ENTRETENIMIENTO

Para algunas personas, Lorena Vega llegó a sus vidas como la psicóloga en Envidiosa (la serie de dos temporadas, protagonizada por Griselda Siciliani). Sin embargo, la trayectoria de esta actriz, directora y dramaturga tiene un larguísimo camino, sobre todo en el teatro. Actualmente, dirige Testosterona, protagonizada por Cristian Alarcón (los sábados, en el Picadero); Precoz, con Valeria Lois y Tomás Wicz (los lunes, en Timbre 4) y Civilización, texto de Mariano Saba (también los lunes, en el Galpón de Guevara). Y actúa en dos obras de Mariano Tenconi Blanco: Las cautivas (los domingos, en el Metropolitan) y La vida extraordinaria (los miércoles, en el Picadero). No solo esto. Asimismo, hace Imprenteros (los viernes, también en el Picadero), el gran suceso que va por su séptima temporada: allí Vega plasma parte de su historia personal, que ella ha escrito, dirige y actúa junto a parte de su familia, y que, por si fuera poco, también se ha convertido en un documental homónimo, dirigido por Gonzalo Zapico. Hoy habrá una función de otra obra que protagoniza: Yo, Encarnación Ezcurra en Ciudad Cultural Konex.. Imparable en su capacidad de generación de proyectos, Vega ahora empapela la cartelería de calles y autopistas, porque es “La Zurda”, una de las protagonistas dentro del mundo carcelario de En el barro que se ve por Netflix. Los ocho capítulos creados por Sebastián Ortega, que se hilan en el universo de la exitosa El marginal, transcurren en una cárcel de ficción, llamada La quebrada, adonde llegaron, por razones diversamente (in)justas, un conjunto de personajes. El elenco convoca a espectadores con variados intereses. Por un lado, hay actrices de prestigiosa trayectoria nacional como Rita Cortese, Ana Garibaldi, Cecilia Rosetto, Silvina Sabater, y el regreso a la actuación de Juana Molina; hay grandes actores como Gerardo Romano, Marcelo Subiotto, Juan Gil Navarro y una larga lista a cargo de personajes con menor desarrollo. Por otro lado, jóvenes figuras internacionales como Valentina Zenere, Carolina Ramírez y Ana Rujas. Y también, participaciones especiales como la de la boxeadora Alejandra “Locomotora” Oliveras y la superestrella María Becerra. —¿Cómo procedés a la construcción de un personaje como “La Zurda”? ¿Te fue necesario visitar cárceles? Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. —Hago distintos tipos de trabajo dependiendo del personaje, de la serie, del material. Para “La Zurda”, yo no fui a la cárcel a hacer trabajo de campo. Sí, tuve información que trajo la producción, por las visitas que ellos sí hicieron a las cárceles. Es un mundo del que todas tenemos algún imaginario, alguna referencia. También lo fuimos construyendo con el equipo actoral y la dirección. Y como venían de hacer El marginal, tenían mucha impronta. Después, los temas de cada personaje están exacerbados por la situación de encierro, pero no son ajenos: son situaciones de dolor, pena, pérdida, angustia, de disputa, enfrentamiento. Son cuestiones que nos habitan a todas en nuestras vidas, más allá de si estás adentro o afuera. Cuando preparaba el personaje, pensaba: cuál es mi propia cárcel, mi propio encierro, en qué momentos me siento sin salida, atrapada. —¿Cómo fue filmar numerosas y variadas escenas de violencia física? ¿Cómo se hace? —Hay que ensayar previamente. Hay un equipo de efectistas que te explican cómo mover el cuerpo en función de dónde te van a pegar y dónde está la cámara. Por supuesto, los golpes no son reales. Hacés muchos acuerdos previos y conduce la dirección. Tenés que saber dónde van a estar las cámaras, donde va a ser el plano. El equipo de efectistas también te pone protecciones, si es que te van a dar con un machete, con algo