerías de los noventa no arrojaban horizontes de prosperidad. Con mis amigos hablábamos de guerra civil, de quién se iba a ir del país, de quién se iba a quedar. Estábamos perdidos. Había estado cerca de ser padre por ese tiempo. Pero no sucedió. Después, un agujero. Casi de un día para el otro empecé a estudiar. Por intuición. Por una fuerza sin nombre. Todos los sábados, me iba a la estación lleno de expectativas, me tomaba el tren, llegaba a la Capital, tomaba el 102, y al mediodía llegaba puntualmente a Andamio 90. Luego de cuatro horas de taller, donde pasaba de todo, el camino inverso. Volvía de noche lleno de preguntas, de imágenes, de sensaciones. El teatro me empezaba a constituir. De Andamio a Timbre fue un paso natural. ‘Timbre’ allá por el 2001 ya empezaba a hacer ebullición. Pasaron los años, las obras. Fiestas. Amores. Madrugadas de ensayos. Hicimos Jamón del Diablo, un obrón. Hicimos otras. Me fui, volví como docente un tiempo. Una exalumna, ahora ya actriz, y tres actores más, me vinieron a proponer que los dirija en esta obra. El grupo ya la conocía, la habían leído, querían hacerla. Estaban conmovidos con el texto. Conocían también a Marta Arán, que había venido a un encuentro en Timbre 4. Marta es la autora de La chica de la lámpara. Una comedia impiadosa. Atrapante. Cruel. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. La obra es una comedia cruzada con pesadillas. Marta escribe un universo paradójico y complejo, lleno de detalles de humanidad, de una sensibilidad que me despertó recuerdos e imágenes olvidadas. El universo de su protagonista, embarazada de algunos meses, quien tiene el objetivo de ser la nueva directora artística de una importante galería, es exquisito. Ella tiene culpa de sentir lo que siente. Arán ubica a su protagonista entre dos precipicios. Es un juego endiablado. “Alba” se llama ella. Está muy perdida. Y es apasionada. Una combinación letal. Perdió a su madre recientemente por enfermedad. Su hermana acaba de regresar por la herencia. Su pareja sólo piensa en una cosa: La chica de la lámpara, su instalación artística que está decidido a presentar en la Feria Nacional y con la que piensa combatir la censura que impone la moral de la época. “Una mujer desnuda, con una lámpara en la cabeza, y un hilo que sale de su entrepierna del que se prende y se apaga la luz”. “Provocar’” proclama a los gritos, “lo políticamente correcto”. Y en silencio, sigilosa y cordial, la nueva empleada teje desde su eficiencia y sus relaciones sociales, su propio camino. Todos los personajes están llegando a sus treinta años, y perciben atravesar un umbral donde todo se acaba: becas artísticas, viajes por el mundo, la posibilidad de destacarse, de “ser alguien”, de tener un nombre, de realizarse. Para todos, es “ahora o nunca”. La puesta que se presenta en El excéntrico de la 18 refuerza los rasgos de una generación que compite todo el tiempo por todo, que corre hacia no sabe dónde, que no persigue sueños, persigue metas. Solo creen en lo que ven. Todos tienen una mira telescópica montada sobre un individualismo impiadoso. Y mientras tanto, alguien está por nacer. Se va a llamar “Alien” dice Alba, y su hermana sonríe, extrañada. “Tal vez lo quiera”. “Tal vez en algún momento me sienta como mamá”. Para mí, dirigir esta obra es muy especial. Siento que, como diría Monti, se configuran un montón de hechos que me sucedieron en la vida. El teatro, las pérdidas, las ausencias, los deseos. Siento que dirigir es mirar para construir mirada. Siento que esta obra es un epitafio de la posmodernidad. Y que mientras algo muere, algo siempre está naciendo al mismo tiempo. La obra germina en el fondo de una grieta. *Director de La chica de la lámpara.

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

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