punzante, con un palo. Hay todo un trabajo técnico. La actuación es técnica pura. —¿De qué manera se integró un elenco tan diverso en sus experiencias con la actuación? —Es lo más interesante de la serie: el cruce intergeneracional, intercontinental, de estilos, plural en cuanto a los oficios. Es un gran acierto, una apuesta arriesgada, que nos puso a todas a construir un lenguaje en común. Ensayando hipótesis, puede ser la situación de una cárcel: encontrarse con personas inesperadas que no se sabe de dónde vienen. —Hay dos figuras muy queridas en torno a estas series, y que han fallecido: Claudio Rissi, uno de los protagonistas de “El marginal”, que murió en 2024, y Alejandra “Locomotora” Oliveras, el mes pasado. ¿Cómo los recordás? —Claudio es una presencia que está. El marginal no se puede pensar sin saber que estuvo ahí Claudio Rissi. Su personaje aparece ahora mucho en la línea de Ana Garibaldi (personaje de Gladys Guerra de Borges). Además, Claudio en términos actorales ha sido para mí un material de estudio y total inspiración. Y “Locomotora” fue una muy buena compañera. Fue hermoso, interesante, trabajar con ella, porque ella estaba contenta, entusiasmada; le daba mucha energía al set. Era una persona divertida, con la que en algunos aspectos estábamos en lugares opuestos de pensamiento, pero en el espacio de trabajo entablamos una relación de cariño. —¿Qué pensaste en torno a tu personaje, dedicada a gestionar pornografía y prostitución, ámbitos que, para algunas perspectivas, es trabajo, una fuente laboral, y para otras, es, inexorablemente, una forma de abuso? —Comprendo la complejidad. Yo digo que es trabajo sexual, con todos los matices y con el respeto que todavía puede tener la discusión Mi personaje entiende que es trabajo sexual y que cada una es dueña de su cuerpo y que cada una decide qué hacer con él, incluso ponerlo a trabajar por dinero. En definitiva, si agudizamos un poco el lente, muchas veces nuestra vida es entregar nuestro cuerpo por dinero. —“En el barro” se centra en historias que le pasan a un grupo de mujeres. Sobre los hombres, entre otras cosas, se dice “Donde hay un pajero, hay un cliente”. ¿Qué imagen de los hombres deja esta serie? —Hay un gran porcentaje de mujeres que, a partir de quedar encerradas, son abandonadas, no son sostenidas, no son visitadas; las sueltan. Porque una mujer que cae presa es mucho más condenada que un hombre. La serie refleja esa soledad y esa comunidad que se empieza a armar entre mujeres, porque los hombres desaparecen y, si aparecen, es para cobrar o exigir cosas, en lugar de ayudar. No siendo un documental, siendo ficción, la serie refleja eso: está siendo espejo de algo que sí está en la realidad. —¿Cómo hacés para ser tantas Lorenas a la vez: actriz de teatro, actriz en plataformas, directora, autora, vida familiar? —Las actrices estamos acostumbradas a mutar, a transformarnos, a transicionarnos. Eso es habitual para mí. Una actriz, como vos enumerás, es una persona que tiene que gestionar su trabajo. Una actriz de teatro independiente, más todavía. Eso nos convierte en gestoras. El trabajo independiente incluye ser tu propia productora. Lo hice siempre, desde muy chica, desde que empecé teatro: siempre fui muy activa para mover las obras. Es algo inherente a este sector del trabajo. Es un ejercicio que tengo incorporado, pero es además un modo de sobrevivir, no solo por una cuestión de precarización y de tener que trabajar en muchas cosas a la vez, sino también por una cuestión de salud mental. La ocupación, un poco como le pasa a “La Zurda”, me salva de lo que significaría estar frente al vacío, a la nada. Fui aprendiendo a habitar momentos de pausa, pero estar en movimiento es un poco de supervivencia.

Los fanáticos del cine romántico están de suerte. La aclamada adaptación de Orgullo y prejuicio, protagonizada por Keira Knightley y Matthew Macfadyen, vuelve a los cines para celebrar dos décadas desde su estreno original. Basada en la célebre novela de Jane Austen, esta versión dirigida por Joe Wright se convirtió en una de las películas más aclamadas del género, conquistando a nuevas generaciones de espectadores a lo largo de los años. Para conmemorar su aniversario, la película volverá a las salas de cine más conocidas de Argentina a partir del próximo 2 de octubre, según informaron desde Universal Pictures a cinéfilos especializados. Será una oportunidad única para revivir en pantalla grande la historia de Elizabeth Bennet (Lizzi) y Fitzwilliam Darcy (Mr. Darcy), con su inconfundible mezcla de romance, drama y crítica social. Convertida en un clásico moderno, los críticos destacan a la producción no solo por su fidelidad al espíritu de la novela de Austen, sino también por su frescura visual y la sensibilidad que la convirtieron en un referente del cine romántico del siglo XXI. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. Todo sobre la nueva serie de "Orgullo y prejuicio" en Netflix: cuándo se estrena y quiénes integran el reparto De qué trata Orgullo y prejuicio La historia está basada en la novela homónima publicada por Jane Austen en 1813. La trama se centra en Elizabeth Bennet, una joven de carácter independiente que, junto con sus hermanas, enfrenta las presiones sociales y familiares de la Inglaterra del siglo XIX. La relación entre Elizabeth y el Mr. Darcy, un hombre reservado y de apariencia arrogante, estructura el relato principal. Lo que comienza con recelo y desencuentros se transforma en un vínculo que supera prejuicios y diferencias sociales, un tema central en la obra de Austen. La versión de 2005 se destacó por su recreación de época y por la interpretación de sus protagonistas. Keira Knightley recibió una nominación al Oscar por su actuación, mientras que Matthew Macfadyen consolidó con este papel una de las representaciones más recordadas del personaje de Darcy en cine. Además de la dirección de Wright, la película fue reconocida por su fotografía y ambientación, que buscó una representación visual precisa del entorno rural inglés de principios del siglo XIX. Estos aspectos contribuyeron a consolidar la película como una de las adaptaciones más valoradas de la obra de Austen. Netflix prepara una nueva serie de Orgullo y prejuicio Mientras el clásico de Wright regresa a los cines, Netflix anunció una nueva miniserie de seis episodios basada en Orgullo y prejuicio. El proyecto busca posicionarse como rival directa de grandes éxitos del género de época como Bridgerton y The Crown. La producción contará con la dirección de Euros Lyn y el guion de Dolly Alderton, autora de bestsellers como Todo lo que sé sobre el amor. Se espera que esta adaptación respete la esencia de la novela publicada en 1813, al tiempo que acerque la historia de Elizabeth y Darcy a una nueva generación de espectadores. Netflix prepara una nueva serie de época basada en Jane Austen que busca destronar a "Bridgerton" y "The Crown" Publicada hace más de dos siglos, la obra de Austen sigue vigente gracias a su exploración de temas universales como el amor, las diferencias de clase, los lazos familiares y los prejuicios sociales. En esta nueva versión, Netflix promete resaltar tanto el romance como la crítica social, elementos que hicieron de la novela un clásico inmortal. La miniserie ya está en producción en el Reino Unido y, aunque aún no tiene fecha exacta de estreno, se espera que llegue a la plataforma en 2026 con lanzamiento global. Será la primera gran adaptación televisiva de la novela en más de 15 años, lo que alimenta aún más la expectativa entre los fanáticos de Austen. RV/DCQ

Se destaca en la cartelera teatral una nueva propuesta que eligió un género muy poco transitado: la ciencia ficción. Es Coherencia, basada en el guión de James Ward Byrkit, sobre una historia de Alex Manugian, que adaptó Gonzalo Heredia. El espectáculo dirigido por el cineasta Hernán Guerschuny cuenta con un elenco integrado por el mismo Heredia, más Mey Scápola, Vanesa González, Guillermo Pfening, Nicolás Pauls y Laura Cymer. Las funciones son de miércoles a domingo en el Multiteatro. Aquí dos de los protagonistas, Scápola y Pfening analizan el género y también cuentan sus otras actividades. Scápola ya emprendió una nueva edición de Las cosas maravillosas ahora con Fernando Dente, siempre en Multiteatro. Sigue de gira con Caer y levantarse con Luciano Castro, aunque hará en agosto dos funciones en El Picadero. Mientras que a Pfening se lo puede ver en la serie de HBO Foodie Love de Isabel Coixet y en En el barro, la secuela de El marginal. También en la película El practicante con Mario Casas y en las dos temporadas de Bienvenidos al Edén, ambas en Netflix. —¿Cuál la relación que tienen con la ciencia ficción? Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. MEY SCÁPOLA: Soy mucho más espectadora de otros géneros. Te diría que me engancho más cuando siento que me podría pasar a mí. Si algo está muy alejado me cuesta imaginarlo. Pero cuando veo actores o actrices que se lo creen me apasiona, porque es como es como un juego de niños, como en El Eternauta. Es muy alejado de lo que hacemos nosotros como actores en general. Actuamos en comedia o drama, textos más cercanos. GUILLERMO PFENING: A mí me gusta, pero no me llevo bien con las naves, las armas y la violencia de algunos relatos de ciencia ficción. Me atrae lo distópico, lo que es más metafísico. —¿Qué es lo más difícil de este género? M.S: Para mí es encontrar una verdad. Una está muy acostumbrada a ver este tipo de ficción en el cine. Hay algo del plano, del detalle, del exterior, que se cuenta todo el tiempo porque tenés una cámara y secuencias, con muchos efectos. Al ser tan analógico el teatro, pese a que esta obra tiene imagen y tiene sonido que acompaña, todo está muy puesto en nosotros. Lo más difícil es cómo se hace. Contamos con un colaborador artístico, Juan Branca, que nos subrayaba que éramos seis personas normales a las que les pasa algo fantástico. ¿Qué te pasaría si te estalla el teléfono y a otro amigo también y se corta la luz? El miedo crece. G.P: Cuando tuve que hacer ciencia ficción, los que hicimos una película aquí en la Argentina lo más difícil fue trabajar con los cromas y las pantallas verdes e imaginarte gente y objetos que no están ahí. Lo que tiene este tipo de ficción para actuar es que te da un nivel de fantasía tremendo. Algo que no te enseñan en las escuelas de teatro. Vos podés crear un mundo totalmente corrido del que vivimos y fantasioso. Tiene que ver mucho con los niños. Actuar, jugar y permitirse ser como cuando eras pequeño. En ese sentido es divertido. —¿Cómo fue trabajar con un director de cine como Hernán Guerschuny que debuta en el teatro? M.S: Creo que acercó caminos a la hora de contar. Porque él tenía conocimientos que un director de teatro tal vez no tiene. Estuvo muy abierto a escucharnos. Fue un trabajo en equipo, con confianza. Hay que confiar en el que está mirando y seguir el camino que te va marcando el otro. Un director es como un capitán de barco, timonea para un lado y nosotros nos subimos y vamos confiando. El teatro se modifica todo el tiempo. Teníamos todos muy claro que la ficción no podía quedar alejada de la gente. Se necesitaba que la historia se entienda. G.P: Fue un proceso para todos muy batallado. Lo buscamos mucho, descartamos las primeras ideas y fue todo un proceso que nos unió como actores y también como grupo porque no es una obra fácil. Quizás en el cine tenés muchos recursos, planos, detalles, pero en el teatro no. Por eso estamos reformulando y repensando todo el tiempo el espectáculo. A Hernán como director integral se le sumó Juan Branca, en la colaboración artística que nos ayudó mucho, más que nada con lo físico, los movimientos a largo de la puesta en escena. Ambos hicieron muy buen equipo. —¿Tuvieron presente a la película del 2013 dirigida por James Ward Byrkit? M.S: La verdad es que yo no. La tuvo más presente, obviamente, Gonzalo (Heredia) quien desde hace mucho tiempo estuvo trabajando en la adaptación y el director. Preferí no basarme en la película, además ahí son ocho personajes y nosotros somos seis. En el film hay muchos recursos que nosotros tuvimos que soltar. La ciencia ficción, o lo fantástico, es un género particular y no es para todo el mundo, entonces hay que tratar de acercarlo. G.P: Más o menos. La vi, pero hay partes que no sé si las entendí. Fue como una referencia. Me quedé un poco afuera. Creo que la película tiene algo que te suelta en un momento de la mano. Eso era lo no queríamos que pase con el espectáculo teatral. —¿Cómo ven al cine y al teatro en estos tiempos? M.S: Al cine no lo veo, básicamente porque no hay. Ojalá pudiera decirte cómo veo el cine. Creo que no sé si se hicieron tres películas en todo este año. Obviamente es una situación muy difícil. Le da trabajo a muchísima gente, no solo a los actores, también técnicos, guionistas, camarógrafos, maquilladores, son cientos de personas las que trabajan en una película. No hay apoyo del Incaa y es imposible en este país, salvo con las plataformas. Y la respuesta a esto es que el teatro está explotado, hay más propuestas que nunca. Es como el único refugio que nos queda. El teatro sigue siendo bastante autogestivo incluso entre los productores, porque acá tuvimos tres que apostaron. G.P: Al teatro lo veo superbién. Creo que va a empezar a vivir otro momento, siempre pasa cuando hay crisis. Todo el mundo va al teatro, actores, productores y directores. Es parecido a lo que pasó desde el 2001 hasta el 2003, cuando surgieron grandes camadas de creadores, como Rafael Spregelburd o Cristian Drut. El teatro como un lugar de resistencia. El teatro en Buenos Aires es único, hay en muy pocos lugares del mundo. Con respecto al cine, me fascina, pero hoy no se puede hacer en la Argentina. Hay muchos proyectos colgados. Tengo el mío, una película que se iba a titular Alice, que es sobre una mujer adicta a las cirugías estéticas. Tenía todo para hacerla, estaba buscando más dinero porque la plata que te daba el Incaa nunca alcanza para financiar, es sólo un cuarto, que después debés devolver. No te la regalaban. Somos muchos los directores que quedamos así. Ahora dan sólo cinco subsidios y se presentan doscientos proyectos. —¿Se modificaron sus vidas en esta realidad? M.S: Básicamente tengo que tener más trabajos que antes para llegar a fin de mes. Me parece que estamos todos iguales. A mí me gusta mucho lo que hago y también diversificarme, dirigir, actuar y hacer radio. Estamos intentando tener muchos proyectos al mismo tiempo porque no sabés cuánto va a durar. Los actores no escapamos de esa realidad. Siempre digo: somos privilegiados, hacemos lo que nos gusta, con gente que queremos y tenemos un sueldo digno en este momento. Hay gente que la está pasando mucho peor que nosotros. La realidad me modificó, pero hay gente que la modificó mucho más que a mí. G.P: Sí. Muchísimo. Vivo con mucho menos dinero. Por suerte estuve trabajando los últimos tres años en Europa, filmando películas y series en España. Ahora hay que ajustarse, porque hay poco trabajo, como le pasa a todo el mundo.

Se destaca en la cartelera teatral una nueva propuesta que eligió un género muy poco transitado: la ciencia ficción. Es Coherencia, basada en el guión de James Ward Byrkit, sobre una historia de Alex Manugian, que adaptó Gonzalo Heredia. El espectáculo dirigido por el cineasta Hernán Guerschuny cuenta con un elenco integrado por el mismo Heredia, más Mey Scápola, Vanesa González, Guillermo Pfening, Nicolás Pauls y Laura Cymer. Las funciones son de miércoles a domingo en el Multiteatro. Aquí dos de los protagonistas, Scápola y Pfening analizan el género y también cuentan sus otras actividades. Scápola ya emprendió una nueva edición de Las cosas maravillosas ahora con Fernando Dente, siempre en Multiteatro. Sigue de gira con Caer y levantarse con Luciano Castro, aunque hará en agosto dos funciones en El Picadero. Mientras que a Pfening se lo puede ver en la serie de HBO Foodie Love de Isabel Coixet y en En el barro, la secuela de El marginal. También en la película El practicante con Mario Casas y en las dos temporadas de Bienvenidos al Edén, ambas en Netflix. —¿Cuál la relación que tienen con la ciencia ficción? Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. MEY SCÁPOLA: Soy mucho más espectadora de otros géneros. Te diría que me engancho más cuando siento que me podría pasar a mí. Si algo está muy alejado me cuesta imaginarlo. Pero cuando veo actores o actrices que se lo creen me apasiona, porque es como es como un juego de niños, como en El Eternauta. Es muy alejado de lo que hacemos nosotros como actores en general. Actuamos en comedia o drama, textos más cercanos. "El teatro en Buenos Aires es único, como en pocos lugares" Guillermo Pfening GUILLERMO PFENING: A mí me gusta, pero no me llevo bien con las naves, las armas y la violencia de algunos relatos de ciencia ficción. Me atrae lo distópico, lo que es más metafísico. —¿Qué es lo más difícil de este género? M.S: Para mí es encontrar una verdad. Una está muy acostumbrada a ver este tipo de ficción en el cine. Hay algo del plano, del detalle, del exterior, que se cuenta todo el tiempo porque tenés una cámara y secuencias, con muchos efectos. Al ser tan analógico el teatro, pese a que esta obra tiene imagen y tiene sonido que acompaña, todo está muy puesto en nosotros. Lo más difícil es cómo se hace. Contamos con un colaborador artístico, Juan Branca, que nos subrayaba que éramos seis personas normales a las que les pasa algo fantástico. ¿Qué te pasaría si te estalla el teléfono y a otro amigo también y se corta la luz? El miedo crece. G.P: Cuando tuve que hacer ciencia ficción, los que hicimos una película aquí en la Argentina lo más difícil fue trabajar con los cromas y las pantallas verdes e imaginarte gente y objetos que no están ahí. Lo que tiene este tipo de ficción para actuar es que te da un nivel de fantasía tremendo. Algo que no te enseñan en las escuelas de teatro. Vos podés crear un mundo totalmente corrido del que vivimos y fantasioso. Tiene que ver mucho con los niños. Actuar, jugar y permitirse ser como cuando eras pequeño. En ese sentido es divertido. —¿Cómo fue trabajar con un director de cine como Hernán Guerschuny que debuta en el teatro? M.S: Creo que acercó caminos a la hora de contar. Porque él tenía conocimientos que un director de teatro tal vez no tiene. Estuvo muy abierto a escucharnos. Fue un trabajo en equipo, con confianza. Hay que confiar en el que está mirando y seguir el camino que te va marcando el otro. Un director es como un capitán de barco, timonea para un lado y nosotros nos subimos y vamos confiando. El teatro se modifica todo el tiempo. Teníamos todos muy claro que la ficción no podía quedar alejada de la gente. Se necesitaba que la historia se entienda. G.P: Fue un proceso para todos muy batallado. Lo buscamos mucho, descartamos las primeras ideas y fue todo un proceso que nos unió como actores y también como grupo porque no es una obra fácil. Quizás en el cine tenés muchos recursos, planos, detalles, pero en el teatro no. Por eso estamos reformulando y repensando todo el tiempo el espectáculo. A Hernán como director integral se le sumó Juan Branca, en la colaboración artística que nos ayudó mucho, más que nada con lo físico, los movimientos a largo de la puesta en escena. Ambos hicieron muy buen equipo. —¿Tuvieron presente a la película del 2013 dirigida por James Ward Byrkit? M.S: La verdad es que yo no. La tuvo más presente, obviamente, Gonzalo (Heredia) quien desde hace mucho tiempo estuvo trabajando en la adaptación y el director. Preferí no basarme en la película, además ahí son ocho personajes y nosotros somos seis. En el film hay muchos recursos que nosotros tuvimos que soltar. La ciencia ficción, o lo fantástico, es un género particular y no es para todo el mundo, entonces hay que tratar de acercarlo. "No hay apoyo del INCAA y es imposible hacer cine salvo con las plataformas" Mey Scápola G.P: Más o menos. La vi, pero hay partes que no sé si las entendí. Fue como una referencia. Me quedé un poco afuera. Creo que la película tiene algo que te suelta en un momento de la mano. Eso era lo no queríamos que pase con el espectáculo teatral. —¿Cómo ven al cine y al teatro en estos tiempos? M.S: Al cine no lo veo, básicamente porque no hay. Ojalá pudiera decirte cómo veo el cine. Creo que no sé si se hicieron tres películas en todo este año. Obviamente es una situación muy difícil. Le da trabajo a muchísima gente, no solo a los actores, también técnicos, guionistas, camarógrafos, maquilladores, son cientos de personas las que trabajan en una película. No hay apoyo del Incaa y es imposible en este país, salvo con las plataformas. Y la respuesta a esto es que el teatro está explotado, hay más propuestas que nunca. Es como el único refugio que nos queda. El teatro sigue siendo bastante autogestivo incluso entre los productores, porque acá tuvimos tres que apostaron. G.P: Al teatro lo veo superbién. Creo que va a empezar a vivir otro momento, siempre pasa cuando hay crisis. Todo el mundo va al teatro, actores, productores y directores. Es parecido a lo que pasó desde el 2001 hasta el 2003, cuando surgieron grandes camadas de creadores, como Rafael Spregelburd o Cristian Drut. El teatro como un lugar de resistencia. El teatro en Buenos Aires es único, hay en muy pocos lugares del mundo. Con respecto al cine, me fascina, pero hoy no se puede hacer en la Argentina. Hay muchos proyectos colgados. Tengo el mío, una película que se iba a titular Alice, que es sobre una mujer adicta a las cirugías estéticas. Tenía todo para hacerla, estaba buscando más dinero porque la plata que te daba el Incaa nunca alcanza para financiar, es sólo un cuarto, que después debés devolver. No te la regalaban. Somos muchos los directores que quedamos así. Ahora dan sólo cinco subsidios y se presentan doscientos proyectos. —¿Se modificaron sus vidas en esta realidad? M.S: Básicamente tengo que tener más trabajos que antes para llegar a fin de mes. Me parece que estamos todos iguales. A mí me gusta mucho lo que hago y también diversificarme, dirigir, actuar y hacer radio. Estamos intentando tener muchos proyectos al mismo tiempo porque no sabés cuánto va a durar. Los actores no escapamos de esa realidad. Siempre digo: somos privilegiados, hacemos lo que nos gusta, con gente que queremos y tenemos un sueldo digno en este momento. Hay gente que la está pasando mucho peor que nosotros. La realidad me modificó, pero hay gente que la modificó mucho más que a mí. G.P: Sí. Muchísimo. Vivo con mucho menos dinero. Por suerte estuve trabajando los últimos tres años en Europa, filmando películas y series en España. Ahora hay que ajustarse, porque hay poco trabajo, como le pasa a todo el mundo.

Todo manifiesto plantea una toma de posición frente a la contemporaneidad o al presente, ese arco espacio-temporal donde nos vamos transformando. Y el escombro puede evocar tanto ruinas como la piedra en el aire de una reconstrucción. Algo de esto conjuga el viaje de la protagonista de Manifiesto Escombro, obra con recursos del teatro y de la ópera contemporánea que presentamos con la compañía Núcleo Silvestre desde el viernes 15 de agosto, a las 22, en el teatro Excéntrico de la 18º (Lerma 420). La protagonista es una mujer extranjera que se encuentra en un territorio en ruinas tanto individuales como colectivas. Se trata de una criatura híperacelerada con una memoria compuesta por relatos heredados y atravesada por la condición violenta, y al mismo tiempo fulgurante, del fragmento. ¿Es posible solicitar la linealidad de acciones y pensamientos a alguien que se propone trascender este presente para establecer un porvenir esencialmente más sano? Finalmente se trata, como dice la protagonista, “de poner el oído y dejarse filtrar”. Su deriva en escena atraviesa el cuento infantil en su lado más sinuoso y siniestro, también el encuentro con un perro que recita el Tao y el Libro Rojo de Mao. Pasa, además, por referencias al opio y a la hipótesis de una revolución futura protagonizada por el fentanilo con citas del Qué hacer de Vladimir Lenin. En Manifiesto Escombro las citas de las grandes obras son ruinas que se rigen por el principio escénico de lo inestable y mutable. Esto no les gusta a los autoritarios El ejercicio del periodismo profesional y crítico es un pilar fundamental de la democracia. Por eso molesta a quienes creen ser los dueños de la verdad. “Ya no más padre. Ya no más tierra. Yo y los escombros”, dice la protagonista que va de la respiración a la palabra y desde ahí al canto lírico, asumiendo su condición atomizada como potencia para trascender el presente que habita. Solo atravesando se conoce el pasaje y el peso de una decisión. Y ella se propone transitarlo en un gesto de afirmación tan crudo como imprescindible. Manifiesto Escombro es una obra con una fuerte impronta sonora y está basada en El cielo al caer, texto de mi autoría, publicado por el Instituto Nacional del Teatro y por nuestra editorial Núcleo Silvestre Ediciones. Este material tuvo diferentes versiones y en cada una establecí una puesta totalmente nueva. Actualmente la protagoniza la soprano y actriz uruguaya Sofía Drever quien se incorporó a Núcleo Silvestre junto al compositor y violonchelista Manuel Pérez Vizán. Una constante en todas las versiones fue la presencia del artista sonoro Pablo Reche, referente del noise, con un aporte sonoro fundamental. Mientras que el espacio escénico, y el diseño lumínico, fue realizado por Facundo Estol quien dialogó con las proyecciones de Juan Ignacio Sánchez. Núcleo Silvestre es un espacio de trabajo conformado por diferentes personas y disciplinas. Además de las obras, desarrollamos la editorial Núcleo Silvestre Ediciones, a cargo de la editora cubana Adys de la Rosa. Con nuestra editorial hemos realizado intercambios con el Fondo Editorial del Estado de México (FOEM). También son parte de la compañía la coreógrafa y bailarina Silvia Pritz, a cargo de una parte del movimiento escénico en Manifiesto Escombro; la actriz francesa Claire Salabelle y el fotoperiodista Leo Vaca. Ensayamos y nos presentamos tanto en teatros como en espacios no convenciales (sociedades de fomento, clubes, imprentas, entre otros). Los viernes 15, 22, 29 agosto; y el viernes 5 de septiembre, siempre a las 22, estamos en El Excéntrico de la 18º, el teatro de Cristina Banegas quien, junto a su equipo, recibió con generosidad nuestra propuesta. Finalmente, la potencia de las artes escénicas es generar una experiencia que proponga otra calidad del tiempo en que vivimos. En momentos de tanta brutalidad, lo frágil de la condición efímera del teatro es su virtud más preciada, necesaria y acaso reparadora. Y la persistencia su carga política más nítida y manifiesta. *Autor y director de Núcleo Silvestre Teatro.

Autorizo a KUARZO ARGENTINA S.A. y/o NET TV S.A., en adelante “LAS PRODUCTORAS” y sus respectivas casas matrices, afiliadas, subsidiarias, concesionarias, sucesores y asignatarias a hacer uso de mi presencia para cualquier Programa televisivo (el “Programa”) y en conexión con Kuarzo Argentina S.A. y/o NET TV S.A. u otros. ACEPTO EXPRESAMENTE QUE: 1. Autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna. 2. Se realicen grabaciones y se tomen fotografías de mi persona, graben mi voz, conversaciones, dichos, hechos y sonidos, durante y en conexión con mi participación en el Programa (en adelante, los “Materiales”), sin que deban pagarme compensación alguna. Autorizo a LAS PRODUCTORAS y/o al Canal a exhibir, reproducir o publicar en cualquier forma tales fotografías, filmaciones y/o grabaciones en cualquier y todos los medios de comunicación, inclusive en las promociones del Programa y presto conformidad para que se publique mi nombre. A tal efecto, otorgo mi consentimiento expreso para ser filmado, grabado y/o fotografiado y para que las filmaciones, grabaciones e imágenes resultantes sean exhibidas, reproducidas o publicadas por LAS PRODUCTORAS y/o el Canal. 3. Acepto que LAS PRODUCTORAS y/o el Canal serán los dueños exclusivos de los resultados y ganancias de los Materiales con el derecho al registro de propiedad intelectual, al uso y otorgamiento de permisos para que otros lo usen, en cualquier forma y mediante cualquier medio. En consecuencia, autorizo expresa, irrevocable e incondicionalmente a la transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de los Materiales en todos y cualquier medio de comunicación incluyendo, sin limitación alguna, los servicios de televisión por aire, antena, cable o satélite, radio, medios gráficos, cine, Internet (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “webcasting”, y video “on demand”) y servicios móviles y/o inalámbricos (incluyendo, sin limitación, “streaming”, descargas (“downloads”), “podcasting” y “wireless media”), en su totalidad o en una porción, con cualquier finalidad, sin límite de tiempo y no encontrándose dicha autorización limitada a la República Argentina y sin estar obligada LAS PRODUCTORAS y/o el Canal a realizar ningún tipo de pago adicional. ME COMPROMETO EXPRESAMENTE A: Guardar estricta confidencialidad acerca de toda la información que Uds. pongan en mi conocimiento que tenga algún tipo de relación con el Programa. No compartiré dicha información con terceras personas. Me obligo a realizar todos los actos razonablemente necesarios y adoptar todas las medidas conducentes para asegurar que la información recibida no sea utilizada por terceros, revelada o divulgada, total o parcialmente. No utilizaré la información para otro propósito que el de participar en el Programa. Acepto y comprendo que el incumplimiento por mi parte de lo anteriormente descripto traerá aparejadas consecuencias sumamente graves para Uds. y que, por lo tanto, deberé indemnizarlos por los daños y perjuicios que tal violación les ocasione. Por la presente renuncio a mi derecho de inspección o aprobación de mi presentación o los usos de que tal presentación se haga. Asimismo, acuerdo no presentar ningún reclamo de ninguna naturaleza en absoluto contra nadie en relación con el ejercicio del permiso otorgado por la presente.

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